抽象艺术论文篇(1)

我们十分欣喜地看到了一本图文并茂的艺术理论专著《中国抽象艺术学》的出版。

《中国抽象艺术学》是中国第一部系统的抽象艺术理论学术专著。作者许德民，是一位跨领域的艺术家。作为抽象画家，他从半具象、意象画开始，在二十多年前走进抽象，坚持至今。作为诗人，许德民曾是复旦诗社第一任社长，他从写哲理诗、抒情诗、城市诗、意象纯诗到抽象诗，已经走过三十多年的历程。匪夷所思的是，他的绘画和诗歌竟然都在抽象境界中异途同归——从情感型到非情感型到对情感的摒弃，从理性到非理性的探索与实践，走过一条否定之否定的艰难崎岖的艺术道路。

近十多年来，许德民除了绘画、写诗，还把更多的时间用于抽象艺术理论研究。我曾经和他聊过这事，按理说一个画家的本分应该是画好画，少分些心。他说他的理想不是仅仅做一个好画家或好诗人，而是要做一个有自己独立学术思想的艺术家，做一个对历史和社会有贡献的学者型艺术家。一个没有独立学术思想的画家是不能称为艺术家的。同样，艺术如果没有学术的总结、归纳和引导，也影响艺术的深入发展，更不能转化为社会成果让更多的人接受和了解。

他说，中国的抽象艺术文化有五千年的历史，但是我们在各种文本上都找不到它的踪影。抽象文化、抽象审美、抽象思维是中国文化的重要组成，在中国却没有一个研究机构和单位，甚至没有一个专职人员在研究它，这种巨大的文化反差也是他重拾理论的重要原因。他宁可花上几年的时间不画画，或少画画，来做抽象艺术的学问。“我是先行者，使命感和虚荣心都逼着我在这条路上一路走到黑。”八十年代的理想主义和英雄主义的社会理念，至今在他身上保存完好，他自己把自己逼到了一种绝境。

二、看了这本书，我们能得到什么？

如果是画家或美术爱好者，你会全面了解抽象艺术的理论，知道抽象艺术应该具有完整而严密的审美和价值标准，它们是原创、审美、精致、中国文化元素、艺术家的素养和资历。其中最重要莫过于原创。原创是一切艺术的灵魂，更是抽象艺术的灵魂。它的图式、符号、材料、技法、题目、题材应是独创性地运用。就像看到世界上第一幅架上抽象画诞生于一次偶然性的颠覆：康定斯基以“构图”、“即兴”、“抒情”命名的作品，它的陌生化，和“这幅画中无法辨认出构成我们日常生活的那种客观真实。”（米歇尔·瑟福）成就了康定斯基抽象艺术之父的地位。譬如，美国表现主义抽象艺术大师波杰克逊·波洛克，因其独特的“滴洒法”创作了《1948五号作品》，并以1.4亿美元的成交价格成为世界艺术的“标王”。

如果是一个不懂抽象艺术的读者，看了这本书会知道抽象艺术是怎么回事了：他们不会再信口雌黄地说什么抽象画看不懂，或太难懂；是“乱画”，太简单，小孩都会；早过时了，没有标准等等。他会懂得什么叫抽象艺术，抽象艺术该如何审美和理解，并对它产生了一种敬畏。抽象艺术是人人可以进入的艺术，但是要画好抽象画，是十分艰难的。

如果是文化人士或者学者，这本书会告诉你中国五千年抽象文化的诞生、变化和发展。他会更深刻地理解抽象艺术的价值取向和对生命的意义。“象形文字出现以前，在中国新石器时代，抽象符号和元素就出现在史前石器和用具上。从七千多年前中国仰韶文化时期开始，丰富多彩的彩陶纹饰就将中国人的审美带入抽象美。”但长期以来，中国抽象文化是“实证”大于言论，史料多，言论少，使得中国抽象文化一直以“潜在”的方式分散在工艺美术、书法、织锦、建筑、庭园设计等各个领域，没有成为一个单独的美术体系被人认识。因此在漫长的中国美术史上，抽象文化处在一个失语的状态。我们虽为中国庞大的抽象文明而骄傲，却又更为长期以来抽象文化没有受到重视、得到珍惜而惋惜。

三、“抽象诗学”的学术含金量

书中有“抽象诗学”一章，这是许德民近年来研究抽象艺术的最新成果。作为诗人，他始终有着诗人情怀。当他把抽象艺术的研究推向一个高度之后，自然想到了诗歌。诗歌在美术的各个流派里：浪漫主义、超现实主义、荒诞主义、印象主义、意象主义、后现代主义等，都能够找到对应的形式，甚至在很多学术流派里，是诗歌影响了绘画。但是，当绘画走到抽象绘画阶段，诗歌失语了。至今一百年，诗歌（文学）拿不出和抽象艺术对应的文学作品。许德民的抽象诗的出现，在理论上打破了这个僵局。他使得诗歌在创作和审美的理念上，有了和抽象艺术创作和审美相同的途径和境界。抽象诗（抽象文学）的理论的出现，是许德民此书中学术含金量最高的一章。

四、许德民的若干“原创”

《中国抽象艺术学》纠正了中国抽象艺术是跟西方学、西方走的偏见。

抽象艺术论文篇(2)

许德民所说的展览是：在北京宋庄上上美术馆展出的“抽天开象・许德民抽象艺术三十年（北京展）”及“清华美院书画高研班首届许德民抽象艺术研修班师生展”，在上海美术家协会北外滩艺术空间举办的“抽天开象・许德民抽象艺术三十年（上海展）”。展览期间召开了学术研讨会。研讨会上，著名艺术评论家龚云表评价道：“观其三十年抽象艺术，油画、水墨、综合材料，广泛涉猎，各擅胜场。风格语言始终在不断嬗变中演进发展，上下其手，多端深入。尤为突出的，是他在抽象艺术图式学上的建树，标新立异，创意迭出，并将每一图式的演绎推向极致，形成他高标个性、不同凡响的艺术特点，构架起一片‘抽天开象’的广阔艺术空间。”中华艺术宫副馆长、著名抽象艺术家李磊指出：“许德民是中国抽象艺术学学科、抽象文化理论和抽象文学创作、理论的创导者，是中国第一个提出抽象艺术系统化学科理论并且将这门课程第一个带进大学。他的《抽象艺术学》课程也是中国第一门抽象艺术网络公开课（超星尔雅）。2016年在清华美院开办许德民抽象艺术专修班，并在当年举办了艺术研修班师生展，创下第一个学院派抽象艺术师生展。2009年后，他接连出版了三本抽象艺术专著：《中国抽象艺术学》《抽象艺术文化论》《抽象诗》，奠定了他在中国抽象艺术文化领域开拓者的地位。”

