写实艺术论文篇(1)

关键词：图像艺术、写实绘画、作用、影响

谈到图像与绘画，他们一开始就有斩不断的关系，世界上第一架照相机就是德国画家盖达尔1830年发明的，当时叫做“盖达尔”写生机，随着现代科学技术的进步，图像艺术创作无论是在技术方法、媒介材料还是表现手法上都已大大的拓展和进步了。早期图像艺术更多是指“图”的意义，现在则更多是指“像”的意义。现代摄影技术出现以后，图像艺术与绘画艺术更是相互作用和渗透，传统的绘画艺术面临着来自图像艺术的挑战，同时也为绘画艺术在创作方式和创作观念上带来了新的变化。照相写实绘画的出现就是明显的例子。

一、图像艺术与绘画艺术的相互关系

图像艺术和传统绘画艺术在表现意图、创作方式(过程)和最后的展现形式上有很大的区别：现代的纯绘画艺术创作者，在将自己的感情投入在作品中以后，便可能获得内心的满足和精神的慰籍，对于“作品”是否可以为他人所了解、接受一般不在他的主要意图之内。作品与观众只是简单的、很感性的交流，其语言涵义是不清晰的，是有一定距离的，而这也是纯绘画的特殊之处和迷人之处。而图像语言工作者的表现意图大都是根据一定的文字概念，着重在于把文字内容确切地表达，与大多数观众进行沟通并使其理解是他们的主要目标，最常见的如影视作品，广告招贴，元不体现这一创作意图：在制作过程当中，绘画艺术创作者不必遵循一些制作上的规范，他们可以主观地按自己的需求去发挥，即便有理性的思考介入，也是作为情感表达的导引(例如构图和肌理)。相反地，图像艺术的制作从开始就要述说目标，选择并决定适当表现手法。(照相写实绘画在制作上类似于图像作品的生产，因此画面的情绪化特征没有了，作者的情感无法强烈的灌注于作品当中，“照相写实主义”作为“主义”产生了)。绘画创作则是由画家(人)来操作画笔完成作品，这样画家的主观情感不可避免地凝固在作品每一个制作阶段当中了。而图像艺术作品在创作过程中是由制作者来操控机械(摄影机、摄像机、后期暗房机械等)来完成作品，制作具有一定的规范性和机械性。在创作过程中作者的理性活动占主导地位。作者的目的是以自己的理性布局来引导或操控观众的感性。这便是当代艺术重“观念”而轻“绘制”的来源所在。

二、图像在观念、技术、物质及形式方面推动了写实绘画的发展

近20多年来的中国具象作品，几乎都用照片这种二手视觉经验作为艺术表达的主要手段，写生仅仅是一部分画家保留的创作手段。中国照相写实主义出现了冷军、石冲等重要画家，在当代绘画领域，很多艺术家正在借用影像艺术的观念、形式进行创作，有的画家就是因为受到图像艺术的影响，才使作品带上了时代的印记，例如油画家钟飙的作品。

图像艺术对当代绘画艺术创作的影响主要体现在以下几方面：

写实艺术论文篇(2)

文摘要素缺失，信息传递受阻。为了适应网络检索的需要，无论是中文论文文摘还是英文论文文摘，国内外学术刊物大多推行论文摘要撰写“四要素”模式，即：目的、方法、结果、结论[1]。大量有效实践证明，该模式能够完整、集中地反映学术论文之精髓。然而，经笔者仔细观察，许多研究生的学位论文英文摘要中因缺失了某些或某个要素，使得他们的学位论文英文摘要，要么文不达意，让人读后犹如云里雾里，不知所曰，要么完全与其中文摘要意思相悖。用论文摘要的“四要素”来检测，一些学生论文的中文摘要完全符合标准，它包含了目的、方法、结果和结论。当转换到英文时，该论文英文摘要就放了主语缺失和部分含义缺失的严重错误。究其原因，这是因为汉语句子建构在意念主轴（thoughtpivot）上，英语句子建构在形式（或主谓）主轴（formpivotorsubjectpredictpivot）上[2]。也就是说，虽然句子是表达完整意义的语言单位，汉语强调的是意义，不太强调句子结构，许多句子没有主语，还有的句子主语不明显，但意义是明确的；而英语句子特别强调句子结构，绝大多数句子需要主语和谓语。这就要求在论文英文摘要撰写过程中注意句意的转换，学会抓找中心词。而该学生没能做到这点，他只是将一些中文实词用英文简单堆砌就以为可以说明问题。人称代词指代混乱，引发理解歧义。由于学生的英语基本功不扎实，表现在论文英文摘要撰写中最常见的错误就是人称代词的指代混乱，而在以讲求科学性、严谨性的学术研究领域，一旦出现这种低级错误，就会使该论文的科学性、真实性大打折扣，读后给人混乱的感觉，进而影响到整篇论文的学术含量。时态语态含混不清，难以让人理解。时态和语态的应用是大多数研究生在撰写论文英文摘要遇到的一大难题，他们不知何时该用何种时态和语态。通过研究不难发现，他们所撰写的论文英文文摘，有时全文从头到尾只用一种时态，或几种时态杂错，给人不知所云的感觉。而笔者通过对艺术类论文英文摘要的研究、翻译发现，艺术类论文摘要中所采用的时态主要是一般现在时和一般过去时，偶尔也会出现完成时。而语态方面多用主动语态取代传统的被动语态。它们的功能也很明确，即，一般现在时（偶尔有现在完成时）使用于摘要的目的与结论当中[3]。在表述方法时，因主动语态叙述显得亲切，自然和爽直，故目前国内外在科技论文英文摘要撰写中，使用主动语态多于被动语态，以便于读者理解。

艺术类研究生学位论文英文摘要撰写偏误的纠正策略

在艺术类研究生英语课上，教师首先须向学生强调学会学术论文英文摘要撰写是研究生英语学习重要内容之一，也是今后从事科学研究必备的技能。随着教学的深入进行，教师应适时讲解写好学术英文摘要的重要性，以让学生明白研究生英语学习不再是本科生英语学习的延续，也不是为通过学位外语考试而学，它比本科生英语更具挑战性和学术性，促使研究生转变英语学习观念，主动、积极地学习和实践学术论文英文摘要撰写，从而提自己的撰写水平。通过各种教学手段，促使研究生提高学术论文英文摘要撰写水平。在研究生英语教学过程中，教师应结合学生学习实际，有计划地、系统地向学生讲解学术论文英文摘要的撰写方法。例如可向学生循序渐序地介绍撰写学术论文英文摘要的重要性，论文摘要的类型、论文摘要的基本内容和论文摘要的常见文体以及如何撰写论文英文摘要等内容。教师还应适时地挑选一些书写规范、代表性强的论文英文摘要作为范文进行分析讲解，从而让学生获得更多的感性知识。待学生已具备一定学术论文英文摘要撰写理论知识后，要求学生动手来进行写作实践。之后，从学生写作练习中挑出写得较好和写得较差的摘要，采取匿名方式进行讲评，让学生从自己的亲身实践中得到提高。在注重培养学生学术论文英文摘要撰写能力时，教师还应时时注意对学生英语语言基本功的训练，如可通过让学生相互找出并改正写作中存在语病偏误的方式，达到强化其英语语言基本技能的目的。当学生论文英文摘要撰写能力得到一定提高后，鼓励他们尝试着将论文投向一些艺术学学术刊物，以检验学习成效。一旦文稿被采用，他们就会有成就感，就会有更大的信心继续努力学习、努力实践，向着更高的英语学习目标迈进。

