美术教案设计篇(1)

大班美术教案《剪纸》设计

一、设计思想：

中国民间剪纸是民间文化中群众性最广泛、地域性最广阔、历史文化内涵最丰富的源远流长的具有代表性的文化形态。而据史书可考，南京剪纸明代已流传民间300多年。这节课它能使学生左右手并用、手脑结合，它能提高学生们的思维能力、想象能力和创造能力，还能提高左右半脑的灵活性,提高孩子们的专心致志的能力,对文化课的提高有积极的作用。

二、教材分析：

本课是为了让学生了解南京民间剪纸艺术美，发扬我国民族，民间优秀的艺术传统，增强学生的民族自豪感。教师在教学中应运用典型作品启发学生发现知识点，培养学生的观察力与创造力，将民间剪纸艺术发扬光大。南京剪纸艺术已经有300多年的悠久历史了，南京剪纸除门笺是刀刻的，多数用剪刀剪成。艺人们以剪，不需底稿，手随心运，有如“一笔画”，连绵不断，一气呵成。造型以弧线为主，流畅优美，柔中见刚，作品具有韵律感、节奏感和浓厚的装饰趣味。一般来说北方剪纸粗犷朴拙，而南京剪纸的艺术特点为“花中有花、题中有题、粗中有细、拙中见灵”，如喜花之类，大都在特定的花纹外廓内，围绕主题，根据内容需要，填满散花散叶，和谐地构成完整的图案，显得美满充实，喜气洋洋，含意丰富。剪纸的形式有阳纹、阴纹、点色、套色、分色、衬色等。剪纸使用简化、夸张和添加的造型装饰了法，着意艺术情趣和意境的表现。构成形式呈均衡或对称式。剪纸经起稿、剪刻和贴裱完成。剪刻时按先细后粗、先密后疏、先内后外、先上后下、先在后右的顺序进行。在剪刻时阳纹要“剪剪相连”阴纹“剪剪相断”注意剪刻刀味。

三、学情分析：

三年级学生对剪纸艺术比较陌生，虽然拥有熟练运用剪刀的 经验，但他们对剪纸的点、线、面相连的变现方法依然难以适应。并且在小学美术中加强剪纸艺术的欣赏和学习，其教学目的不仅仅是对剪纸的学习和了解，而是通过这个窗口去了解博大精深的中国传统民间美术，树立民族自豪感，提高民族自尊心和加强剪纸艺术为代表的民间工艺美术的学习。

四、 教学策略：

（1）学生初步学习剪纸技法的基础上，对学生进行剪纸艺术

的欣赏教学。通过欣赏使学生理解有一种特有的表现规律，能够事半功倍，是一种适合表现的捷径。剪纸的构成大多采用对称和多摺的手法，容易变现对称构图出现较繁杂的图案。

（2）让学生正确读懂剪纸的艺术语言。教师示范，让学生了解“月牙”和“锯齿”的剪法和正确的运用，如在剪公鸡时，就可以用“锯齿”来表达公鸡的羽毛。

五、 教学过程：

教学目标：

1、知识与技能：欣赏剪纸作品，使学生认识民间剪纸艺术和中国民间剪纸的特点，学生学会运用剪纸的基本技法制作剪纸作品。

2、过程与方法：通过看一看、动一动进行剪纸练习，学习剪纸的简单剪刻技法和创作方法。

3、情感态度与价值观：唤起学生对民间剪纸艺术的热爱；培养学生的创造性思维能力和动手能力，培养热爱祖国文化的情感，激发名族自豪感。

教学重点：重点理解和掌握剪纸的造型装饰手法，摸索简直小窍门，运用折、剪、刻等技法进行表现培养学生创造性地设计剪纸作品能力。

教学难点：剪纸在设计和剪刻时要注意线线相连、面面相连。

教学准备：剪纸作品若干，各色电光纸，剪刀、刀子各一把，ppt课件。

教学过程：

（一）导入

看一看

l、教师出示南京剪纸作品。

“同学们，每逢中国的传统节日，春节要到来的时候，家家张灯结彩，十分热闹，你们看他们在干什么？

出示简直图片

“对！他们在剪窗花，窗花是中国传统剪纸艺术中一种喜闻乐见的表现形式。在节日期间用彩色剪纸剪成各种各样的形状。

出示课题：剪纸

（二）新授

出示图片

请学生欣赏剪纸作品。欣赏的同时请同学讨论剪纸的题材种类。

种类：

1、贴在窗户上——窗花

2、贴在门上——门签

3、用于喜庆——喜花

4、用来祭祀——祭纸

结合剪纸作品教师讲：剪纸是我国传统的民间艺术，历史悠久。大体上分为南北两大流派：北方剪纸粗犷朴拙，天真浑厚；江南剪纸精巧秀丽、玲珑剔透。其中江南剪纸中属南京剪纸最有特点。南京剪纸除门笺是刀刻的，多数用剪刀剪成。艺人们以剪，不需底稿，手随心运，有如“一笔画”，连绵不断，一气呵成。造型以弧线为主，流畅优美，柔中见刚，作品具有韵律感、节奏感和浓厚的装饰趣味。

出示南方南京剪纸和北方的陕北剪纸

1、象征吉祥的团花

2、表达老百姓日常生活的剪纸——风俗剪纸

3、北京奥运会福娃剪纸

比一比：有什么不同点和相同点？可以分小组讨论

教师总结：相同点：纹样相聚，造型生动

不同点：陕北剪纸粗普豪放，单纯，南京剪纸华丽，工整。

总之我国的民间剪纸艺术有以下几个特点：

简练概括，夸张传神

善用比喻，寓意谐音

构思大胆，幽默取巧

富于装饰，印物赋形

出示有特点的两幅作品让同学比一比这两幅图有什么不一样？

“阴剪”是一块为主,把造型的线剪去。阴剪的线是线线相断,阴剪是把形剪空,称为负形。

阳剪”，是一线为主,把造型的线留住,其他部分剪去。阳剪的线是线线相连。阳剪是把形留住,形以外的剪去,称为正形。

综合法：一幅好的剪纸作品,大多采用阴剪和阳剪结合的办法来进行艺术处理。

（三）布置课堂作业，学生设计制作，教师辅导。

出示不同的剪纸作品先让学生认真观察图，指出阳刻时应“剪剪相连”，阴刻时要“剪剪相断”。经过比较议论得出画纹样时必须注意纸的连断的结论。突破难点。

作业要求：能够在课堂上独立设计完成一幅窗花图样，做到造型

单纯、简洁、富有剪纸情趣。

（四）展评学生作品，请部分学生阐述表现意图。

（五）第17课 剪纸

剪纸方法：阴剪

美术教案设计篇(2)