独特的抽象画创作以及抽象理论的建构与推广让许德民这位出自名校却自学成才的艺术家获得了众多京沪美术理论家、画家的赞叹认可。中国艺术研究院副院长、著名抽象艺术家谭平认为：“许德民三十年抽象艺术的探索。无论是油画、还是水墨、还是拼贴、材料等等，从各个领域来进行抽象艺术的研究，取得了非常丰硕的成果。在抽象艺术教育和推广方面，他也做出了表率”。著名艺术批评家杨卫在北京展序言中写道：“许德民是当代中国抽象艺术的代表艺术家之一，他不仅是在创作上，而且在理论建构、启蒙教育等方方面面，为抽象艺术在中国的发展与传播，做了大量厥功甚伟的工作。”不过这份光彩并非从天而降，而是许德民在三十年的坎坷独行中一点点汇聚而成的。作为上世纪80年代风起云涌的大学校园诗歌的代表性诗人，许德民完全可以继续文学的道路；毕业于复旦经济系的他也完全可以从事金融行业，可是许德民却放弃了显然更驾轻就熟的坦途，而拐向一条被冷落的、边缘化的抽象之路。很多人不解，为何三十年守着这几乎不赚钱的抽象艺术，还费时费力，甚至贴钱带助教上课。但许德民却乐此不疲，循着他自设的“往人烟稀少的地方走，做人无我有的艺术”的标准，他找到了抽象艺术这片洼地和宝地。记得第一次与许德民畅谈，是十年前的冬天，在绍兴路上的角度抽象画廊内，谈到他开创的抽象诗时，他兴奋地说：“两个星期前我的心态还处在马上要得诺贝尔奖的激动中，两个星期后稍稍平复了一些。”那种自信，那份在自己的艺术王国里的怡然自得，让我印象深刻。十年过去了，再访他，依然是那般激情澎湃、侃侃而谈。虽然诗歌不再是许德民的主业，但是骨子里他还是个诗人，有着不顾世俗的纯粹，一寸寸现实的光阴并没有让他世故起来，言谈举止中依然流露着上世纪80年性主义的痕迹。

在抽象世界里诗意独行

“这几张油画是我最新的‘天工开物’系列。前前后后画了两三年，完成起来是非常困难的，不断修改。”在画室，许德民指着两幅3米高，1.5米宽的巨幅画，一脸认真地跟我说道。只见画上有两种颜色：中国黑和中国红，或明或暗地有书法、篆刻、青铜、甲骨文等各种中国抽象图案的变形，颇有古风遗。而这斑驳的底色，个性化的图式，也让我联想到了许德民的人生经历。

许德民，1953年12月生于上海，1970年上山下乡做了知青，1975年被推荐为工农兵学员，进入浙江冶校财会专业。恢复高考后，1979年许德民考进复旦大学经济系，之后因为有多年写诗经历，被高年级学长通过“海选”发现拉进系赛诗队。上世纪80年代是文学盛行的年代，那时复旦校园里每年都会举行两届全校赛诗会，每个系都会派代表参加。1980年12月，许德民创作的朗诵诗《心灵的自白》代表经济系参赛获创作奖第一名，这首诗因针砭时弊，表达了青年人强烈的爱国主义情操，引起了全场学生强烈的共鸣，朗诵期间“如雷般的掌声”响了20多次，最长的一次竟有3分钟，整个会场几乎被学生的热情所撑破，许德民因此在复旦一夜成名。而后他参加复旦学生会主席竞选，当选为副主席，负责社团工作。1981年5月27日校庆日那天，许德民发起的复旦诗社正式成立，他出任第一任社长，诗刊《诗耕地》主编。复旦诗社是中国新时期大学中最早的校级学生诗社。1983年许德民又主编了复旦诗社的第一本诗歌合集《海星星》，几经再版，共发行将近8万册，当年在全国影响深远。

作诗的同时，许德民还喜欢画画，虽是自学，却自成一格。中国文艺评论家协会副主席毛时安回忆道：“ 1985年，我俩一起获得首届上海文学奖。获奖者一起同游富春江、千岛湖。许德民给作家王小鹰、沈善增、王安忆画速写，寥寥几笔，形神兼备。”

1986年时，许德民开始迷上用布作画，俗称布贴画。他经常去裁缝摊上捡那些花花绿绿的碎布。“碎布都是裁剪留下来的边角料，是随机的，拼成一个画面的时候，就存在很多偶然性、不确定性，很抽象，我找到了这种形式的美。”许德民说道。1988年，许德民和他人一起要出版一套诗集，因为对出版社提供的插图不满意，就自己画起了插图，都是超现实、梦幻意象风格的黑白钢笔画，也有纯抽象的绘画。1990年，他出版了第一本画册《现代幻像画》，是国内较早出版的一本现代主义风格的画册。毛时安回忆：“1991年我给他的《现代幻像画》写了长篇评论。在一次赴杭州参加上海、浙江油画联展开幕式的旅途中，我曾向当年上海滩顶尖的中青年油画家展示那本画册，竟然博得那些心高气傲的艺术家们的一致喝彩：大气！要知道这些赞语出自那些看过无数艺术精品原作、自己也在画坛名重一时，相互之间也不太买账的行家之口，意味着什么？”

1991年，许德民迷上水墨抽象画。他从一开始就拒绝雷同，多年之后终于找到了一种新的独特的绘画技法――“拓水墨”。掌握了“拓水墨”这门“绝技”，许德民本可按此图式持续走下去，但是他却不，在对东方精神的视觉呈现，风格图式的原创多变和技术上极致的不懈追求中，又创作了《色彩境界》《视觉音乐》《发生与选择》《纸墨春秋》《天工开物》和《汉字水墨――中国小吃》等多个系列作品……

在画室，我看到几个很小的蒸笼，里面放着几个纸饺子，颇感好奇，再仔细一看，原来是用手纸包的，上面画有汉字书法线条或水墨抽象画。许德民告诉我，这就是《汉字水墨・中国小吃》系列装置作品。“里面的馅是中外典籍粉碎后拌成的馅。手纸点心，以逆道德的观念，将‘吃’与‘泄’巧合一体，让双方的自由入侵消解冲突。物质精神化，精神物质化，精神和物质的能量转换或动力消解构成作品的意义。”手纸是世界元素、典籍是人类文明的象征、水墨汉字和饺子馄饨是中国元素，中国和世界，生命两极：吃与泄，物质和精神，将这些符号和元素装置化呈现，构成了丰富、复杂、多值的逻辑关系。许德民认为这个系列是他最满意的作品之一。

除了抽象画，许德民还经常创作抽象诗。抽象诗完全不按照语法和词组的排列，而是单个文字的随意自由而有意味的组合。他解释道：“我把文字从语法的笼子里解放了出来，用非词组、非语法、非逻辑的‘字组’构成形式体系，创建了一种新的视觉空间和抽象语境。”在许德民看来，第一部抽象诗集的意义和中国文学史上第一部白话文诗集的意义是一致的，开创了独立的诗歌风格。