结语

写实艺术论文篇(3)

获知姚梦溪获奖的消息同时，也得知她是激烈空间的联合创始人和策展人。这位80后女生在得奖时淡然静雅，略显腼腆，似乎接受颁奖是一种意外却又无需惊诧的结果。她笑容可掬地对大家说：“我不是专业艺术评论写作者，而是以做展览为主要工作。从展览的创作中漩涡式地发现问题，并向之前的IAAC获奖者学习、研究并与之讨论，使我获益良多。”

IAAC：国内第一个有规模的艺术评论奖

第三届国际艺术评论奖（IAAC）秉持一贯的专业性与多元性，共收到中、英文稿件203篇，稿件来自东西欧、南北美洲、印度、东南亚等全球各国，以及中国20个省市和地区。稿件所评论的范围包括个展、群展、公益美术馆展览、私营画廊举办的展览，乃至双年展或其他同类的大型综合展览。这也是IAAC设立的初衷之一：记录所规定年份期限内全球当代艺术展览的历史。

对于国际艺术评论奖三年来的发展历程，姚梦溪谈到：“第一届IAAC评论奖征稿期间声势很大，对国内来说是第一个有规模的评论奖。直到苏伟和张涵露获奖，可以感觉到IAAC很认真在做评选和奖项，两位实至名归。每年都有很多优秀的撰稿人投稿，并且出版文集，对作者给予极大的尊重，或许开始推动更多年轻人写作。我是第一次投稿，希望这篇文字能被更多人看到，现在很多看过这篇文章的人会来找我交流。”

艺术写作的打开方式：如同制作一部录像

作为艺术工作者，姚梦溪进入艺术写作的队列也是自然为之的结果。她说：“正式开始写评论是2013年的一场艺术家自我组织的《太阳展》，之前对参展艺术家有一定了解，认同这样的自我组织，并且为之兴奋，认为错过这个讨论的机会会很遗憾。当时不太懂应该怎么写，观点和语言显得碎片化，Artforum的杨北辰愿意帮我看文章，给了很多中肯的意见。”

正如国际艺术评论奖与优秀的艺术评论者所支持和坚持的原则，艺术批评与一般艺术新闻、展览介绍的写作不同，需要有真正的态度和较好的学养。对此，姚梦溪起先非常坚持“批判性”，后来才认识到这完全不够。她说：“评论作品和喜好无关，需要客观和理性，用知识背景做支撑，作者将作品中难以轻易看到的部分挖掘出来，按照各自的研究方向用逻辑和结构组织起来，如同制作一部录像。”

艺术评论：让语言表述更准确，成为当代艺术本身

艺术评论的领域中，固然不时传来独立思考的声音，但评论语言的佶屈聱牙、猛掉书袋、术语滥用也经常受人诟病。对于语言的表达，姚梦溪认为：“大可不必追求脱颖而出，但有必要让语言表述更准确，取消含混的词句，加入案例取代生涩的词，用文字中的情境帮读者转场。文章如果不是大多数人能理解就是作者咀嚼的时间不够，你不会在日常生活中使用术语，再深奥的哲理也有办法用一般语言描述。”

同时，姚梦溪认为，评论不仅仅是写文章，它是一种创作，它也是当代艺术本身。“我想批评人一定要像艺术家一样重新思考文字和展览的关系，文字和作品的关系。把写作当成创作，并入生产关系里去。这样评论就不仅仅是评论了，它是具有延伸性的当代艺术本身。”

艺术、市场与体制：坚持当代艺术的独立性

我们常说，“没有资本就没有空气”，“市场是我们的衣食父母”。但是姚梦溪始终坚持当代艺术的独立性，她认为：“机制和当代艺术是一个整体，也包括市场，但当代艺术绝对是独立的，它不应该从源头上受到市场的左右。除此之外，市场还没有眷顾到我，我对市场并不熟悉。”

IAAC的历届获奖者似乎都会被问到同一个问题：“你目前的经济来源是什么？”对此，姚梦溪的回答是：“暂时没有经济来源。体制和现状是裹挟在实践中的一部分，说是独立策划人实际也身在其中，如果是相对体制来说的独立，那是不存在的，无法保持纯粹的独立性。实践者应该有自己的研究方向，独立思考，不随波逐流。”

艺术实践：制造可实施的机制替代批判其他机制

激烈空间主要以项目的方式，强调空间生产，以日常经验角度介入到艺术关系之中，并进行情境化的工作实践。谈到与艺术家石青、黄浩淞一起创办激烈空间的初衷，姚梦溪表示：“想要用行动代替语言，制造可实施的机制替代批判其他机制。”

激烈空间的工作对姚梦溪的策展、评论写作也产生了较多的影响。她介绍说：“激烈空间的三位主创都有自己的工作方向，彼此交集又各自独立，当然也相互影响。激烈空间和我个人都有许多长期的工作。在没有激烈空间的2013年，我和一些艺术家组织了自我学习小组―― 每周读书会，2014年5月我们从临时讨论点转移到激烈的实体空间，做读书会、展览、项目汇报及研讨，随着学习小组工作的深入，发展出四场独立的活动/展览，以及PSA的青策项目《展览的噩梦（下）：双向剧场》。“地方工作”是激烈空间的长期项目，该项目主张艺术家和各行业从业者回到自己最熟悉的地方（家乡、工作地、生活地）用e暇时间开展调查和创作。今年，我们主动走访了不同参与者的调查创作场所，在现实环境中观察创作背景，这帮助我个人理解了中国现代性之前的地方逻辑和叙事，对写作有基础性的帮助。”

写实艺术论文篇(4)

关 键 词：公共艺术 教材编撰 统筹 自主 革新 框架 走势

在全国各高校对公共艺术教育的认知上，很多人都能说出它的重要性，但在具体行动实施上可谓参差有别，一般来说，理论研究型名牌大学和普通教学实践型高校就有着客观的不同层面的划分，这种划分往往是根据名高校触及学术前沿而起到领头雁的作用，或对教育形势的走势敏感而捷足先登，公共艺术教育在这样大的前提下似乎也不例外。然而各高校公共艺术课程教材的建设甚至包括名牌大学的局面也存在凌乱、深浅不一和各自为政、不尽如意的现实状态，名高校如此，普通高校渐次递减，职业技术学院的层面几乎就谈不到公共艺术课程教材的建设了。当前公共艺术教育处在全面探索和全面启动建设的历史时期，公共艺术教材建设是公共艺术教育整体建设的重要组成部分，所以我们有必要对教材的建设进行慎重思考和仔细的研究。

对于教材的定义一般为：“泛指教师用于教学的所有材料。包括教学大纲、讲授提纲、教科书、教学参考书、指定的书目等。”除此，与大学公共艺术教学相匹配的“声乐”“器乐”“美术”“书法”的技法类书籍以及影视类、舞蹈类等书籍均属高校公共艺术教材范畴，以下的课程教材编撰研究着重以欣赏理论教科书为研究对象。