本课主要针对动物的形体特征来进行剪纸活动， 在锻炼学生观察力的同时还 能发展学生的审美意识和动手能力。

二、教学目标

1、学习、掌握剪纸的方法。

2、提高学生动手能力，培养创造性思维。

3、体验、探索学习带来的乐趣。

三、教学重点：剪纸的过程

四、教学难点：怎样剪出来才能像

五、教学准备：软纸，简单，

六、教学过程

（一）课前延伸 预习课文，搜集资料。

（二）课内探究

第一课时

1 示范作品，激发兴趣

（1）教师用投影展示一些作品（喜鹊登梅、五谷丰登、北京申奥、动物乐 园等）引起学生对剪纸艺术的兴趣。

（2）教师组织学生交流： a 你还见到过哪些剪纸作品？ b 这些作品是怎样做出来的？

（3）教师介绍剪纸艺术的历史及广泛用途。

2 学习实践剪纸方法 教师介绍工具、使用方法及注意事项。学生根据教师提供的材料（纸样）动 手剪刻。学生自主探究实践，教师巡视，适时指导。 交流经验，总结方法（先刻小空，再剪大空；大空可对折后再剪；锯齿可连 续剪。尽量避免断开或走样）。

3 课后搜集资料，加强练习 学生回家搜集一些资料（图书、图样、网上查询、向父母请教等），自己创 作设计新图案来剪刻，说出你的创作意图是什么？

第二课时

1 介绍交流作品 展示作品：教师用投影仪展示学生课外完成的剪彩纸作品； 介绍作品：为了让同学们了解你的作品，请你把它介绍出来（创作意图及剪 纸方法）。 比较各自的作品： 将自己的作品和其他同学的作品进行比较，然后发表自己 的见解。

2 拓宽思路，想象创作

教师用投影仪展示几幅用彩纸随意折叠后剪刻的作品。 学生实践：拿一张正方形彩纸，随意对折、剪裁，可圆可方，打开剪纸，用 投影仪放映。学生观察，发现了什么？（都是对称图形，几乎没有相同的作品） 这时， 同学们自觉地进入了由模仿到创造的学习氛围中， 由于不受任何条件限制， 他们的创作思维在实践活动中充分发展， 从而达到了培养学生创新精神与实践能 力的目的。

3 交流评价作品 展示学生的新颖作品，教师应给予激励性评价，使学生全心全意互相学习， 增强学生的自信心和创新意识。

美术教案设计篇(3)

《变体美术字创意设计》课例，是山东教育出版社义务教育课程标准实验教科书《美术》六年级上册第三单元《传递我们的心声》中的第二课，属于“设计·应用”学习领域。乔永明老师在教学设计中围绕变体美术字的变化规律和变化手法组织教学，让学生在基本知识、技能把握过程中，进行一定的创意表现。他运用小游戏、动画视频等方法激发学生的学习兴趣，与他们一起探讨了美术字在生活中的应用。

“设计·应用”领域既强调形成创意，又关注活动的功能和目的，突出对功能性、实用性与创新性的重视。“设计·应用”领域的学习，要求学生通过运用一定的物质材料和手段，围绕一定的目的和用途进行设计与制作，能形成设计意识和实践能力。实施这一领域的教学，对引领学生未来学习与生活，培养创意人才具有独特的作用。“2011年版课标解读”中对该领域学习提出：应该选择能够促进学生发现、创意能力提高的主题和方式；提供使学生感受各种相应媒介、材料和工具使用的机会；帮助他们体验设计、制作的环节和过程。本课也是在此框架下展开的。这里，我通过对课例的分析，以期开阔思路，对“设计·应用”领域的创新理念、课程建构、评价方式等有具体而微的解读与领悟。

一、设计亮点可取之处

（一）运用贴近生活的事实性话题，导入课堂教学

从学生身边事物与日常生活经验人手，容易激发学生的学习兴趣。在导入环节，用学生熟知的动画片《喜羊羊与灰太狼》带有装饰性的片头文字吸引学生注意力，学生也列举出生活中常见的广告、海报中的美术字；在“猜猜看”环节，以饮料、游戏、动画为例激发学生学习欲望，水煮鱼、面等形象生动的实例是学生易于理解的，使学生能结合实际生活来领悟变体美术字的独特价值。

事实性话题可以为课堂营造生动的学习氛围，话题从生活中来，通过对设计的基本规律的学习，创意的实践，再回归到生活应用之中，学生的生活经验和学科知识相结合，以达到融会贯通的教学效果。

（二）围绕创意组织教学，顺应时代要求

《义务教育美术课程标准（2011年版）》（以下简称“新课标”）指出，美术课程应重视对学生个性与创新能力的培养，采用多种方法，帮助学生学会运用美术的方法，将创意转化为具体的成果。

在这节课中，乔老师围绕创意组织教学表现在两个方面：—是在变体美术字创意设计中，要求学生在学习美术字的基本变化规律、变化方法时，通过脑力激荡以展开联想，从而理解创意是—个思考的过程，并能够不断产生新的想法。二是专门设计了创意空间，通过说创意、想创意、画创意等环节设计，一步步引导学生打开思路，完成创意实践练习。

此外，乔老师的创意教学还体现在他围绕主题进行探究设计的思维过程的每个环节——研习记录、构想草图、设计方案、创作实践，这些都是创新思维的必经之路，可有效培养学生的创新能力。