抽象文化是一种生命文化

2000年许德民在上海创办了中国第一个专业抽象画廊――角度抽象画廊。他说：“我要为上海这座城市消费一个画廊，让更多的人通过这个窗口来了解抽象画这种世界性的艺术形态。”由于长年来抽象艺术始终没有成为主流文化的一部分，几乎所有的人都不理解抽象画。于是曾当过老师的许德民就又“好为人师”起来。2004年，他策划主持了上海首次公益性的抽象艺术系列十讲。为准备演讲，他广泛寻找资料，结果发现中国这方面的资料很匮乏，于是他就开始独立研究理论，撰写文章。2006年，他主编并出版了中国第一本抽象艺术杂志《中国抽象艺术》。2009年，他的专著《中国抽象艺术学》出版。在研究过程中，他发觉抽象艺术不仅是一门学科，更是一个非常重要的生命文化。因此，2009年他回母校复旦大学开创了通识教育核心课程“抽象艺术学―抽象艺术审美与创造”，希望通过教学来检验抽象艺术文化与生活的关系，探讨它的现实意义。

抽象艺术学课堂上，很多曾自称为“艺术”而对艺术敬而远之的学生开始自信满满，因为许老师告诉他们：“欣赏抽象画和会画抽象画是每个人的天赋，是人天生就有的能力。”七年里，500多个复旦学生选了这门课。学生们对这门课的满意率基本上是100%，其中70%以上是“非常满意”。在与抽象艺术的近距离接触中，很多学生表示自身的改变不止于审美。学生孙晨迪说：“这门课程改变了我的思维方式。我一直希望自己是个理性的人，甚至视自己非理性的一些想法、行为为可恶的缺点，想要摒弃，然而现在我明白了，那些缺点非但是正常的，而且让我的生活有了动力和快乐。生命中的非理性给予了我充实的过去、现在和将来，真实而有意义。”在高速发展的社会和激烈的竞争形势下，在“经世致用”现实的围攻下，学生们走着被期望的中规中矩的道路，但是他们内心深处有不甘、有迷茫，而抽象艺术唤醒了他们内心的渴望，帮助他们找到真正的自我。

2015年，许德民在中国国际书画艺术研究会创作基地举办许德民抽象艺术创作强化班，这也是中国美术教育机构首次开设抽象艺术创作强化班。2016年，许德民被清华美院书画高研班聘为导师，开创清华美院书画高研班――许德民抽象艺术研修班。一年后，在北京展出的学生成果展，让很多人惊喜，每个学生都自成一格，各具特色。不过让许德民更欣喜的是，2016年，中央美院、天津美院、清华美院都开始招收抽象艺术专业的学生，中国终于有了抽象艺术这门学科的萌芽。

三十年在抽象领域跋山涉水，许德民收获的不是物质，而是精神。尽管他已经获得了一个中国画家在体制内的最高成就：国家一级美术师、教授、中国美术家协会会员，作品多次入选全国美展等。但是相比之下，有些细节可能更加让他欣慰：譬如多年前，著名评论家吴亮看到许德民的抽象诗后大感失望，甚至产生想敲打一下“误入歧途”的许德民的冲动，但是此次在许德民抽象艺术三十年展上，吴亮看到挂在墙上的抽象诗后，大为赞叹，认为是展览中最好的作品。同样这个展览，八年前上海视觉艺术学院首聘的荣誉教授、西班牙艺术家卡洛斯・莫瑞先生原本只是路过展览，结果在他的画前呆了很久不愿离去，并留言：你是我在中国看到的最好的抽象艺术家。又如，2006年时，许德民就有了成立一个抽象艺术沙龙的想法，但是人心难聚，最后不了了之。2016年末，上海抽象画会宣告成立，成为中国“抽象之都”的第一个真正意义上的抽象艺术学术团体。许德民被推举为首任会长。这一切都是水到渠成的。及这些，许德民脸上又浮现一种少年般的激情与纯粹。许多年过去却几乎一点也没“老成”，也许是因为他一直在理想主义的轨迹上前行，追求着复旦精神所倡导的“自由而无用的灵魂”。

对话许德民

记者：很多人认为抽象画就是可以随心所欲地画，你怎么看这样的观点？

许德民：现在有些画家，凭着胆子画，看似风格强烈、很奔放，但在我们专业的人看来，单调雷同，有明显的模仿痕迹，是抽象画中最初级的入门练习之作，甚至有行画之嫌。抽象画以独创为宗旨，必须人无我有，精心构思，每个色块、每根线条、每块肌理，都要再三斟酌，结构严谨，但还要看似随心所欲、偶发天成。外松内紧，内行看门道。

记者：在你看来，抽象艺术的标准是什么？

许德民：抽象艺术是门槛低台阶高的艺术，容易鱼龙混杂、滥竽充数。专家们的认知观念都相差那么多，普通人就更懵了。所以抽象艺术的一个重要问题是价值标准问题，就是抽象画的“好”与“坏”。我认为，抽象画首要标准就是原创性，不管是什么艺术方式，抽象的、观念的、装置的，都该是原创至上。第二是审美性。抽象艺术审美的宗旨是唯美，对每个细节都精益求精。当然，这个美可能是以“丑”的面目出现的。第三是技巧性。是否有技巧难度，是否神来之笔，技巧的不可复制性，如同当今倡导的工匠精神。目前国内真正具有原创性的抽象画很少，尤其是国际原创性。很多画家的技巧很好，画也很好看，但是从国际原创的价值要求来衡量的话，就会发现差距其实很远。

记者：现在人们更为熟悉西方的抽象艺术，你如何思考创作具有东方文化气质的抽象画？

许德民：这些年我一直在思考抽象艺术的中国化。作为一个中国的抽象艺术家，必须要画出独特的中国风，才对得起这片土地。中国抽象文化具有悠久的历史，中国人的祖先在史前人类早期的活动中，就在生活和生产用具上，在岩画、石器、瓦罐和骨针上留下了他们最早的抽象符号。中国人大规模创造抽象符号、图案是从彩陶时期开始的，后来还体现在青铜器、甲骨文、书法、篆刻、建筑、赏石、陶瓷、漆器等各个领域。我在创作《天工开物》时，就用了很多中国符号，先行解构，然后将碎片再组合成一个符合现代视觉审美的新符号，使整个视觉风格很抽象又很东方。

抽象艺术论文篇(3)

关键词：

上海作为现代国际都市，与国际交流十分密切，起源于欧洲的抽象艺术就是在这种中外交流中进入上海。但是它那无规律、无秩序、无具体物象的形式并没有引起大众的喜爱，经过近几年上海艺术市场的逐步发展，抽象艺术热潮也在上海迅速形成，同时抽象艺术也一步步被大众所接受喜爱。抽象艺术热潮已经影响生活的各个领域。目前，它已经成为大众追求时尚潮流的一种标志。