一、编撰公共艺术教材的基础因素

1.公共艺术教育课程整体建设制约教材的编写

高校公共艺术教材建设是艺术课程整体建设的有机组成部分，课程建设的每一个环节之间都是相互关联、相互作用、互相制约的。公共艺术课程教材与课程设置需要同步建设，建设好课程教材是艺术教师上好理论课的基础保障，也是公共艺术教育向外拓展技能实践环节的依据，即便是艺术门类之间也都是关联、协调、照应、理顺的关系，所以公共艺术教育教材建设是受着课程建设整体发展状况制约的。反之，如果教材建设以外的建设环节没有受到足够的重视，或者都处在半成品状态，而公共艺术课程教材的建设成为一枝独秀、异军突起是不容易做到的，所以它现有状态与每个环节建设冷暖共尝似乎符合现实的逻辑规律。当前各高校公共艺术教材的建设处在好与差并存、精与粗并存、充实与残缺并存的局面。例如有的高校公共艺术教师在某一个艺术门类方面的教学实力突出，编写的教材也相对好一些或者至少是有教材的；反之有的高校艺术教师的教学实力相对薄弱，教材的编写也跟不上来，或者随机性的使用选购教材，致使各艺术门类之间的教材系统上呈现出凹凸不平的现状。所以公共艺术课程教材的建设应该将其熔铸于公共艺术教育主管部门的教材建设纲领统筹之中，进而使公共艺术教育建设的各个环节能够协调的同步发展。

2.非艺术专业大学生艺术素质现状确立教材编写方向

我国在校的大学生来自于五湖四海的都市、乡村，他们在入学前的艺术教育参差不齐，有很多欠发达地区的农村学生入学前根本就没有艺术教育，即便是最发达的都市学生，他们在中小学阶段的艺术教育水平也不平衡。尽管国家的教育法规和国家教育部的相关文件对中小学的艺术（音乐、美术）教育作了明确规定，但因我国长期以来重理轻文的教育导向，使得人们将中小学阶段应该享有同等教育的“通识”学科人为地分出等次，视音体美为“等外公民”，称之为“小三门”，艺术教育不能像其他学科那样从小学、中学到大学的循序渐进不间断地连续下来，造成他们到大学阶段的参差不齐或断档。对于那些根本没有进行过系统基础艺术教育的大学生来说，教材编写存在很大难度，编写的太浅，他们毕竟是有一定知识深度的大学生，编的深了，又会在理解上有一定的难度，因为艺术毕竟不是光靠理论说教能学会的，所以教材的编写一定要考虑到大学生的现有艺术基础状况，编写出既有广度又有深度，既有理论阐述又有实践指导，适合中国大学生艺术教育国情的系列教材。

3.艺术课程教材的编写与课程结构设置

从某种意义上讲，艺术课程结构的安排直接影响教材结构的编写。对公共艺术教育而言，课程的结构设置如在纯粹的欣赏理论层面，就会距离艺术教育的目标太远，因为只停留在欣赏理论层面，会造成艺术教育的单一性、片面性和走上枯燥乏味的不符合艺术教育的歧路，这种艺术教育也是脱节的、浅表的、不完善的，对大学生艺术人格的养成毫无作用，他们对世界的感受可能还是和原来一样没有什么改变。因为我们的公共艺术教育真正的目的不是让这些大学生只会背诵一些画家、音乐家的名字或知道几个名曲、名画，而是通过学习去真正理解艺术的真谛、感悟艺术的内涵、体验艺术的魅力，进而养成高尚的艺术人格，为其所学专业作为潜质的辅助，只有更深更近地接触艺术，才会让大学生心灵世界发生变化。

因此，欣赏理论课和技能实践课只有相互结合、内外渗透、侧重适度才是一条最佳的选择途径。欣赏理论课定位于课堂选修且人人必选（将来的发展趋势应是必修）是所有非专业大学生艺术教育的总趋势。将艺术教育的技能实践环节设置在囊括四大门类艺术的艺术团、第二课堂、兴趣小组等作为吸收艺术特长生和广大艺术爱好者进行技能实践的载体是最佳的选择。于是，既有欣赏又有理论，既有实践又有艺术活动，这是所有高校进行公共艺术教育课程设置的总体方案。由是，以此为依据进行课程教材编写的侧重也就明确了。当然参与技能实践活动的学生客观地在理论基础上外延到技能实践，尽管无法和专业相比，但是这部分学生总算是进行了相对完整的艺术教育，而那些只是单一进行欣赏理论选修的学生可能就缺少对艺术实践的亲身体验所带来的感受。这样参差不齐的艺术教育是我国长期教育体制下势必自然形成的艺术教育的“地形地貌”，也是很难以人的意志为转移的非专业艺术教育的国情，是一个长期以来“重科技，轻人文”功利思想教育的后遗症，要赶上欧美高校艺术教育只是一个期盼。

4.在统一的公共艺术教育大纲下编写教材

明确了这样大的公共艺术教育基本构架，音乐、舞蹈、美术、戏剧这四大门类艺术课程教材还要在一个大的统一纲领下进行编撰。国家规划教材的编写，固然有它的权威性、标准性、整体性的优势所在，但我国幅员辽阔，高校分布在全国各省市、自治区、直辖市，由于各地经济、文化等因素的差异，规划教材就存在某些与具体学校的实际教学情况对应不上的弊端。所以各校自编教材仍然是教材建设发展的主流，这是因为自编教材能够根据一线教学因层面和学生现实状况，及艺术水准和课程结构等不同的具体情况而定；是因为能充分发挥教师教学、教研的主观能动性；是因为能根据地域文化的差异结合本校情况而确定编写内容。但是自编教材往往也有很大的不足，也会因为教师对公共艺术教育学科理解的不同以及教师水平的差异等因素而形成各行其事、各自为政，难免有它的杂乱和质量的参差不齐。

我们主张公共艺术教材无论是国家规划教材还是各校自编教材，都应该由艺术教育的主管部门在大的纲领统筹下进行，建立编审制度。具体地说，可以首先汇总各高校关于公共艺术教材编撰的意见、建议和相关的学术论文，汲取当中可行性学术观点，定期召开相关的改革研究的实施会议，在研究确立公共艺术教育的性质和准确定位后，在此基础上拟订在四大艺术门类范围内的教材编写的纲领方向、教材名称、教材编写提纲和具体内容，注重它的知识性、系统性、连续性、实用性和地域分布特点的基础上，号召鼓励各高校艺术教师在明确公共艺术教育精神的前提下进行参编或自编。参编或自编教材势必带来校际之间的“争鸣”，这应该视之为驱动主观能动和应有的自主学术空间，所以同样章节的编写或整体或部分教材的编写，只要是不离开公共艺术教育总纲特点的大前提，经过专家的鉴定，就可以出版根据各校情况不同的有不同作者版本的教材。这样我们就可以避免规划教材的教条性、自编教材的凌乱性。随之而来的是统筹规划教材，广泛征求各校建议的民主性，自编教材相互兼顾的大局性，从而形成公共艺术教材建设的完整独立体系。