二、尚存不足有待改进

（一）融入学科知识，进行创意实践，统整学习主题

1．教学容量大，学生实践少

梳理课例中的结构与知识点，包括以下内容：①动画导入（《喜羊羊与灰太狼》）——寻入新课；②生活应用举例一小游戏猜猜看（可口可乐、梦幻西游、猫和老鼠）一世博会会标及含义；③基本变化规律—字形（球、峰）、笔画（闷、音）、结构（雨、错位）—动画视频片段（点、高、歪）；④实践练习（胖、瘦、电、花、裂、震）；⑤几种常见变化方法—象形变化（水煮鱼、寿、雪）—装饰变化（春夏秋冬、福禄寿喜）——立体阴影变化（土）；⑥创意空间：说创意（飞）—想创意（面）—画创意，第一次基础上再设计、重新设计一点评作业；⑦小结、拓展、提升。

由以上可见，教学环节紧凑、知识结构合理、知识点丰富，从完整性看这些都是优点，但也存在有待改进之处。首先，由于课程信息量大，一节课时间有限，因而对学生的关注和学习的空间也有限，致使学生自主实践、创意思考的机会相对较少。建议精选既符合学生接受能力、又能迁移变式的教学内容。其次，因知识量大，为巩固刚学的知识，在讲解基本变化规律后，即安排一次3分钟的实践练习，“画创意”环节安排了5分钟实践作业，只有部分学生完成，课程便结束了，用于拓展提升的几幅公益广告字体也没能全部展示，学生在这节课中学习的效果难以保证。

其实，这是课堂教学中的一个普遍存在的问题，一方面，教师为完成预定教学目标，呈现完整知识结构，就要含纳大量内容；另一方面，因为时间限定，在45分钟内，学生的思考、创意及作业均无法充分展开。

2．以主题学习统整教学内容

上述问题应引起我们的充分重视。怎样在有限的时间里，完成知识讲授、创意激发与实践练习？我们可以主题学习来统整教学内容，使学生在课堂开始就主动地、有意识地对要完成的主题进行创意思考，知识也能有序地纳入实际情境中进行整合，这就不会成为分散的、没有关联的、不能在实际生活中运用的知识点。

主题式学习反映了建构主义与情境学习的教学理念，它是使学生围绕一个或多个经过结构化的主题进行探究性学习的教学方式。在真实性情境中建构观点，在深层次学习中整合知识，并迁移到其他学科的学习及日常应用中。

针对本课例，可围绕黄山绿色旅游、环保标示、导览图、文明旅游公告等主题，以小组为单位进行创意字体设计。课前布置学生在网络上及生活环境中搜集变体美术字，学生可以利用网络搜集、影像记录、生活观察、调查采访等方式进行变体美术字的认识与搜集。教师按变化规律与方法制作出展板，学生把搜集到的变体字贴到展板相应位置，着重从功能性、实用性、创新性等角度对设计内涵和文化价值作出深入的挖掘。进行自评、互评与师评，将学科知识融入主题学习中，可轻松地掌握知识点及知识点之间的关联，达到更有效的学习。比起单纯掌握字体变化知识来得更有用，学会在生活中运用它，对学生美术素养的养成更有助益，因为这样可切实培养学生综合实践能力和创造性解决问题的能力，且可以达到改善环境与生活的目的。

（二）进行有效性评价，促进美术学习

美术课程评价应以学生在美术学习中的客观事实为基础，注重评价与教学的协调统一，尤其要重视形成性评价和自我评价。既要关注学生掌握美术知识、技能的情况，也要重视美术学习能力、态度，以及情感和价值观等方面的评价。

促进学习的评价，应关注课堂上学生体验创意设计的过程，通过方案设计创新方法、媒材工具选择等方面发展学生的创新意识和创造能力。观察记录、展览演示、录像日志、作品选辑、书面报告等都是有效评价的重要方式。有效性评价还应运用过程性评价、实作评价、表现性评价、多元化评价等多种策略。

具体来说，形成性评价是指对学生日常学习过程中的表现、所取得的成绩，以及所反映出的情感、态度、行为等方面的发展做出的评价，是基于对学生学习全过程的持续观察、记录、反思而做出的发展性评价。实作评价是指在学生生活和学习的情景里，通过对学生完成实际作业表现的观察，依靠教师的专业判断，对学生学业成就进行整体判断的教学评价方式。表现性评价是指观察及评定学生在学习环境中所表现的行为及学习结果的评价。多元化评价是指评价主体的多元化、评价方法的多样化、评价内容的全面化，以及评价时机的全程化。

美术教案设计篇(4)

关键词： 初中美术教学 导学案 高效课堂

学案导学的方式在中小学各学科已被广泛使用，不同学科的老师仁者见仁、智者见智。学案是新型的教学观念和教学方式，是课前教师设计教学活动，学生拿到学案预习到练习的全过程。针对美术学科特点，在学案设置上要求教师根据美术学科四个领域的不同特点编写具有针对性的学案。我校美术学科导学案是在不断摸索和实践中编写出来的：从初步拟定学案、课堂教学实施、学生问卷调查、反馈修改完善，学案之路经过了艰难的历程。针对美术课四种课型我们进行了初步探索，同时暴露出一些问题。

一、欣赏·评述：引导练习效果好，活动检测形式需思考。

欣赏·评述学习领域指学生通过对自然美、美术作品和美术现象等进行观察、描述和分析，逐步形成审美趣味。针对这个领域的内容，在学案的设置上除注意引导学生掌握基本的美术欣赏方法外，更要通过有效的学案环节设置使学生在欣赏的同时，尝试用多种方式表达自己的感受和认识。

从课堂观察来看，欣赏·评述课运用导学案上课的成效有：1.“高效利用课堂”：学生能根据学案提示对本节课的内容和知识点有一个较为清晰的认识，在课前预习时做到有的放矢。2.学生对美术课关注度更高，导学案中带有一定检测性的小练习让学生学习兴趣更为浓厚。3.学生能了解更多的美术常识，为高中美术鉴赏课的学习打下基础。4.课堂反馈“有据可依”，在导学案最后我设计了学生个人的“课堂反思”。通过课堂的书面反馈，教师能及时发现问题，在接下来的讲课时给予一定补充。在学案设计上也存在一些问题，如文字性描述教多，注重美术知识点的整理和类似于文化课的理性化设计，没有很好地突出美术学科的特点。通过何种方式呈现学生学习效果，将美术欣赏与评价活动设置得更贴近学生生活也是值得思考的地方。