1.抽象艺术的本体论述

什么是抽象艺术？抽象艺术是相对于具象艺术而言，它塑造的艺术形象已经大幅度偏离或分离抛弃具体物象外观的艺术，只通过点、线、色彩、块面、形体构图来传达某种情绪。抽象一词的本义是指人类对事物非本质因素的舍弃和对本质因素的抽取。这就是抽象艺术的特点，抽象艺术就是脱离客观存在事物的约束，简化客观的细节去最大的强调情感意味。抽象一词应用在美术研究领域中称为抽象艺术。

抽象艺术与艺术抽象是不同的，所以首先应该区别它们的差异。1朗格认为：艺术抽象是一种不同于科学、数学和逻辑的抽象。它不是通过归纳概括的方式从某一类相似的事物中抽离出它们共同的形式。艺术抽象得到的仍然是具体的某物，然而这个某物却包含了比现实某物多得多的内容，包含着一种普遍的意义，容纳更多意味的东西。说得更明确些，就是断绝这个某物与现实的一切关系，与自然脱离。与此同时使其外观形象达到完美，成为一个不用分析解释便可直接把握的概念性形式。抽象方法实施后，抽象物仍然呈现具体的形式，然而它的一切方面：形象、轮廓、节奏、色彩、运动等都比未经抽象后的自然物包含了更多的内容与意味，作为有机整体的艺术形象就成为一种情感符号。它们的相同点是表现出来的都是一种虚幻的空间，朗格说：“虚幻空间是各种造型艺术的基本幻想”。构图的各种因素、色彩和形状的每一种运用都用来创造、支配和发展这种单独为视力存在的图画空间。它们的不同点是，艺术抽象还是以具体的实物为载体的，但是抽象艺术就是已经抛弃了具体实物的形式，不再以具体实物为载体来表现情感，只用点、线、块面、色彩构成来组成一种独特的形式美来表现情感。但是抽象艺术的形式美成为直接的虚幻空间，没有具体的物象。相对与艺术抽象，抽象艺术更能通过直接的视觉效果看到画面的本质。

克莱夫·贝尔说的“有意味的形式”也不是具体的形象，只是抽象的形式：“艺术家能够用线条、色彩的各种组合来表达自己对这一“现实”的感受。”阿恩海姆说：“表现性就存在于结构之中”，“不必联系式样所表现的自然事物，就能从式样本身见出表现性”。2抽象艺术基本上脱离具体的物象，以点、线、块面、色彩构成组成一种情感符号。这种情感符号比艺术抽象更有意味。艺术抽象看到的是具体的物象，表现的是抽象的意味。但是抽象艺术看到的是抽象的形式美，表现的更是抽象的意味，已经脱离了具体物象的载体，情感本身就是一种很抽象的形式，情感的复杂性的表现不是能用具体的语言和物象就能表现出来的，它需要一种抽象的意味形式来表现出来。

康定斯基认为：“它从表现上尽可能地消除客观因素(即现实)，并通过非物质的形式体现作品的内容。在这里客观的意味减弱，抽象的意味极大的增强。这也就说抽象艺术不受客观因素的影响，如透视、光影、比例等。它用直接的形式最大自由的表现情感。朗格认为从艺术极向符号本体的过程，就是艺术家对事物的认识逐渐深化，从具象的实物到抽象的形式，又到形式知觉本质的过程，而抽象艺术的出现也就是具象艺术向抽象艺术发展的结果。这也说明抽象艺术的产生也是艺术本体发展的进步。

2.抽象艺术创作思想的形成

据上海美协副主席朱国荣介绍，现在上海已经涌现出一批专门从事抽象艺术创作的画家，其中多数是新生代的画家。上海角度抽象画廊主持人统计，全国目前拥有抽象艺术家大约1000名，上海占了500名，在这500人中，比较成熟的大约100名。因此，说上海占了半壁江山，似乎并不过分。

丹纳说：“我首先“认定艺术作品不是孤立的，”一件艺术作品，无论是一幅画，一出悲剧，一座雕像，显而易见属于一个总体”丹纳为艺术品设定的三个“总体”。第一，它从属于文艺家全部作品这一个总体。也就是说抽象艺术家创作的作品都有相似性，有自己独立的风格。第二“艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的，有一个包括艺术家在内的总体，比艺术家更扩大，就是他们隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族”。上海有1000多名的抽象艺术家，这些抽象艺术家思想倾向、美学主张、创作方法和表现风格方面相似和相近已经不自觉的形成抽象流派。第三，这个艺术家家族本身还包括在一个更广大的总体之内，就是在他周围而有趣味的和它一致的社会。

丹纳没有从艺术本体中探讨艺术发生、发展。而是从社会、从现实去解释这种作品存在的必然性。丹纳从“环境”、“时代”、“种族”三个“动因”分析影响艺术家的创作思想的原因，从而决定艺术的特征。艺术思潮的产生总是由它以产生的特定的时代变革和社会文化背景有关4。抽象艺术热潮在上海的形成不是艺术家个人能办到的，而是在抽象艺术流派和社会这个大的环境下形成的。上海作为国际现代都市，与西方的文化交流密切。随着国内艺术与国际艺术间的碰撞，起源与欧洲的抽象艺术代表着现代艺术独特的形式美。上海都市环境的日新月异，生活节奏加快，高楼大厦、磁浮列车、东方之珠、车流穿行、这一切无不体现浓厚的现代美。设计步入人们生活，简约和时尚成为现代都市的主流。高科技和现代美学思想使得生活变得简洁明快，人们生活也开始习惯简洁明快，同时已经无法忍受那些烦琐的构造和装饰。艺术家的创作源泉来源于生活，生活的变化也促使他们改变表现生活的形式。抽象艺术的形式美更能直接表现现代都市的简约和时尚。抽象艺术的热潮也必然引起生活的变化，绘画、家居、服装、建筑、设计等无不带有抽象艺术意味。

同时，艺术思潮的产生还有艺术自身的发展对艺术思想提出新的要求的原因。具象绘画经过了 几千年的发展，已经创造了辉煌的成就，现在的艺术家已经到了山穷水尽的地步，以往的表现内容，表现风格，只要能想到的都已经有了。抽象艺术作为当代的新的艺术手段为艺术开拓了新的艺术形式美。

艺术价值的产生还在于满足人们的特殊的精神需要—审美需要，外国人士在上海很多，他们大多来自于欧洲，受欧洲当代抽象艺术的影响，普遍偏爱抽象艺术，他们认为抽象艺术是最能表现现代人的灵魂和情感。市场的需求也促使艺术家纷纷抛弃传统的创作手法，改换抽象表现。