二、 公共艺术教材编撰的框架设计

1．公共艺术教材编撰的三种方案

在公共艺术教材编撰的取舍和教材的结构上，我们试图将公共艺术欣赏教材的编写分三种方案：

第一种方案是将音乐、美术、舞蹈、戏剧欣赏教材的编写，共同构筑在相同的一个平台，就是说将这四大门类艺术教材分别编写出一套自身相对完整的课堂教学用书，这样单册编写也是通常采用的一种方式。教师可以根据有限的课时量讲授主要内容，有目标地选择重点。学生在完成必选课程内容以外，可以对大部分剩余的内容按照老师的提示、指导进行自学，从而使学生既可完成选修课程又可拓宽艺术视野，这样的编写方案是具有集主干内容和外延读物于一体的双重作用。

第二种方案是我们尝试着将四大门类的教材编写在同一本书中。在编写时要注重各门类知识的主次繁略的有序安排，有了繁略、取舍就突出了教学的重点，这样的编写方案比较适合我国目前绝大多数高校的艺术选修课一学年课程安排的教学需要。有些高校的艺术选修课甚至只安排一学期，按每周二学时计算，要在一年或半年内将四大艺术门类的欣赏理论讲授给学生，让学生理解并消化掉，而不考虑教材的侧重与繁略，精炼与取舍，是很难达到教学目标的，因此重点的突出势必考虑到切实的教学质量。在此基础上为了满足更多艺术爱好者的需求，再编撰出有针对性的各艺术学科的课外读物，作为艺术知识的拓宽与外延，从而适应大学艺术普及教育。

如将四大门类的教材编写在同一本书内，我们尝试把音乐欣赏编写内容的比例适当大一些，因为这四大艺术门类相比之下，音乐的听觉艺术给人带来的感官冲击更具有直接性，生活中喜欢和涉足音乐的人群也是最庞大的。美术是视觉的、静态的，它也是有着不同群体层面的庞大队伍，但同音乐相比，参与美术的人群似乎小于音乐，所以美术欣赏编写的内容稍次之。舞蹈和戏剧常常受着艺术特点制约，所以舞蹈和戏剧欣赏编写的内容则再次之。

第三种方案是艺术电子教材的编撰制作，电子教材是采用现代科技手段应用到教学当中的一种新兴教材形式。电子教科书具有容量大、教学直观和声音、图文并茂的立体交叉应用的特点，并且不受时空的限制，既可集中教学，又可以进行网上分散的教学，尤其是艺术类学科更需要音像教学的直观配套手段，即便一般常规的艺术教学不使用电子教材授课的话，制作电子课件和配套音像资料也是非常必要的。电子教科书的编撰与书面教材编撰方式上有很大区别。首先它需要艺术教师具备对电脑软件的熟练应用能力，或者在计算机教师的配合下完成教科书的编撰制作。其次是电子教科书与书面教科书有很大的外在形式上的区别，编撰电子教科书既要根据电子教科书自身编辑的特点规律，又要兼顾到运用教材授课的逻辑规律；既要根据电子教科书自身编辑的容量大和立体效果，又要兼顾到公共艺术教育是普及教育形式的对应性，就是说它也同样存在编纂教材的主次、繁略的公共艺术教育的共性特点。

至于承载艺术教育技能实践环节的艺术团、第二课堂、兴趣小组等的技能课，因其科目繁多、特点各异，各高校可因校、因师、因生而异，编写出适合本校学生具体情况的、适用于技能教学特点的教材、讲义或教案规划。

2．音乐欣赏理论教材编撰案例

(1)音乐欣赏教材编写的思路

音乐欣赏通常分中国名曲欣赏（包括器乐曲、声乐曲和歌剧）、西方经典名曲欣赏（包括器乐曲、艺术歌曲和歌剧）、现代音乐曲目欣赏（包括器乐曲、歌曲和音乐剧）。在欣赏课中还包含中外音乐史、音乐理论的知识简介和相关中外音乐家简介，其中欣赏部分占85%，理论部分占15％。欣赏可按中外名曲欣赏和现代音乐欣赏的顺序来写，也可按器乐曲、声乐曲、歌剧的类别来编写。当然只要按照课时量合理分配原则，还可以按照具体情况或教师的授课方式和技巧的不同调整编写顺序。在音乐欣赏教材开篇的编写不妨将中外音乐史及音乐理论等知识先作适当的简介，注重人物、事件介绍的趣味性，以便提高学生学习的兴趣，让学生对后面的欣赏做相关知识的铺垫，更易于理解后面所介绍的曲目。而欣赏中涉及到相关的作曲家、歌唱家和音乐名词等，应以词条的形式放在欣赏教材的最后便于学生学习查看。

(2)中国名曲欣赏编写要注重时代感

当今的教材普遍存在理论脱离实际的弊病，尤其是音乐教材明显地存在学生“喜欢音乐，而不喜欢上音乐课”的现象。究其原因，对大部分学生而言不能回避的是和音乐基础知识薄弱以及和当今的音乐导向有直接关系，除此而外，那就是和长期以来音乐教材在一定程度上存在的陈旧、脱离现实文化背景有直接关系。伟大优秀的艺术作品都是和时代的脉搏紧密相联的，我们这个时代也有“唱着东方红”“走进新时代”的优秀之作，或者很多适应现在的年轻人口味的优秀作品，但是我们的音乐教材没有把它作为主体编进去，音乐课上学生总听到类似的“没爹没娘”“杨白劳喝卤水”的带着哭腔的音乐。面对这样的教材内容学生的潜意识中可能会产生本能的回避，生活背景的迁移可能就是学生不愿意上音乐课的原因之一。所以中国名曲欣赏的编写范畴应确立在从“新民主主义时期”前后一直到当代各时期的优秀经典之作，编写重点要放在建国后特别是上个世纪80年代以后所产生的优秀作品。只有这样才能让当今的大学生感受到时代的脉搏，与时代相融合，让这个时代的主旋律激荡起大学生心灵的美感。

3.西方经典名曲为编写音乐欣赏的重点

在西方经典名曲欣赏的编写上，重点要放在巴洛克后期到浪漫乐派晚期，因为这段时期的音乐作品是世界音乐最为典型的核心，无论是我国专业音乐欣赏教学，还是西方国家自身音乐欣赏教学，所设置的比重都相对占较大的篇幅，提高大学生高雅艺术的鉴赏能力也必定将这一部分作品作为重点。所谓的西方经典名曲就是指巴洛克后期到20世纪初的一切经得起推敲的、优秀的欧洲音乐。它历经了巴洛克时期音乐、古典乐派、浪漫乐派的全过程，是西方音乐史上最辉煌的时期，很多大师的音乐作品都达到登峰造极的程度，堪称人类音乐的瑰宝和永恒的典范。