二、造型·表现：教学方法与学案评价巧妙结合。

“造型·表现”领域的课程指运用多种媒材和手段进行美术创作。在《一版多色版画》这节课，导学案的设计与教学过程紧密结合，注重学生学习的评价。在本节课学案中对本课重难点，吹塑纸版画的制作步骤及印刷注意事项，学案中有清晰说明。采用的是“先学后教”的教学方式，学生根据学案制作步骤指导，以“小组合作探究的方式”先尝试制作，之后针对制作中出现的问题教师集中讲解。在导学案中设置学生作品评价表，供版画作品评价环节中学生互评：6人一小组，组员互评（作品内容表达、造型、色彩搭配布局、制版印刷技法）。通过学案中评价表，这种学生自评的方式，学生懂得了如何更好地从艺术角度评价版画作品，较好地实现了生生互评的有效性，节省了课堂时间。

三、设计·应用：学、练结合效果好，作业形式分层次

“设计·应用”课型重在对学生设计意识和动手能力的培养，学案中作业形式和学案设计可以融为一体。如《居室的色彩搭配》这节课，作为“色彩搭配”知识的一个重要部分，能否把“学”与“练”在学案中一起体现呢？根据教材及学情，本节课导学案的设计集中体现了学生自学预习和练习结合的特点。在导学案“展示提升”中：1.为居室线稿进行色彩设计；2.设计你理想的居室并进行色彩设计。这里作业设计体现分层次教学，不同能力水平的学生可根据线稿提示或自己独立设计居室进行练习，练习部分占据导学案的半页纸。这种学案的设计学生能比较轻松地接受，学练结合突出了美术学科导学案的特点。

四、综合·探索：有一定主体倾向性的设计，体现美术学科的综合特点。

综合·探索是四种课型中综合性最强的美术活动，体现了美术与生活与现实社会的联系。在现实教学中，综合·探索课往往被教师“忽略”，原因就在于其复杂性，难以给它一个确切的学习标准，学生的学习体验在课堂上很难呈现。在导学案的设计上，教师感觉延伸的面很广无从下手。那我们何不从课程本身入手，把学案设置成具有一定内容倾向性和学科性的表达呢？如《旅行团的标志和旗帜》、《文化衫的设计制作》、《吉祥物的设计》这些课程，在学案的设置上可以把它划分为侧重于设计性的课程，学案中做相应的环节设计；如《策划一次出游》、《艺术节策划与美术设计》则偏向于学生活动策划类的学习，学案中学生对一个活动的组织、合作、交流的体现就多一些。在综合·探索课学案设计中，通过何种形式把“复杂”到“某一领域类型”或“学科”内容的转换是值得思考和不断探索的地方。

五、回归本质，倾听学生的心声。

学案从学生中来，最终到学生中去，对学案最客观直接的评价就是学生。在学案实施中期，我校对美术学案进行了问卷调查。学生的整体配合度很高，能够根据上学期对美术课学案的应用形成客观评价，针对学案怎样改进，很多学生给予了一些建设性意见：1.有学生认为学案“图文结合”的形式很好，希望在形式上更多样。2.有学生建议在学案中加入一些名画赏析或者知名画家的介绍，可以增加美术常识。3.关于导学案中根据课题内容设定的线稿、图例的练习，大部分学生认为很好。这次问卷调查很有必要而且很及时，我们及时做了学案修订。新学期的学案设计逐渐呈现知识内容简化、清晰；形式丰富化、图文并茂；文字性叙述较少，深入浅出的表达更亲生；作业设计分层设置，针对不同水平的学生。

不少美术老师在思考美术课是否适合运用学案，我们“费尽心思”设计出的学案学生是否“领情”。我认为美术课并不是不适合用学案，其重点是美术不同领域学案设计侧重点的把握。如何通过学案引导使学生对美术课乐学、爱学、会学，这就要求我们在学案的设计上体现学科特色。真正实现学案与课堂的“学思结合，知行统一”，通过课堂的继续实践和学生的观察逐渐完善和发现。不管怎样，最重要的还是聆听学生的声音，使学案真正服务学生，服务课堂学习。

参考文献：

[1]肖川.义务教育美术课程标准（2011年版）[M].湖北：湖北教育出版社.

美术教案设计篇(5)

关键词：图案；学制；专业教育；“北京模式”

“艺术设计”作为专业名称取代工艺美术或实用美术等是近些年才出现的。民国初期，艺术设计被称为“图案”，是借用日本人对“Design”的译意，主要指制造建筑、工艺品和各种器物之前所绘制的“图样”和“制作方案”。20世纪中国高等艺术设计专业教育经历了“图案——工艺美术——艺术设计”的发展演变，源头一直可以追溯到1906年南京两江优级师范学堂的“图画手工师范科”。1918年北京美术学校设置图案科，首次将艺术设计纳入民国高等专业教育体系。“北京模式”是指从1918北京美术学校到1937年国立北平艺术专科学校20年间在人才培养规格、专业设置、课程体系和修业年限、教学组织等方面所形成的具有自身特色的高等美术教育教学模式 。本文研讨北京模式之图案专业教育的学制类型、课程体系、办学思想、模式特点以及对当今艺术设计专业教育的启示。

一、北京模式之图案教育的学制类型及课程体系

中央美术学院的前身，从1918到1937年经历了北京美术学校（1918～1922年）、北京美术专门学校（1922～1924年）、国立艺术专门学校（1925～1927年）、京师大学校美术专门部（1927～1928年）、北平大学艺术学院（1928～1933年）和国立北平艺术专科学校（1934～1938年）等6个发展阶段，先后实施了“中等”、“专门”、“大学”和“专科”等4种学制类型的“图案”专业教育。由于相关档案资料遗失严重，在此，只能对“图案”教育的各类学制、课程体系进行简要的分析。

1、“中等”学制及课程体系

学校创建伊始，即设立了“中等”学制的图案科，修业年限为“预科一年本科四年”。年龄14～20岁的高小毕业生，初试1门（或中国画或西洋画或图案画），复试国文、算术、历史、地理、理科、图画等6门，及格者可录取“预科”；年龄15～20岁的高中一年级学生，复试国文、英文、数学、历史、地理、博物、图画等7门，及格者可录取“本科”一年级。首届招生不足10人，1922年停止招生，但“中等”的图案科教育一直实施至1924年底，共培养学生40人左右。