3.接受群体分析

抽象艺术进入上海以后经过很长时间的冷落。上海美协副主席朱国荣说：“现在不少老百姓喜欢抽象艺术。像金茂大厦这类高档的公共场所也张挂起来抽象作品，这对市民审美情趣的变化产生了较大的影响。从不理解，到有点理解，到接受，进而喜欢，这也是抽象艺术进入上海的里程。2006年底首届上海抽象艺术高峰论坛也在沪开幕，这标志着抽象艺术在上海良好发展。这几年抽象艺术展每年要举行很多次，上海美术馆教育部主任马楚华告诉记者，上海美术馆新馆落成以后的三年中，所举办的画展中将近百分之七十都是抽像画展，而且，这种趋势还在逐年增长。

抽象艺术虽然起源于欧洲，但是中国人对抽象艺术有种独特的情感。中国传统民族文化思想是儒、道、佛合一。但真正的中国艺术精神来自于老庄的道家思想，道家讲究“意”、“游”，指的是在精神王国里自由神游，主客合一，追求一种无拘无束的虚静之意境。中国画从不讲究画面透视、光影、比例等，只用点、线的皴擦和留白就能表现出意犹未尽的意味，虽然也有一定的具体的物象但是它已经脱离客观条件的很多束缚，并且具有抽象艺术的意味。中国人对抽象艺术的陌生是对新事物出现的最初抵抗，等待对新事物熟悉以后就会很容易接受抽象艺术形式美。

同时，上海国际都市时刻追求国际时尚潮流，除外商喜欢抽象艺术外，上海小资情调的白领人士也处处走在时尚前列，引导时尚潮流。抽象艺术表现当代简约形式美更多体现一种现代都市符号，不容置疑深受这些白领人士的喜爱。随着抽象艺术思想的影响和市民的审美意识的提高，相信不久会有更多的人喜欢抽象艺术。

艺术作品、艺术家、艺术接受者三者共同构成了艺术活动的全部过程。我们必须把这三个独立的环节作为一个完整的艺术系统来进行综合的、全面的研究。抽象艺术在上海形成火热局面不是某一者所决定的，是抽象艺术本体的自律性发展、艺术家在当代中外现实条件下艺术思潮的影响、接受者欣赏艺术水平的提高和需求三者相互影响、相互作用下共同造就了抽象艺术热潮在上海形成的局面。

参考文献

苏珊·朗格（美国）. 《情感与形式》. 中国社会科学出版社，1980.

鲁道夫·阿恩海姆 著  滕守尧 朱疆源 译 《艺术与视知觉》. 中国社会科学院，1984.

丹纳  著  傅雷 译《艺术哲学》. 天津社会科学出版社，2004.

王宏建.《艺术概论》. 文化艺术出版社，2001.

徐复观.《中国艺术精神》. 春风文艺出版社，1987.

杨里佳.《2003上海私人画廊》. 上海语丝出版社，2004.

（作者单位：黄河科技学院  河南郑州  450000）

1(美国)  苏珊·朗格 著 《情感与形式》中国社会科学出版社，1980年，第19页

2 阿恩海姆《艺术与视知觉》，中国社会科学院 1984

抽象艺术论文篇(4)

关键词：建筑设计；抽象艺术；研究

从当前我国的发展现状来看，建筑工程不仅仅是一项技术性的产物，还具有艺术性特征。随着社会的发展以及人们生活水平的提高，人们对于建筑工程提出了更高的要求，设计者在对建筑工程进行设计的过程中，不仅要求其具有基本的功能，还应当适应当前社会发展的要求，使其具有一定的艺术美感。抽象艺术是现代化设计者对建筑结构设计中常使用的一种设计技术，这一设计给建筑工程带来了一定的美感，给人们留下了深刻的印象。

一、抽象艺术的概述

从通俗意义上来讲，抽象艺术包含两种含义，第一种也就是相对比较明确的含义，也就是说，艺术作品中具有一定的艺术形态，例如抽象画等；而第二种也就是相对比较笼统的含义，泛指所有带有抽象意识的虚拟事物，例如设计作品中的艺术设计、某个时期潮流的艺术作品等。

随着社会的发展，虽然“抽象”一词被人们广泛提及，但是其具体含义却不够清晰，有些学者认为，抽象作品不易使人们理解与懂得，例如文学派中的一些抽象画；还有一些人认为抽象能够表达一种意识形态，属于一种虚拟的美丽与感受。这种抽象具有一定的纯粹性与自由性。作者在创作的过程中可以随意抒发自己的感情，并且通过谨慎小心在虚拟的世界中创作出另一种美感的作用。但是，我们知道，上述两种虽然受到了人们的广泛关注，但是其对抽象的理解依然不够全面，要想获得更为具体的“抽象”含义，那么就需要将上述两种有机的结合起来。

二、艺术与信息论的概述

抽象与具体是两个不同且向对应的概念，抽象是将一些事物的共同特征通过某一种形式将其分离出来，从而给人们另一种视觉感受。其能够对一些复杂事物进行概括并简化。目前，人们在对大多数艺术作品进行观赏的过程中，很多人都将抽象的概念视作不易理解与懂得的作用，其传达的是与世界之外的信息。若我们将这一概念应用在建筑设计当中，由于人们对其无法深入理解，因此在建筑设计中应用不合理，最终导致建筑设计不合理，无法给人们留下深刻的印象，致使建筑工程也比较凌乱，造成设计上的失败。

从现代化信息论的含义来看，我们可以将艺术作品向人们表达出的意思分为三种，第一种是语义信息，也就是人们能够在艺术作品中找到其传达的世界信息；第二种是符号信息，也就是设计者在创作与设计艺术作品的过程中，按照自身的感受来创作，从而传达一种信息要求；第三种是表现信息，也就是在对艺术作品进行观赏的过程中，人们只能够从表面来获取信息。

“抽象”在艺术领域有两种含义，其一是一件传达了可见世界以外的某些方面信息的作品，根据它传达的信息不太完整或更为完整的情况，而被说成更多地或更少地是抽象的，这种再现性的抽象叫做“语义性抽象”；另一种含义是指许多不同种类的艺术中所有那些不传达或意在不传达外在世界信息的艺术作品，它不描绘不塑造任何事物，只不过是由非传统的要素塑造，由非传统的结构所组成的人工制品，在作品与被再现的事物之间不存在任何关系，因为作品不再现它本身之外的任何事物，这种非再现性的抽象叫做“非传统抽象”。在抽象化与单纯化的口号下，风格派提倡数学精神。从后印象主义经过立体主义走向抽象创造的蒙德里安，使黑和白的分割、黑与黄的冲突达到原色的和谐。因而。平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起精确严格且自足完善的几何风格。