在编写这部分教材时首先要选择带有普及性、典型性的作品，作为欣赏课程入门的第一章节，如按音乐类别来编写，则应先选择那些浅显易懂的且为大家熟知的器乐小品，例如巴赫的《小步舞曲》、莫扎特的《弦乐小乐曲》等。因各时期的音乐大师都有优美小巧的器乐小品，这样编写会使从未接触过西方音乐的学生容易接受，对已经有过了解这部分作品的学生易于提高兴趣，对非常熟知这部分作品的学生重新感受这些作品的美妙，最终目的是使不同层面的大学生都能增强学习兴趣。完成这部分入门作品之后，再以和缓的坡度向较深的作品当中进行选择，例如：海顿的交响曲、贝多芬的交响曲，直到浪漫乐派晚期俄罗斯诸位音乐家的管弦乐作品等，都可作为第二三章节的内容进行编写，接下去的章节可按歌剧和艺术歌曲的分类由浅入深的顺次进行编写。当然从注重知识的广度和深度考虑，还要选择一些优秀的但并不在普及层面常出现的音乐作品，这样编写可为热爱艺术的大学生提供更多的课外自学的资料，拓宽学生的艺术视野。

4.现代音乐曲目欣赏的编写要占有适当篇幅

写实艺术论文篇(5)

[关键词]超级写实主义油画；形象刻画；观念表达

[中图分类号]J20[文献标志码]A[DOI]10.3969/j.issn.1009-3729.2012.06.019

超级写实主义又称照相写实主义，源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。超级写实主义绘画是在现代摄影技术发明之后，欧美画家查理·克洛斯、理查德·埃斯蒂斯等人借助于照相机、幻灯机等现代科技工具，发展起来的一种在艺术风格上追求画面造型极其逼真的绘画形式。中国的超级写实主义油画是随着我国的改革开放发展起来的。这一艺术风格留给我们最初的深刻印象莫过于1980年代初罗中立创作的《父亲》（见图1）中那种极其细致入微的形象描绘和画中主人翁感人至深的神情述说留给观众的心灵冲击。正是这种视觉上的“极其真实”和情感上的“深切感动”所给予观众的审美体验，使得超级写实主义画风在中国迅速受到民众的普遍欢迎，并由此产生了一大批如广廷渤、冷军、石冲、徐芒耀、艾轩等从事超级写实主义艺术创作的杰出画家。

作为一种艺术形式，超级写实主义绘画体现了一种艺术家对世界的认识和表达的方式，它在我国的迅速兴起有其特定的历史背景和文化因素：一方面缘于改革开放后我国民众对艺术创作多样化的渴求；另一方面是这种艺术创作方式一经引进中国便立刻融入了中国自身的传统文化内涵，体现了其不同于西方超级写实主义原有的艺术特质。这主要体现在：中国超级写实主义油画不仅注重对画面形象的精微刻画所给予观众极其真实的视觉冲击，还在于其对艺术象外之意的观念表达，从而给予观众心灵震撼。

一、精细入微的形象刻画

超级写实主义绘画的主要艺术特征在于艺术家利用现代摄影及投影技术等科技手段对画面形象进行极其细致的描绘。如美国画家克洛斯、埃斯蒂斯等人笔下尺度巨大的人物肖像、城市街景中的各类物象，不论是人物面部的细微褶皱或细小的毛孔，还是简单的一个瓶子、一辆汽车或一件化妆品等，经过艺术家无微不至地深入刻画，都呈现出一种极其真实的人物形象或是光怪陆离的现代化城市景观。正是这种对画面形象“真实性”的极致追求，使得画面中呈现给观众的艺术形象既极度真实，又非常陌生。这种画面的极度真实往往一方面令很多观众不禁感叹“画得比真的还像”，另一方面又带给观众一种将信将疑般的好奇。所以，“当观众直面一个尺寸数倍于常态而描绘的真实形象时，随之而来的是视觉上全然的陌生感和巨大的震撼感。艺术家以全新的形式改变了人们惯常的视觉接受模式，建构了一个‘不同以往的具象世界’”[1]。就如同我们用高倍显微镜观察一个我们平时都非常熟悉的物体所看到的另一个陌生的微观世界一样令我们感到万分惊奇。因此，尽管超级写实主义绘画利用了照片等现代科技手段进行极其细致的描绘，但是这种艺术创作手法并不是对照片的简单放大，其中追求细致入微的艺术价值更多地体现于画者对一个陌生世界的探索和发现，并一丝不苟地将这种探索和发现的结果用绘画的形式表达了出来。

中国超级写实主义之所以能够带给观众深刻的视觉冲击并迅速兴起，首先就在于其吸收并强化了西方超级写实主义画风中对艺术形象细致入微地深入刻画的造型手法，使得中国的超级写实主义油画作品非常写实并非常具象，很快得到观者的欣赏。作为早期中国超级写实主义油画的代表作品，罗中立的油画《父亲》就是在表现方法上融入了细致入微、极其逼真的油画语言，描绘了一位典型的中国巴蜀老农的巨幅肖像，给民众创造了一种十分亲切的语言形式，使观众受到了强烈的心灵震撼。可以说，如果《父亲》不以这种超级写实主义艺术手法进行真实的描绘，它就不可能令观众产生如此大的视觉冲击和深远影响。所以，当这种极其写实的作品首次出现在中国的美术展厅时，民众和艺术家受到的强烈感官冲击正是源于它的形式的新颖及画面的逼真。此外，像广廷渤的《钢水·汗水》、冷军的《五角星》《肖像之相——小罗》、石冲的《欣慰中的年轻人》《今日景观》等众所熟知的油画作品留给观众的强烈视觉印象，无不都是高度细致的超级写实之风。

作为20世纪初期西学东渐的文化产物之一，油画之于中国民众的深刻印象也是在于其相对于中国传统绘画的无比真实性。为了达到画面形象的真实效果，身为引进西方写实主义油画技法的先驱者之一，徐悲鸿就曾强调绘画作品要“尽精微，致广大”[2]，并为之付出了不懈努力。从徐悲鸿当时所倡导的写实主义油画风格在中国受到的普遍欢迎可以看出，无论是中国的普通民众还是艺术家，都对写实、具象的油画作品具有普遍的审美认同。所以，当改革开放之后这种超级写实主义画风被中国的艺术家吸收并强化之后，它就立刻获取了我国民众的审美认同，以其无比的亲切感在艺术界掀起了巨大的波澜，涌现出一批年轻的画家，他们以中国式的超级写实主义艺术手法，强化并丰富了具象油画的艺术语言。

二、意味隽永的观念表达

虽然超级写实主义绘画起源于20世纪六七十年代的欧美国家，但除了这种极其细致逼真的绘画风格带给观众难以置信的惊叹之外，超级写实主义画风在西方国家并不被当时的评论家所看好。尽管西方超级写实主义绘画在一定程度上是对表现主义、抽象主义等西方现代艺术流派中过于强调艺术家的个人情感而忽视画面造型的一种修正，但其自身又陷入了另一种矫枉过正之境地。所以，在诸如克洛斯的《肯特》《苏珊》等人物肖像作品中，尽管画面刻画得非常精致入微，但由于其缺乏深刻的思想内涵，自然会招来艺术批评家对其画面中造型机械、人物表情麻木、呆滞等缺陷的指责。因此，如果超级写实主义不从绘画的思想主题等内在方面下工夫，而仅仅停留在对照片机械摹写之层面，写实性绘画难免有一天会被日益发达的摄影等现代科技逼到死亡的墙角。