“中等”学制的课程体系，包括修身、国文、英语、数学、物理、化学、历史地理、博物、体操、教育学等10门文化课，以及习字、图画、用器画、图案法、解剖、手工、实习、美学美术史等8门专业课程。其中文化课共64周学时数，占总周学时数的32.65%；专业课共132周学时数，占总周学时数的67.35%。 其中，专业课如，“习字”讲习楷、行、隶、篆、草等书体；“用器画”讲授几何画法、透视投影画法等；“图案法”讲授平面图案、立体图案、装饰图案等；“图画”讲授中国画、运笔法、毛笔写生、铅笔写生和临摹图案画等；“手工”包括竹木工、金工、木工，及（金工、纸类、粘土、石膏等）细工；“实习”包括平面图案新案制作、立体图案的制作、各种工艺及装饰图案制作、建筑装饰图案及新案制作，以及绘画写生临摹、绘画新案的制作等；“美学及美术史”讲授中国美术史、西洋美术史和美学等。

2、“专门”学制及课程体系

从1922年10月至1930年7月实施“专门”学制的图案教育。起初分设“工艺图案组”和“装饰建筑图案组”，修业年限为“预科一年本科三年”或“本科四年制”；后来分组设木工、金工、建筑、陶瓷、染织、印刷等方向；招收普通高中或中等学校毕业生，考试国文、英文、数学、历史、地理、物理、化学、图画等8门课程，及格者可以进入本科一年级；而本校“中等”图案科毕业生，可免试直接升入二年级；首届“专门”学制仅招收新生2人；先后培养5届毕业生共40人左右 。

“专门”学制的课程体系 ：工艺图案组开设伦理学、物理、化学、外国语、博物等5门文化课，以及绘画、图案法、实习、用器画、工艺制作法、制版术、印刷术、建筑学、美术工艺史等9门专业课；其中，公共课共20周学时数，占总周学时数（160）12.5%；专业课程共140周学时数，占总周学时数87.5%。专业课程教学：“绘画”开设4学年，每周8或时，进行或中国画或西洋画的写生、临摹及新案制作；“图案法”开设1学年，每周2学时，讲授平面图案法与立体图案法；“实习”开设4学年，每周分别为14、15、18、1时，包括平面图案制作、各种工艺图案、立体图案、建筑装饰图案的新案制作和毕业制作；“制版术”后3学年开设，每周分别3、3、4学时，包括写真版及摄影术、网目版、玻璃版、亚铅版、三色版；“印刷术”后3学年开设，每周2学时，包括石版、三色版、金属版、木板、复色版等印刷技术；“用器画”前3学年开设，每周分别4、2、2学时，讲授平面画法、投影画法、投影画、透视画；“工艺制作法”后3学年开设，每周分别2、2、3学时，包括漆工、金工、铸金、陶器、染织等工艺制作；建筑学讲授建筑学大意，“美术工艺史”开设2学年，周学时2，讲授东西方绘画史、东西方建筑史等。建筑装饰图案组开设伦理学、数学、物理、化学、外国语等5门文化课，以及塑造、绘图、图案法、用器画、实习制图、建筑学、美学及美术史等7门专业课；公共课共30周学时数，占总周学时数18.75%；专业课共130周学时数，占总周学时数81.25%。其中，绘画、图案法、用器画、实习等课程的教学内容安排与工艺图案组的基本相同，只是课时略有差别。其他如“塑造”开设4学年，每周3学时，包括油土、雕刻、石膏模型制作、木质模型制造等；“建筑学”开设4学年，每周分别4、5、5、5学时，讲授建筑学大要、建筑构造、建筑意匠、建筑材料、铁骨铁筋构造、家具制造法及装饰法、施工法、装饰法等；“美学及美术史”开设4学年，每周2学时，讲授中国美术工艺史、西洋建筑史、美学等内容。#p#分页标题#e#

3、“大学”学制及课程体系

1928年7月，学校更名“北平大学艺术学院”，图案系也更名“实用美术系”，下设图案、金工、染织、印刷等4个方向，开始实施“预科二年本科四年”的“大学”学制的图案教育。预科招收“1、旧制中学毕业者，2、三三制中学高中一年修业期满者，3、四二制中学初中毕业者”；本科招收“1、新制高级中学毕业者，2、大学预科毕业者，3、专科学校毕业者（未立案或未经认可之学校不能报考）” 。1928年、1929年只招收了2届“大学”学制预科生共51人，原“专门”学制学生升入本科班，办学目标“以研究高深学术，养成专门人才”为宗旨。

“大学”学制没有完成6年的教学周期，且课程设置的档案缺失，仅能从部分课程中一窥“冰山之角”。实用美术系预科二年，开设写生、中国画、木炭画、水彩、图案法、基础图案、图案、应用图案、照相学等9门专业课，以及国文、数学、物理、化学、英文、法文等6门公共课；四年本科，不同专业分组课程体系差别较大，以印刷图案组为例，第4学年开设平版制版、凹版制版、凸版制版，陶瓷图案、装饰图案和铜版实习等6门专业课程，及国文、法文、日文等3门文化课程；其他专业分组课程所知不详。由于“大学”学制与教育部《大学组织法》相冲突，1930年后，不准学校招新生，1933年学校被教育部停办。

4、“专科”学制及课程体系

1934年，学校更名国立北平艺术专科学校，图案教育实施“专科”学制。原“实用美术系”改为“图工科”，分设图案组和美术工艺组，下设金工、木工、漆工、景泰蓝、照相、制版、印刷、织染、陶瓷等专修方向，修业年限为“三年”，招收在公立或私立高级中学（立案）毕业或具有同等学力的学生，入学考试党义、国文、外国文、代数、几何、生物、史地、三角、物理、化学、几何画（或毛笔画或炭画或铅笔画）等11门课程；先后招收3届共66名图案科学生。1936年，学校专业改组，图工科更名图案科，取消专业分组和专修方向，教学采用“学分学年制”，实行统一的课程内容教学。