三、抽象艺术在建筑设计中的应用

1、再现性语义抽象

在现代建筑物的形态造型以及室内空间结构、家具摆设上，抽象艺术的应用极为常见。抽象艺术若作为一种文化来讲，其表现形式一般是通过现实事物中某一个被夸大化了的细节，或者功能等所设计和表现出来的一种新事物。直白来说，就是将现实生活中所存在的一个具体事物的某一处细节，或者某一方面的功能进行夸大，然后设计和发展出一种常人不易理解的新生事物。比如在建筑工程的室内设计中，房间家具的设计和摆设便可以利用抽象设计来对某个细节进行夸大，从而设计出更为简洁大方，具有丰富内涵的建筑家具，从而令使用者爱不释手。风格派的建筑设计需要设计者具有较高的提炼技术，才可在复杂的设计上表达出简约的风格。在现实生活中，风格派的建筑家具在设计上有着极为独特的造型和风格，一般来说，风格派的家具设计主要有着以下几个特点：一个醒目的色彩，风格派的艺术设计需要利用突出醒目的色彩去吸引和抓住观者的眼球，引起其的重视；二，简练的造型，简练一直是风格派所坚持的一种设计理念，因为风格派艺术设计讲究数学精神，因此其在造型上会尤其注意平面空间内点、线面的结合；三，多种材质的混搭等。总而言之，建筑设计中所应用到的抽象艺术，一般都源于建筑师在设计时运用了再现性语义的抽象方法，通过建筑作品中某一细节处的语义或符号信息，来传达和体现建筑设计的思想和目的。

2、建筑图中的抽象艺术理论

在建筑工程领域，经过现代主义之后对抽象建筑形式的认识实现了某种程度上的普及，所以在后现代建筑设计中运用较为广泛。而在研究中它对于非习惯，非传统形态的建筑设计要进行合理恩考，避免在设计中出现墨守成规和缺乏活力的设计方式。在建筑图中画配景时，把配景的细节部分舍弃而抽象地画出，最常见的是人和树的程式画法。

3、室内设计的应用

运用抽象元素如鲜明的色彩、活泼的图案，会有很多人感觉难以适应，且与传统的设计风格又格格不入，其实，抽象元素很容易与现代室内风格相配合。很久以来，传统的设计装饰图案：点、锯齿形、重复的条纹与自然的、生物的形状常被用于装饰设计之中，现代的艺术家和设计师们延续了这一传统，使用现代设计手法古为今用、变形改造等获得强有力的表现效果，在色彩上常常运用黑白两色强烈比对的形式。黑白两色与三原色的组合是抽象艺术设计的典型表现，能够形成一种明快的色彩设计，中性色的墙壁使得抽象图案成为空间的主角，装饰品和布艺的多种色彩相映成趣，这就便抽象完全融入到了设计之中。

四、结束语

在古代，建筑之美主要体现在其具体概念上，而如今，建筑之美也开始从其具体转移到抽象美之上。随着社会的发展以及人类文明的进步，人们的审美观也发生了巨大的变化，抽象艺术理论在建筑设计中得到了更为广泛的应用，并且也受到了人们的广泛关注，成为社会发展的必然。

参考文献

[1] 杨建华. 20世纪初的抽象艺术对建筑影响之探讨[D]. 华侨大学 2006

抽象艺术论文篇(5)

康定斯基（Wassily Kandinsky，1866―1944）20世纪艺术大师是现代抽象表现主义艺术的实践和理论先驱。他在抽象绘画理论方面的研究对于色彩、绘画的形式、绘画表现的重点均有独特的见解。康定斯基的绘画及其理论对达达主义、表现主义、超现实主义等现代艺术产生了深远影响，可以说康定斯基开启了西方现代绘画主义的大门。值得让人一提的是康定斯基与1912年写成的《艺术中的精神》一书，是现代艺术理论的经典文献之一。它探讨了艺术与社会文化、艺术与人类精神的关系，以及在现代社会中艺术精神面临的危机。同时，阐述了纯粹绘画的形式和精神问题，并勾勒出现代色彩构成和平面构成的基本设想。《艺术中的精神》内涵深刻，为现代抽象主义艺术和设计奠定了坚实的美学基础。

康定斯基在1910年创作了第一幅抽象水彩画作品，在这幅抽象作品中我们看不到可以辨认的具体的物象，康定斯基摒弃了绘画中一切描绘性的因素，线条和色彩成为画中的独立因素，纯粹以抽象的色彩和线条来表达内心的精神。康定斯基对这幅作品进行了有意味的形似处理，线条的断续形成了张力，产生贯穿全画而相互作用和联系的节奏。色彩独立的表现形状，作为平面而游离于一个不确定的空间，与描述性的内容相分离。这幅作品被认为是抽象表现主义形式的第一例，被视为抽象画的发端。康定斯基试图通过对世界的抽象化的呈现来超越世界，他的抽象的处理试图为我们以本能的方式去感知，去领悟或者说在朴素的色彩上赋予精神意蕴。对康定斯基而言，色彩不仅是自然生命的信号，更是外在生命的证据，他把色彩从画面的轮廓中解放出来，在他的作品中色彩是没有轮廓的限制的，显示出一种无拘无束，没有边际的扩张力。康定斯基在他的抽象艺术理论中称：每个形体都有其自己的内容，这就是它们之间内在的音响，世界上没有一种形体不在述说着什么，作为一名艺术家就是要求揭示并学会利用这些内在的音响，就是要在形体之间建立起一种如同“伴奏”的和谐。康定斯基相信，色彩可以传达情感，心灵的生活必能通过物化媒质传达，所以艺术家看似信手几笔，实应饱含胸臆。从康定斯基的抽象绘画中我们可以感受到一种唤醒心灵的内在驱力，他的目的乃是唤醒心灵，体验物质及抽象现象背后的精神实质。这“背后的精神”，接近于真正的宗教体验，然而真正的宗教体验又是纯粹的内心的体验。康定斯基认为抽象的绘画，若使人忘记“万象虚表”并入乎“幽深心田”，艺术作品的关键不在其物理外表而在与“情致”和“精神氛围”。作为抽象艺术的开山鼻祖，康定斯基可以说是抽象艺术的代名词，凡是涉及到抽象艺术的研究必然会有大量对康定斯基的研究。在西方现代美术史上抽象艺术一直扮演着重要的角色。在西方的理论界有很多关于抽象艺术批评和抽象艺术的研究文章，为绘画史留下了宝贵的财富同时在一定程度上推动了抽象艺术的发展。回顾西方艺术的发展你会发现，在中世纪以及文艺复兴时期几乎都是宗教题材的作品几乎到了垄断的程度，这时期的绘画史为宗教服务的。到17、18世纪时，绘画主要是以文学的叙述性为主，绘画几乎成为了文学的附属品。到了19世纪，自然主义画家开始以现实生活为创作题材，反映真实的现实世界，绘画从文学的束缚中得以解脱。印象主义进一步将自然的客观性与科学性注入绘画，而后印象主义则开始注重画家主观情感的表达。从历史的回顾中我们不难发现，在20世纪以前，不管艺术是如何的变化，始终都与实现世界相联系，艺术从来没有摆脱束缚而获得完全的独立。20世纪康定斯基创造性的将画面的元素从自然的依附中解放出来，注重表达它们自身的特质与内在的声音，同时将抽象艺术加以理论化，是抽象艺术有了自己的合法身份。康定斯基使艺术摆脱了物质的外套，需按照“内在需要”原则，由“内在”声音的符号重新组合，形成真正的抽象艺术作品。