自1839年法国人达盖尔发明了摄影术之后，绘画与摄影之间便展开了持续不断的对话。可以说，摄影术既冲击了西方古典主义写实油画的发展，也催生了现代超级写实主义油画的形成。如今，人们可以利用数码摄影、电脑合成以及镭射投影等各种现代科技手段进行绘画辅助创作，可以达到前人无法企及甚至无法想象的细致入微的真实效果。随着科学技术的进一步发展，相信超级写实性绘画的绘制技术也必将得到进一步的发展。但是，无论科学技术如何进步，超级写实主义绘画的艺术价值不能仅仅停留在对艺术形象的精益求精的表面刻画上。艺术家通过写实的图式再现所表达出的各种思想内涵将慢慢成为主导观众欣赏超级写实主义绘画的重要审美因素。回顾中国超级写实主义绘画的发展历程，其中一个主要特点就是超级写实主义这一绘画形式被引入中国之后，不仅强化和丰富了写实性绘画的造型语言，更重要的一点就是艺术家将其融入到了中国传统艺术注重表意的文化背景之中，利用超级写实的手法赋予了作品更深层次的思想内涵，亦即在作品中赋予了某种观念的东西。也正因为如此，当西方国家的写实性绘画在“绘画死亡论”的唱衰下日渐式微之时，超级写实主义绘画反而在中国扎下了根，并有了枝繁叶茂之势。

事实上，尽管在中国的古代文论或画论中并没有“观念”一词，不过中国传统文艺的诗、文、绘画都非常讲求立意。例如，早在春秋时期的中国古代美学中就有“得意忘象”“立象以尽意”之命题。其中之“意”与唐人张彦远在《历代名画记》中所言“意存笔先，画尽意在”之“意”在内涵上相同，皆相当于我们现在所说之“观念”。所以，在中国的传统文论中虽无“观念”一词，却有注重观念之实。可以说观念（即“意”）是中国传统文艺作品之灵魂，否则便是虚得其貌之劣作，亦如宋代文豪苏轼所言：“论画以形似，见与儿童邻；赋诗必此诗，定知非诗人。”回顾和总结中国超级写实主义油画的发展取向，我们发现无论是罗中立的《父亲》，还是冷军的《五角星》系列、《肖像之相》系列，或是石冲的《行走的人》《欣慰中的年轻人》《物语》等，都不仅仅是对物象的简单描绘，更多的是通过具象写实的手法表达某种富含思想内涵的观念。以获得第九届全国美展金奖的冷军作品《五角星》（见图2）为例，画家所描绘的五角星原型是利用废旧的炮弹壳焊接而成的一个在现代中国具有特殊意义的物象，这样其首先就已经是一个被画家注入了特殊内涵的审美观照对象，然后再经过艺术家运用超级写实的手法重新再现到画布上，所以我们看到的就不再是一幅简单的超级写实的静物画，而是利用这样一种审美观照的对象所表达出的一种寓意深刻的主题。

再如，石冲的油画作品大多来自他自己设计的场景的照片，其照片中的场景是经过艺术家精心构思并注入了一个先在的观念而摆设的，然后用相机将布置好的场景拍摄下来，再通过超级写实的绘画手法进行细致的描绘。作者利用装置、化妆行为、摄影、手工绘制等一系列操作方式，将类似于表达观念的装置艺术转化为架上绘画，从而创造了一系列如《某年某月某日的肖像》《行走的人》等作品，其中充满形而上意味，蕴藏着许多难以捕捉的具有隐喻性的东西。正如石冲本人所言：“绘画能够对当代艺术予以补充并使之产生活力的因素，应是其观念上的当代性，当前卫艺术已逐渐丧失了其可供衡量的价值标准时，更是如此。我试图在不丢开架上绘画的知识和技能的同时，以当代性与这种现实对抗，对抗的方式是观念形态的设置，即在以具象方式呈现‘第二现实’中，输入装置、行为艺术的创造过程和观念形态，从而创造出所谓‘非自然的艺术摹本’。”[3]

当然，中国的超级写实主义绘画在强调表达观念的同时并没有忽视对形的塑造。正如前文所述，中国的超级写实主义绘画是建立在极度具象写实的造型基础之上的一种艺术传达。冷军就曾表示，“我不赞成在艺术上一味张扬自己形而上的思想观念而忽略了形而下的完整表达”，并认为“艺术不是仅凭理性知识或清晰思辨所能够把握和完成的，画面上具体的审美情结及心灵与眼、手同步，才有可能达到有效的结果”[4]。

三、结语

在中国的传统文艺思想中，一向注重“象”与“意”、“形”与“神”或是“画境”与“意境”等相互之间的关系。如春秋战国时期的《易传·系辞传》中提出了“立象以尽意”之命题，东晋顾恺之提出的“以形写神”说，五代荆浩提出的“图真”说，宋人坡提出的“观士人画，如阅天下马，取其意气所到”等皆是强调绘画不能局限于对物象的表面描绘，更要通过对客观物象的描绘以达到“尽意”、“传神”、“取其真”或“取其意气”之目的。所以，当超级写实主义油画传入中国之后，创作者将类似于“尽意”、“图真”等中国传统文艺思想的现代艺术中的观念融入艺术创作之中，可以说是在中国传统文化土壤中生成的必然之果。正因为如此，中国的超级写实主义绘画给人的观感就不仅仅是对绘画本体之表层意义上的技艺上的惊叹，而是绘画本身所蕴含的观念的价值，即绘画作为一种艺术语言传达给了我们怎样一种信息。当然，超级写实主义绘画中的观念表达一般都是很含蓄的。艺术家把自己对生活、对社会、对艺术的思想见解、情感体验等用非常细腻而又含蓄的写实手法融入到作品之中，留给观众的是看似很具象、很直接的绘画形象，实则是一个个很隐秘、很含蓄的遐想艺术空间，让我们有了更多的品味余地。

[参考文献]

[1]范明正.重读超级写实主义绘画 [J].装饰，2005（2）：48.

[2]陈传席.中国绘画美学史[M].北京：人民美术出版社，2000：586.

写实艺术论文篇(6)

第二阶段以吴冠中及海外的赵无极、群的艺术成就为标志。这一阶段中，老艺术家吴冠中公开将“唯心主义”的“抽象艺术”展示给国人，并提出了“抽象美”概念。此阶段的重要人物还包括与吴冠中同时期的、身在法国的赵、朱两位艺术家，二人由于国际视野而致力于中西艺术在精神上的交融，并在中国写意油画的艺术形式与民族文化的身份上都赢得了巨大国际声誉。而第三阶段则一直延续到今天，由于艺术实践的多元化，“写意”倾向的油画家可谓数不胜数，如周春芽、洪凌、张冬峰等都被认为是代表人物。对当代艺术史叙事中“写意油画”发展的三个阶段的划分，笔者无太多异议，但在如何观察与认识这三个阶段上，笔者认为，目前多数评论都是站在批评家的视角来讨论问题的，所以不会出用中国画的笔墨趣味、“六法”与老庄哲学等美学与批评语言来论证这三个阶段的境界的范畴。