“专科”学制课程体系 ：开设图案实习、西画实习、国画实习、雕塑实习、用器画、图案法、构图、工业制图（或商业制图）等8门专业必修课，开设党义、体育军事训练、国文、外国文、中国美术史、外国美术史、解剖学、色彩学、远近法等9门共同必修课，以及书法篆刻、音乐、手工、图案画、中国书画史等5门共同选修课。必修课程共77学分，约占应修总学分（108）71.5%；共同选修课还需要选修31学分，约占应修总学分28.5%。

北京模式的图案教育，“中等”学制从初中招生，5年的专业训练不分组，统修中、西绘画与图案、手工等内容，培养从事美术及美术工艺的中等技术人才。“专门”学制招收高中生或中等学制毕业生，4年分组进行专业训练，培养高级专门设计人才。“大学”学制招收初中毕业生或高一以上学生，2年预科主要学习基础课程；4年本科实行分组专业训练，培养重视高深学术研究的“实用美术”人才。“专科”学制招收高中毕业生，3年的专业教学，强调实用技能训练，培养应用型的“专科”人才。但是，由于3年的图案专业训练时间还是太短，因此，1937年5月，教育部命令艺术专科学校或大学艺术系必须设立附中，以延长专业训练的年限。

二、艺术设计教育北京模式的办学思想

艺术设计教育北京模式的办学思想，一方面受到国家主流教育意识的影响，另一方面还主要受校长及专业负责人办学理念的影响，并体现在不同学制的人才培养目标、专业设置和课程体系，以及具体的教学实施之中。

1、郑锦的办学思想：郑锦（1883～1959）在日本京都市立美术专门学校留学、游学12年 ，担任北京美术学校、北京美术专门学校校长7年。筹建学校时，他曾两次到日本考察，虽然没有发表明确的办学言论，然而，他制定的由教育部颁行的《北京美术学校学则》，无论是学校名称，还是设置5年制“中等”学制、4年制“专门”学制，以及课程体系和分组实施专业教学，都体现了他借鉴日本美术教育模式的办学思想，形成了最初具有中国特色的“图案”专业教育体制，奠定了“北京模式”的基本格局。同时，郑锦秉承日本图案教育重视手工和美术工艺等实用技术训练的办学理念，在经费非常窘困的情况下，先后建成印刷、木工、漆工、染织、陶瓷等工场，并配备专职技术员，强调实践教学。

2、林风眠的教学改革和办学主张：林风眠（1900～1990年）担任校长期间（1926年3月～1927年9月），对北京模式的“日本倾向”进行了改革，融入欧美特别是法国的美术教育经验，其办学思想体现在：第一、试行工作室制度，推行主、辅修相结合的“学分制”，主张学生发展个性、自主选修不同课程，延长或缩短修业年限。第二、重视开门办学，推行“艺术运动”，强调艺术与社会实践相结合。

3、严智开的办学主张：严智开（1894～1942）从1923年到北京美术专门学校开始执教，先后担任西洋画教授、系主任、院长秘书、院长、校长等职务。他留学东京美术学校，办学理念与郑锦一脉相承，主张图案教育重在实用，强调改良课程体系，注意发展学生专长；1934年筹建北平艺专时明确表达其办学主张：艺术教育并非完全为了造就艺术型人才，不能纯粹“为艺术而艺术”，因此，设置图工科分图案组和美术工艺组，重视培养胜任各类图案设计和胜任金工、木工、漆工、景泰蓝、印刷、织染、陶瓷等工艺改良的职业技能型人才，以及适应市场、能够谋取个人生计的能力 。

4、赵太侔的办学理念：赵太侔（1889～1968年）1936年执掌校印，改良严智开的“实用主义”办学理念，指出艺术与技术不同，艺术学校与工艺学校也有差别；艺术学校的使命不是培养技师、不是为了与艺徒出身的工匠争长短，而是应该注重美的创造与设计，造就具有创新精神的艺术设计人才。因此，他恢复了图案科，并取消了专业分组 ，强调图案人才培养的普适性、通才型。#p#分页标题#e#

总体而言，北京模式的图案教育，主要是借鉴日本的美术教育思想。首先由郑锦等奠定了北京模式“北学东京”的基本格局，重视图案专业教育规范性和可操作性。其次，由严智开继承和发展郑锦的办学理念，在专业分组及课程设置方面更加强调图案教育的实用性、职业性，与“南学巴黎”的杭州模式差别更加显著。林风眠和赵太侔留学欧美，引入“学分制”，注重发展学生个性和培养创新型的艺术性人才，但是，由于他们毕竟任职年限相对较短，故对北京模式的改变并不大。

三、艺术设计教育北京模式的特点、成效及启示

1、艺术设计教育北京模式的特点与成效

第一、借鉴日本，融合中西，自成体系，成为国家高等美术教育的执行标准。《北京美术学校学则》是由教育部颁布的唯一的关于国立高等美术教育的规范性文件，国立美院“图案”专业的教学模式对私立或公立美术学校的引领、示范作用是非常明显的。

第二、文理兼修、中西贯通，全面发展，实施“通才”教育理念。北京模式从招生考试到各学制的专业教学，都是文理兼顾，中西方文化贯通，图案法、图案画等课程直接吸收西方设计教学的内容，而绘画训练不分西洋画和中国画，以保证学生在绘画和设计领域具有广泛的适应性。

第三、学术并重、艺技双修，分组教学，多规格地培养应用型人才。北京模式从招生开始，即严把学生入学质量关，宁缺勿乱，即使无法完成招生计划，也不降低学术标准；除“中等”学制的图案教育外，其它学制类型均实行专业分组教学，重视艺术学理的研究，强调实践技能的专门训练。

北京模式20年的图案专业教育，共培养了6届毕业生60余人。其中，1926年首届有李有行等6人，1927年有雷圭元等9人，1928年仅杜登云1人，1929年有李旭英等6人，1930年有刘距欧等18人 ，1937年有刘春荣、邬寿萱等24人 。相对而言，前10年培养的学生质量较高，李有行、雷圭元等成为我国有影响的一代艺术设计教育家；后10年培养的学生人数虽然较多，但成为名家的相对较少。