19世纪末20世纪初的欧洲经济处于高速发展的时期，其艺术的发展也处于非常活跃的阶段。百年后的今天我们的经济也获得了前所未有的发展速度，也许百年真的就是一个轮回而不是简单的巧合。康定斯基曾经描述道这样一种时代：“人们的耳目失聪就会给表面的成就以特别的意义，他们只关心物质利益，物质主义如噩梦般横行多年，掌控心灵，把人类的生活卷入邪恶、无聊的玩乐漩涡，……纯粹的精神力量顶多是被人忽视，再不就是个根本无人所察觉。……在这样的时代中，艺术只满足于有失体面的生存。它只是出于物质目的而被使用。它在鄙俗的物质中为自己的内容寻找题材，……这样的时代画家通常是没有说话的余地。他只有画出一些平淡的“异样作品”时才会被人说及。因为这个“异样作品”，一小群有声望的艺术资助和行家才看好他（随后就好带来巨大的物质好处），每一个“艺术中心”里都有无以数计的这样的画家，他们中的多数只热衷于探求新的风格，他们毫无冲动地，心脏冰冷地。精神昏昏欲睡地创造着无以计数的艺术作品。

康定斯基所描绘的那样一个时代不正是对我们今天现状的真实写照吗？我们更当叹息，今天的人们非但从物质主义中警醒，物质主义的噩梦反而深入艺术的肌骨。其实，康定斯基时代的窘境远远不如今日严重。彼时说“精神”听到的人尚能心领神会；此时说“精神”却有种愚昧的味道。当代的艺术圈充斥着物质主义，在当代艺术里寻求精神意义，不亚于大海捞针的难度。当代艺术不屑于表达所谓的精神，也不敢迎头棒喝，点化世人。用康定斯基用过的另一种理念来说，当代艺术与“崇高”无缘，与欣赏者的内心震撼无缘。如今，艺术圈已有了明确的商业意识形态，金钱成了衡量以个艺术家成功与否的价值。艺术品成为了商品，商品身份成了艺术品的首要身份，市场价值成了艺术品的首要价值。如此，艺术竟以迎合外在目的为己任，若谈艺术作品的“内在驱力”竟是奢望，也会显得不合时宜且流于迂蠢。

所以，今天艺术所面临的最大问题是艺术信念的缺失，艺术家不再相信艺术活动就是精神活动。和康定斯基一样，如今的艺术家也站在经济快速发展的时代，不同的是现在的时代已不是康定斯基当初的时代，康定斯基的时代已经完结，而今天的艺术家能否像康定斯基那样认识到，艺术若要新生，必须要返璞归真，重拾旧念。艺术家必须要为精神而活，并以自身的艺术区唤醒精神生活。艺术家要坚定的相信，艺术是精神生活中最力的一环，能让人找到精神的安宁，艺术是发现个人内心真理的最好途径。总之，今天的艺术家比任何时候都更难成为精神的艺术家，虽然，有些当代的艺术作品，确实蕴含丰沛真实的情感，但是，真正做到情画合一的仍是凤毛麟角。然而必须坚信的是，只有做精神的艺术家，才可以在这个被物质充斥的世界里成为正在的艺术英雄，成为我们时代的康定斯基。

抽象艺术论文篇(6)

关键词：抽象主义；平面设计；点、线、面；理性；图形

中图分类号：J04 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）23-0065-01

毫无疑问，抽象绘画对本世纪的视觉风格产生了深远的影响。抽象绘画大大丰富了设计作品的美学概念等诸多因素，在平面设计中表现的尤其明显。抽象绘画中隐藏着很多的创意要素、视觉要素、构图要素、样式要素和造型要素等等，这对平面设计具有很大的指导意义。现代抽象绘画画家瓦西里・康定斯基、包罗・克利、勃拉克、蒙德里安等，很多都在德国的包豪斯学校任教过，他们在抽象绘画创作和艺术设计上都发挥了很大的促进作用，为以后的设计创作积累了系统的、丰富的艺术创作经验。

抽象主义又称抽象表现主义，或抽象派。二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派。抽象主义认为艺术是抽象的，且主要是即席创作的。抽象主义绘画在表现形式上把自然物象高度地精神化，把绘画的构图形式从自然物象具象的内容中摆脱出来，抽象的表现了内容的形式、色彩、结构的美。同时赋予了点、线、面以鲜活的生命力。其创作思维也是是把现实物象转变为理性所控制的结构形式。

世纪初当西方抽象艺术被作为一个艺术的发展方向提出来后，有不少的艺术家、理论家都在创作和理论上进行了探索。其中在两方面都有突出贡献的当属抽象主义的代表人物、现代抽象艺术理论和实践上的奠基人康定斯基，他认为艺术的构成不是由于模仿自然，而是有它自己的视觉语言，像自然那样。在康定斯基出版的论抽象构成的理论著作《点、线、面》中，总结出点、线、面是最基本的造型语言。莱斯里西加在《平面图》一书的概论中说：“相对于设计功能的复杂性来说，简洁是衡量设计是否简单和优美的标准。例如，设计同样简洁，传达更多信息的则更好。相反，传达同样信息的两幅设计，更简洁的那幅更优美，粗糙常常会使设计失败。”这里给了现代平面设计一个重要的启示，简洁不仅指的是平面设计版面的编排，同时也是指在平面设计中的创作思维，都对设计对象科学理性的把握。平面设计作品中的文字、图片及其周围的空白都处于一种基础的结构形式中。这一点其实就是抽象主义绘画中采用点、线、面的表现形式的体现。

抽象主义另一位代表人物蒙得里安，在他的绘画作品中充满了平衡和理性。在其代表作《红、黄、蓝的构成》中，其构图形式是简单的黑色线条形成简洁明晰的框架结构。整个画面除了三原色，就是横线和竖线。但通过蒙德里安巧妙地组织色块，辅以黑色的线条，再加上适当地留白，使整幅画回归到一种宁静与平衡的理性秩序中。蒙德里安的这幅作品最精彩的地方可能就在于他运用了极端的对立的形式语言和色彩语言，但是通过一定的构图法则，将这些对立的语言协调起来，并且在画面中营造出一种有节奏的平衡感。这种巧妙的分割与组合画面并使其成为一个有节奏，有动感的画面，对现代平面设计有节奏的分割和组合空间有着重要的启示作用。同时抽象主义绘画在构图中所追求的视觉上的平衡和色彩上的平衡，也对现代平面设计有一定的影响。