事实上，理论是对现实的反思，而不是将现实削足适履地安入理论的框架。理论能够指导实践，就在于其是在对历史的反思中找到实践的合法性的根据。如果将中国传统文人画的笔墨趣味与某些技术特点引入油画实践，是写意油画的判断标准之一的话，那么完全可从丰富的历史语境中梳理出一条写意油画的发展脉络。

从“以文人画的笔墨趣味为写意油画的标准之一”这一点来看，写意油画的实践并非新中国成立后的产物，即这一艺术探索并非纯然是意识形态的产物。董希文前面的论述无疑注意到了文化是具有特殊性的，即油画要解决的不仅是技术问题，还要解决对外民族身份与对内文化认同的问题。但在实践上，早在上个世纪30年代，王悦之就已在进行中西融合的试验了，可以说其是探索油画民族化的先行者，安敦礼评价其是“中国西画民族化的第一人”。王悦之的策略是采用绢本材料，用黑色油彩勾线，并使用狼毫毛笔以“稀油薄涂”的方法作画，使作品具有水墨画的效果，同时大胆使用中国画的“中堂”形式创作油画，是将框装改为中国画式立轴装裱的第一人。如果以这样的视角来重新考察林风眠的创作，便会发现其最擅长的仕女与花鸟，都是唐宋宫廷绘画最重要的题材，而其最钟爱的方形构图正是北宋小品的格局，且近景特写的视角也与宋代“折枝花”如出一辙。在吴冠中的艺术中，看到了留白的出现，这种“计白当黑”的空间与“空气感”的塑造方式正是南宋山水的气象。例如，其油画代表作《北国风光》与《大瀑布》，一是雪景，一是水景，都是宋画，尤其是南宋院画所钟爱的主题，而这两种景象也最能将水墨画的“计白当黑”极好地转换为油画语言，《大瀑布》更是将南宋的边角构图发挥到极致。在具有国际视野的赵无极的作品中，可看到以东方传统为根基的抽象形态绘画，构图上便是宋画大山堂堂的立轴式格局，这一点在其名作《桃花源》中可看得非常清楚：近中远三景之间呈扁平状的前后叠加，而又在其中加入光影与云烟的效果，这种效果与李唐的《万壑松风图》有异曲同工之处。同在法国的群所运用的线条、点与粗笔都与中国的书法绘画极为吻合。中国书法的俯仰、顿挫与纵横均可见于其作品中。进入上世纪90年代后，群的作品更加接近中国绘画传统，其双联与三联画的构图也是受中国传统手卷轴的影响。手卷是元明文人画最常见的形制，其利于手执把玩，且逐渐展开的观看方式将散点透视发挥到了极致，极好地诠释了可居可游、天人合一的文人情怀，而书法性用笔及笔墨趣味也恰好是元明文人画实践最重要的发展。到了当代，油画呈多元化发展，写意油画的探索也成为许多艺术家最重要的课题。而周春芽无疑是这方面的翘楚，其对西方文化的体验反而加强了对中国传统文化的热爱，将中国式书写性笔法、布局和图像符号等传统文化资源融入画中。笔墨趣味，成了其后期用力最多的地方，那些深思熟虑后不经意就画出来的笔触痕迹，使其进入无意图的笔墨时期，强调笔墨本身的独立性与主体性。而恰恰在文人画史上可看到，清代“”、石涛以及“四王”的实践便是将笔墨本身的独立性及程式符号发挥到了无以复加的地步。周春芽的《绿狗》系列与“”的乌鸦系列一样，都是以一种符号来自况，画面强烈地流溢出某种悲凉与孤独的境遇。而洪凌的油画山水则显示出与石涛的水墨山水相类的狂野、纵横之气。远离“中原”的广西画家张冬峰的风景油画，则让人看到其中融入了“四王”的趣味，其画勾、皴、点、染与涂写并用，用极少量的颜色营造出丰富沉着的色彩效果，令人看到“四王”将“南宗”的皴法与“墨分五色”的实践发挥到极致的影子。

写实艺术论文篇(7)

关键词：素描教学；写实；表现；临摹

写实性素描教学在中国现代学院素描教学中曾经一直处于绝对优势的地位，这与近百年来中西文化艺术交流的互补性需求，以及我们长期执行的现实主义美术创作政策和诸多复杂的政治历史原因相关。二十世纪八十年代以来，随着西方当代艺术思潮的冲击和中国当代艺术多元化、多样化趋势的发展，写实性素描教学的统治地位发生了松动，表现性素描写生教学开始逐步成为主流化素描教学模式。应该说这一变化是学院素描教学的进步，它使得我们对西方素描有了更为全面而主动的认识，促成素描教学体系向着更加丰富、合理、科学、完善的方向发展，素描教学质量和理论研究水平得到提升。但是，由此也带来了新的问题，就是素描教学的随意性、盲目性增大，素描教学体系的科学化受到挑战。因此，需要我们具体的分析作为素描教学手段的写实素描与表现素描在写生教学中所具有的不同教学功能，以形成写实与表现相结合的综合性素描写生教学课程体系结构。那种非此即彼、相互替代或者跟风式的素描教学是不科学的，也是有害的。教学中的素描问题需要通过完整的教学体系来解决，脱离开教学体系漫无边际的谈论素描，容易造成混乱的教学局面，使学生在素描的学习过程中不知所措和无所适从，影响素描写生教学的质量。

写实性素描教学

广义上讲素描可以分为两种：即主观性素描和客观性素描。写实素描属于客观素描，是西方三维写实造型艺术的基础。写实艺术起源于希腊雕刻，发展于文艺复兴，成熟于19世纪科学知性的欧洲写实观念，即三度空间合乎透视解剖的写实观念，其造型方式不脱离自然对象，它的基本特征就是更多的侧重于对客观对象的研究和再现。具体狭义的讲就是光影素描，通过丰富的黑白灰色调变化，塑造出立体、真实的画面形象，过去我们也曾把这种素描称之为“全因素素描”。从图像上看，写实素描比较接近一般的真实的视觉形象，要求忠实的记录和再现客观物象，素描语言隐含在真实的画面形象之中。严格的说，对写实素描如此的描述是不能概括丰富而复杂的写实素描历史，这里只是一种方便的说法。

那么，写实素描在我们的素描写生教学课程体系中具有什么教学意义呢？首先，写实素描所要求的真实性和准确性能够帮助学生建立起深入观察和研究客观世界的艺术观。我们的艺术思想、创作力量不是头脑固有的，而是源于对客观世界的亲密接触和细致入微的观察。新鲜的客观视觉形象能够不断的冲刷我们头脑中固有的概念化图像和思维方式，永远是我们进行艺术创造的源泉和动力。

其次，写实素描是训练观察能力的最好手段之一。观察能力的培养和提高，是素描教学的根本任务，学会了观察就学会了绘画。写实素描所提供的整体观看的方式方法，能够锤炼学生敏锐的观察能力，使学生学会从真实形象中发现和提取艺术形象的本领。正如罗伯特.贝佛莱.海尔所说：“在你学习素描时，尽量养成把你所见的一切看成简单的几何体的习惯，它能增长你从整体出发的思考能力，应当使这种能力成为一种本能习惯，它是学习素描者所能养成的最重要的习惯”［1］p7。