2、北京模式对当今艺术设计专业教育的启示

第一，现代艺术设计教育在人才培养目标、办学层次和招生规模上，不能盲目好高骛远、求大求全。北京模式的“图案”教育最初从“中等”到“专门”学制，循序渐进的发展思路和有限地实行专业分组的教学思想都是可取的。但是，后来出现专业分组过细、强行实施“大学”学制并违规发展，而造成了办学成效低微的教训是需要克服的。

第二，建立具有特色的专业课程体系，稳定地实施人才培养计划。艺术设计是“艺术”与“科学”紧密结合的应用型专业，涉及的领域非常广泛。北京模式初期“图案”专业分组少，设置融合科学技术与艺术，跨越文、理、工的专业课程体系的经验是值得借鉴的；需要吸取后期专业分组多、变化大，办学不稳定的教训。

第三，建立和完善独立的招考制度，选拔优秀的学生。北京模式面向全国独立招生，考试科目涉及文科、理科、专业术科和中外文，这些做法值得借鉴。当下，文科学生对理科知识涉猎有限，理科学生对人文社科常识不甚了解，工程技术领域知识更是缺乏，需要文、理、工等知识兼备的艺术设计专业，如何改革现有的招生考试制度是值得反思和探索的。

美术教案设计篇(6)

关键词：艺术设计教育；现状；改革

一、中国艺术设计教育现状

20世纪中国艺术设计教育的发展曲折而又艰辛，从图案教育、工艺美术教育到现代艺术设计教育，为探索发展中国艺术设计教育的路途，艺术前辈们筚路蓝缕、胼手胝足。时至今日，中国已是世界最大的设计教育大国，艺术设计也是中国最为热门的专业之一，全国在校学习设计的总人数已名列世界前茅。长久以来，我国的艺术设计教育沿袭着传统的教学模式，看重传统的教学方法，注重老师的“教”，而忽视了学生的“学”，在整个的教学过程中，忽略了学生在教学中的主体地位，没有充分的激发学生在艺术学习上的主观能动性，过于被动的教授，反而适得其反。“学校教育的任务就是有计划地、全面地培养人才，死板的教学固然不利于人才的发展，但无序也不是很好的办法。[1]”现今，我国的大部分艺术院校都是依据着写实的方法去培养学生，但在教学的课程设计上和学生的能力认知上，存在着很大的问题，如果我们不遵循教学与认知的规律，盲目的教学，最终只会逆水行舟，这种费力的学习方式是和教育原理背道而驰的。当前，我国艺术设计教育的现状就是如此，过于死板的教学模式，压抑了学生对艺术设计创作的激情与灵感。深入的思考中国艺术设计教育的发展进程，对艺术设计教育的发展起到关键的作用。

二、中国艺术设计教育发展进程

（一）中国艺术设计教育中的图案教育

在我国悠久的文化传统中，积淀了深厚的“图案”文化和历史。鲁迅先生曾对他的好友许寿裳说过：“汉画像的图案，美妙无伦，为日本艺术家所采取。即使一鳞一爪，已被西洋名家交口赞许，说日本的图案如何了不得，而不知其渊源固出于我国的汉画呢。”汉画像图案、北魏砖刻图案、敦煌莫高窟图案、唐织锦图案••••••无不鉴证了中国图案的辉煌；陈之佛先生的老师东京美术学校工艺图案科的主任岛田佳矣教授也曾经同他讨论中国古代图案的伟大成就，并指出如何影响了日本。然而历史似乎开了个玩笑，近代中国的图案教育却是从日本学来的。随着图案和图案教育的发展，20世纪的中国人开始了对中国艺术设计教育的实践和探索，并逐步建立起我国图案教育的体系和框架。图案学的建立学科、振兴实业、发展我国民族文化和吸收外国艺术设计教育经验，积累了丰富的知识和宝贵的经验。20世纪50年代工艺美术教育从学科意义上取代了图案教育，图案教育和图案的意义进入相对萎缩状态，然而图案教育的内容和实质并没有消失，而是为工艺美术教育所传承。

（二）中国艺术设计教育引入“三大构成”

20世纪初，中国从日本引进“图案”这个概念，开始了轰轰烈烈的图案教育，但作为中国艺术设计教育发展的一个过程，图案教育并没有弘扬放大。工艺美术教育取代图案教育，但许多主客观因素使得它的内涵与现代社会并未能很好地接轨，甚至抛却了它本初的一些意义。当慢慢萎缩的工艺美术教育在现代工业发展的社会日益显得捉襟见肘的时候，我们再次从日本和香港地区引进了“三大构成”（平面构成、立体构成、色彩构成），当作发展中国现代艺术设计教育的钥匙。“三大构成”在最初传入封闭了几十年的中国的时候，我国的艺术设计教育界甚至误认为它就是包豪斯学院开创的现代艺术设计教育，如同当初推崇“素描是一切造型艺术的基础”那般极力推行“三大构成”。“构成热”一时红遍大江南北[2]。其实“三大构成”在包豪斯并没有与它匹配的同等学科。只有近似对应的图形学、模型学和色彩学。当包豪斯现代设计教育体系传入日本后，经日本的总结、学习和发展，将它形成了比较完备的和系统的“三大构成”体系，并影响周边的一些国家和地区。这些影响可以说是中国工艺美术教育脱胎换骨为今天设计教育的前奏。”

（三）数字艺术教育阶段

三大构成的引进改变了中国几十年间“绘画基础+图案+工艺美术创作”的艺术设计教育方式。三大构成俨然发展为中国艺术设计教育的基础。然而，现代艺术设计的发展是“艺术与技术的结合。[2]”艺术设计作为艺术与技术的结合，科技上的每一次改变都会在艺术设计中体现。20世纪80年代中期，数字艺术设计教育作为一门新兴的学科才在中国高校出现。由于我国社会的不发达以及科技的欠发展，使得我国数字艺术设计教育的诞生、发展都晚于和落后于世界发达国家，数字艺术设计教育的发展在我国也是在近二三十年特别是近十年的事情。伴随着科技技术的进步，大数据时代的到来，中国艺术设计教育必然融入世界艺术设计发展的潮流之中。在电脑技术和网络的共同影响下，诞生了网页设计、视频艺术设计、电脑动画艺术设计等许多新兴的艺术设计。之前中国艺术设计界所熟悉的工作方式、教学方法以及教学理念几乎不再实用。随着计算机和网络的出现，它们已经成为现代人生活当中不可或缺的一部分。电脑软、硬件技术水平的提高及其在设计领域广泛深入的开发运用，使它从辅设计手段转向主体性设计手段和方式。电脑对设计数据储存的强大功能使设计的各种素材、设计草图、效果图、制图、图形艺术、模型等资料都能够以数据的形式储存起来，满足人们取舍自如、利用随意的要求。时至今日，大数据时代的到来，为现代艺术设计教育带来了更多的发展与变革，发展了30多年的现代艺术设计教育日渐成熟。然而，高速发展的世界，致使我们的艺术设计教育一直处于追赶的地步，面对纷繁复杂的信息化，数字化艺术设计的云集，我们不论是在艺术领域，还是技术，都处于被动的地位。如何掌握艺术设计教育发展的主动权，值得我们深入思考。