随着西方抽象主义绘画在中国不断的发展，抽象主义也开始融入到中国的平面设计中并使其迅速发展与世界接轨。但是，当中国在接受国际化认同的过程中，为了加快认同的脚步，反而容易掉入西方抽象的审美体制，而忽略了本身已经具备的传统文化质地，实为可惜。未来，在文化信息强力的沟通下，我们虽然可以期待，人类情感将慢慢的产生普遍交流与相互认同，但是中国平面设计，如何把持自我的观点，在融合的过程中，不被西方的审美体系所淹没，相对的，就显的格外重要了。

抽象主义绘画在思维方式上为现代平面设计提供了它们所需要的营养，在构图形式上给现代平面设计提供了借鉴，二者相互影响、相互促进，对于现代平面设计具有重要的促进作用。值得一提的是，抽象主义绘画对构图形式和色彩运用以及创作思维的思考不仅对平面设计产生了影响，而且还对设计教育在基础课程的设置上产生了影响。在现代设计教育的发源地包豪斯，最早将抽象主义中的构成意味以三大构成的课程设置开展开来。因此我们可以看到任何艺术都不是孤立存在的，在自身的发展中需要不断吸取来自不同领域的艺术形式和创作的思想。由此看出艺术之间是一种互动的关系，在这个互动的关系中，也可以看到每种艺术的丰富都会带动其他领域艺术的发展。这也为我们提供了一种研究思路，那就是在认识各种艺术流派中寻找灵感，去丰富现代设计语言。

参考文献：

抽象艺术论文篇(7)

关键词：抽象艺术 时代

人类社会进入资本主义发展的文明阶段，现代的工业化文明改变着传统的生活方式。人类的眼睛从宏观世界转移到了微观世界，艺术家必然要选择新的艺术语言去表现他们眼中的新世界。我想从抽象与移情的心理学角度说明抽象艺术为什么会在我们现代生活中出现，也就是说抽象艺术出现有时代的必然性，时代的发展决定着艺术形态的变化。

一、抽象与移情理论

在谈现代的抽象艺术出现之前，我想谈一下抽象与移情理论，“当现代艺术正处于萌芽时期，其自身形态和样式还没有完全展开。沃林格看到任何艺术都有其存在的理由”，例如古埃及、晚期罗马和拜占庭与正统古希腊艺术形态是不同的，这些古代艺术存在的价值没有被后人重视，并不是因为这些艺术品艺术价值不高，它们完全是另一种艺术意志的标准，是一种抽象的艺术需求。移情心理不是艺术的唯一标准，与之相反的抽象心理也是一种艺术标准，而这种心理往往被我们忽视了。当代艺术同样需要抽象的艺术标准判定其艺术价值。

二、抽象艺术的心理条件

抽象的心理需要哪些条件呢？我们需要到那些民族的世界感中去寻找，以我们面对外界的态度去谈心理条件。“抽象是人由外界引起人的巨大心里不安，还带有一定的宗教色彩，对空间的极度恐惧”，人类面对紊乱而广阔的世界时对空间产生本能的心里恐惧，“当安全的世界崩溃之时，人类不可避免的要受到噩梦的骚扰，受到原物的黑暗骚乱的困惑，魔鬼与恐怖母生这两个原型形象，将统治这个世界。魔鬼是阴森可怕的，令人压抑，是黑暗的象征，”面对外界混沌和变化，由此萌发出了一种巨大的安定需求，他们就开始在艺术中寻求幸福安全。

三、抽象艺术出现与时代条件

20世纪资本主义国家为了劳动力和市场的争夺发动了世界大战。工业革命，或多或少反映了这个时代的政治经济和文化精神的重要变革，人们思想、情感极其复杂。艺术创作逐渐远离了文艺复兴的传统艺术，走向变形，解体，采用荒诞的抽象艺术语言。因此，西方的艺术逐渐告别具象，逐步走向抽象。

（一）康定斯基与他的第一幅抽象画

康定斯基移居慕尼黑从事绘画事业的时候，整个欧洲正处在“世纪末”精神颓废的文化气氛当中。艺术家和知识分子都对当时社会极其不满厌恶甚至在逃避，需要寻求心理安慰和幸福感。康定斯基本人也经历了两次世界大战所带来的社会动荡和精神危机，他本人的思想带有很强的危机意识有革新现实的志向。康定斯基的第一幅抽象画是1910年在慕尼黑画室创作的，从此绘画突破了传统的牢笼。从具象的画的桎中完全解放出来了，给画坛带来了前所未有的新视角。他认为抽象绘画不仅是造型的，也是精神的一种绘画，其色彩和形象具有独特的精神性，它们只是用来表现精神的符号。

（二）现代抽象画派的出现

1.印象派

现代艺术应该从印象派开始，印象派也是西方现代艺术的里程碑，1864年，面对印象派的出现，法国的批评家恩斯特・歇思诺在他的评论中曾这样写道：“印象画派提倡的新的绘画风格和内在精神即将成为时代的潮流继续下去，在不久的将来绘画仅仅依靠几笔就能出来色彩。”当今，西方绘画当中的抽象绘画与传统的写实绘画确实是分道扬镳了。这些抽象作品明显的绘画风格特征是：纯粹是点、线、面、色彩构成，画面没有确定的主题，没有解释说明意图，没有确定的情节、内容、布景，没有确定的时代和历史面貌，对传统的古典绘画规范毫无保留地抛弃，画家沉醉于自我内心的表白和主观的自我感受，推崇自我的主观世界的想象力，抛弃了理论观点、拒绝实物的写实，主张与自我心灵对话。而且，这些抽象作品不是随心所欲随意的涂抹，而是有意的，有动机的、有目的的创作结果。

2.立体派

立体主义画派最终使西方绘画进入抽象世界，毕加索、蒙德里安等人的艺术绘画作品最终彻底颠覆了传统绘画。焦点透视被彻底抛弃，散点透视、多层次的透视，甚至无透视介入画面。传统绘画题材如宗教、历史、风俗、神话、政治，这些都在支配着绘画，这时被具有革新精神的年轻画家们涤荡得荡然无存，画面上只保留了绘画最根本的因素：点、线、面。

艺术是人类精神文明必不可少的组成部分，第二次世界大战后，绘画从具象走向抽象已经不是当代艺术的核心问题，它已经深入到了现代艺术血液里。由此，它成为现代艺术不能缺少的一个重要元素。直到今天，现代艺术也没有走出抽象艺术的框架。现代人对抽象艺术的倾向是一如既往的。

参考文献：

[1]沃林格.抽象与移情对艺术风格的心理学研究.金城出版社，2010