第三，写实素描不等于照抄和模拟客观对象。尽管写实素描有其明确的“记实”倾向，但是，素描是情感交流的视觉艺术语言，写实素描必须通过系统的素描语言才能转化真实的视觉形象。因此，通过写实素描的学习，可以使学生掌握绘画的基础造型语言，是对习画者控制能力的极好训练。如果我们在写实素描教学中能够明确上述三点教学功能，在心、眼、手（思维、观察、表现语言）三个方面进行素描的教学，那么写实素描就可以为学生打下一个科学而合理的绘画基础。这个基础并非只为写实而存在，它源于写实且能够超越写实。

回顾写实素描在我国美术教育发展中的历史过程，有几个问题值得我们反思。一是素描理论研究滞后，素描教学缺乏相应的理论支持，没有把素描与西方文化联系起来加以整体认识，导致我们在一定程度上对西方的写实素描体系的“误读”。具体的讲，就是对贯穿于西方写实素描中的“几何结构分析”的理性思维方式和方法缺乏足够的了解和认识，而只是孤立地注重表面的写实样式。第二，没有很好的把写实素描定位在素描教学手段和方法上，而是为写实而写实，致使写实素描教学不能举一反三，活学活用，与“素描是一切造型艺术基础”的目标相去甚远，最终成为僵死的样式化素描教学模式。第三，写实素描的教学功能有其局限性，将其作为唯一的素描教学模式，其短处就会被放大出来，影响学生艺术思维的活跃性，局限了学生的艺术创造潜力，素描语言趋于贫乏。

表现性素描教学

表现性素描倾向于主观性素描，艺术家个性情感的表现处于优先的地位。表现性素描是对传统的客观素描的超越，具有当代主流艺术的特征。西方绘画艺术自印象派之后，东西文化交流加强，艺术呈现更加开放的多元化格局，写实观念的艺术传统被打破，其艺术教育也日趋自由化。阿恩海姆关于艺术的表现性在《艺术与视知觉》一书中有这样的论述：“表现性在人的知觉活动中所占的优先地位，在成年人当中已有所下降，这也许是过多科学教育的结果”，“在培养艺术家的时候，要特别注重学生们对表现性的反应能力，并培养他们把表现性作为使用铅笔、画笔和雕刻凿刀似的用力基准。事实上，很多优秀的艺术教师在教学实践中也就是这样作的。但是，另外一些教师所采用的教学法就完全不同了，学生们在接受了这样的培养之后，不但未能使得自己对表现性反应敏锐起来，就连自己原有的那点本能反应能力，也受到了压抑和破坏”［2］p619-620。上世纪80年代在改革开放的历史背景下，这种新的西方艺术思潮开始全面影响我国的艺术教育。表现性素描强化素描语言的学习，把我们对客观物象的观察和感受体验进行更大幅度的素描语言化处理，更加重视二度空间的画面视觉表现，主动灵活的分解、重组或强化素描的各个元素，以构成更加强烈的视觉效果。

表现素描在素描写生教学中有多方面的教学价值。首先，表现性素描与中国绘画艺术的写意性有着某种程度相似，那么表现性素描的学习可以转化学生完全西方化的素描观，建立起更加开放的素描观，使学生能够积极主动地研究和学习中国艺术，使素描的学习成为连接中西艺术的纽带。中国的美术学院是不应该无止境的克隆西方艺术，只有在我们的基础美术教育体系中不断地一点一滴融入自己的文化基因，才能够建立起具有中国文化特色的美术教育体系。

第二、表现性素描教学的全过程还是要面对具体的写生对象，观察仍然是第一位的，目的是保持表现性素描教学的渐进性，使学生在写生的过程中感受和发现事物的表现性内涵，实现由自然形态向艺术形态的跨越，而不是概念化的自我表现。

第三，表现性素描的实验性特征能够使学生认识到素描语言的主观能动性。一个对象，多种表现，一幅写生可以有较少的主观因素，也可以有较多的主观因素，可以使用单一的绘画材料，也可以运用综合绘画材料。相对于写实性素描单一的语言模式，表现性素描增强了素描语言的可选择性。有利于学生在学习过程中发现自我寻找方向感，有利于教师在教学过程中实现以学生为中心和因材施教的教学理念。

第四，表现素描可以较好的理顺基础与创作的关系，克服基础教学与创作相脱节的不合理的教学现象。

今天我们已经扬弃了以写实素描为“正宗”的素描教育模式，素描教学从单一的写实素描的困境中解放出来，表现性素描也已经成为正常的学院素描教学内容，在这样的背景下，表现性素描的教学便成为需要我们关注的新课题。总之要在整体的素描教学体系的框架中去发展和推进表现性素描教学，不能任意炒作一家一派的素描样式，也不能不研究西方素描的历史，而自以为是的发明一些“新素描”。不要滥用表现性素描的教学理念，过分强调了他的自由性。教师应明确自己的教师角色，理性地从画家的身份挣脱出来，遵循教育规律进行素描教学的研究。教师角色定位模糊一直是影响高等美术教育的一个老问题，一些教师的素描言论带有更多的画家色彩，而不具有教学的价值。

素描写生与临摹

进行素描写生教学，学生需要了解素描语言的基本构成元素，理解和认识这些基本元素的变化规律。教学的主要过程是通过写生实践来完成的，但是，在学生对于素描语言知之甚少的情况下，单一的面对具体物象的素描写生，不应是唯一的素描学习方法，也不能取最佳的教学效果。缺乏熟悉的素描语言的支持，学生一方面容易陷入盲目的学习状态，另一方面则会导致学生别无选择地学教师。并不是所有的教师都有齐白石先生“学我者生，似我者死”的艺术胸怀和教育理念，而是自觉不自觉地以自己的画风“熏陶”学生，局限了学生的艺术个性。我们提倡素描临摹教学，首先使学生在一开始就能够接触到最优秀的素描艺术，随着临摹学习的不断深入，他们的艺术判断力和独立思考的自学能力就会的得到加强。第二描临摹教学会很有效的帮助学生尽快的熟悉素描语言在具体画面中的体现，克服照抄和模拟真实物象的习惯，学会运用素描语言的转化描绘对象。第三临摹的过程可以使学生比较快地建立起丰富的素描语言背景，形成具有较大选择空间的素描语言群，使学生既可以发现适合自己的素描语言，也能够博采众长融合出新。第四素描临摹教学需要打破单一的仅仅只是研究西方素描的格局，在西方当代的一些素描著作里已经将中国的水墨画纳入其素描研究体系，优秀的中国绘画艺术同样也是素描临摹的范本。临摹与写生相结合的教学方式并不是立竿见影式的样式化教学，在教学过程当中应当控制和把握好临摹与写生各自的教学任务，经过一个相对较长的时期，临摹与写生就会自然的融合，并逐渐发展和形成学生自己的个性化素描艺术语言。

综上所述，素描写生教学中的写实与表现以及临摹是三种基本的教学手段和方法，在素描写生教学课程体系中应充分发挥三者各自不同的教学功能，对学生进行综合性的素描训练。学生既要接受写实性素描的教育，又要进行表现性素描的学习，同时也要研究优秀的素描传统。由此，真正全面掌握素描艺术语言，为艺术创作打下坚实而又富于创新活力的素描基础。

参考文献：