三、中国艺术设计教育的改革与未来

“‘传道、授业、解惑’为教育工作者全面解答了做人和做学问的关系。从艺术设计角度看，思考与创意，技巧与手法、知识的相互关系，都应该协调发展，才能形成一种综合的能力。要学会比较，有比较才会有借鉴。但比较不是单纯地比好坏，比高下，而主要的是比差别、比特点，比较要定出条件相近的可能性，绝不能以己之长比人之短。[3]”这一段话是奚传绩先生在《设计艺术经典论著选读》中的一段话。作为现代艺术设计的发展，就应该如同书中所说，多去借鉴好的，优秀的教学模式和教育理念，多去比较，取长补短。香港的艺术设计教育是最为值得我们学习的。面对香港在艺术设计教育事业的成功发展，内地的现代艺术设计教育也在摸索中前进。现今的中国艺术设计教育由于发展追求过快、过大，造成中国艺术设计教育更多的问题[2]。目前，由于我国的教育体制和教学模式的限制，创新型的艺术设计教育师资匮乏；缺乏对于学生的创新性思维的培养；艺术设计院校培养学生的模式过于死板，在社会实践与艺术创作之间没有找到很好的平衡点；由于文理分科，学生学习背景的不同，造成学生的水平参差不齐。这些都使现在艺术设计教育的问题庞杂混乱。总之，教育是综合文化的传承，专业的技能、独立的思考和辨别的能力，以及在学习中形成自我管理和开发意识，对于改变我们的教育，这些是非常关键的。每一种教育模式都有其自身的弊端，这是我们无法回避的。如何面对教育中的弊端，以多元化的视角和丰富的思维去了解，发现我们自身的问题所在，这样我们迈出了解决问题的第一步。想要真正的解决教育中出现的种种弊端，需要我们，需要广大的教育工作者立足于当下，通过长期的教育实践去发现，去解决。

四、结论

面对纷繁复杂的问题，我们应该深入思考现代艺术设计教育的发展未来。艺术设计不同于纯艺术，它是理性的、实用功能和审美功能必须恪守定律。在艺术设计教学之中，必须时刻将设计理念和实践教学有机结合，注重工具和理念的更新换代。在数字化艺术发展的大背景下，艺术设计教育培养的是要能适应时展的创新型人才。此外，艺术设计教育的发展与社会的进步关系密切，要求我们在发展艺术设计的同时，更加尊重艺术教育自身的发展规律，任何违背艺术设计伦理的要求和对艺术设计功能的片面取舍都可能对艺术设计教育的发展造成难以弥补的过失。现今的中国艺术设计教育，要面向现代化，面向世界。学习世界先进的艺术设计教育理念与体系，发展自己的艺术设计教育事业。

参考文献：

[1]寇焱.中美艺术设计教育之比较[J].南昌职业技术师范学院学报,2002(2).

[2]秦菊英.二十世纪中国艺术设计教育史[M].杭州:浙江大学出版社,2013.

美术教案设计篇(7)

论文摘要:在艺术设计专业的顿城中传统图案艺术的基拙作用不容忽视。中国传统图生艺术作为民族文化的瑰宝，是当代艺术设计的重要元素之一。本文阐述了传统图案艺术在艺术设计专业教学中的基拙作用，旨在于弘扬民族传统文化，推动现代艺术设计教育创新。

在人类踏入21世纪的今天，科学技术突飞猛进，我们已步人一个全新的知识经济时代。人们生活方式不断地改变，观念在不断地更新，特别是市场经济给我们带来的冲击和激烈竞争，使艺术设计行业不断面临新的挑战，同时也迎来了新的机遇。社会对艺术设计人才的需求与日俱增，并对该领域人才的综合业务素质提出了新的标准和更高的要求。

20世纪的历史告诉我们，经济发达国家的艺术设计水平都非常发达，反之亦然。本世纪造型艺术发展的一个显著特点就是各艺术门类之间逐渐渗透、互相融合，呈现多元化、综合性的发展趋势。其影响是多方面的反映在创作观念上，传统与现代审美意识的互通共融;在表现形式上，抽象与具象并举;在技法和材料上，多样选择与综合性运用共存等等。这一切都极大地开拓了艺术设计在思维意境和表现形式上的新领域，它为艺术设计发展提供了十分有利的外部条件，也对艺术设计师提出了更高的要求，包括要具备多方面的专业基础知识和创新意识，图案的创意设计也是艺术设计师必须具备的墓本能力。

狭义而言，图案仅指器物、织物上的纹样和色彩。广义而言，图案是实用美术、装饰美术、建筑美术、工业美术等方面关于形式、色彩、结构的预想设计是在工艺、材料、用途、经济、美观、牢固等条件制约下制成图样、模型、装饰纹样等方案的通称。图案从外形上分，有平面图案和立体图案;从用途仁分，可分为实用图案和观赏图案;从理论研究和实践角度上分，可分为基础图案和应用图案;从艺术语言和风格上分，可分为中国传统图案、外国图案等。图案的形象是一种艺术形象，它不是客观事物的简单复制，而是根据作者的不同目的对事物的原型进行艺术加工或者对非具体形象进行艺术创造的结果。

一、传统圈案艺术是设计专业教学的荃础

目前，世界各地不同地区，不同文化的民族，都在强调自己的民族特色和地域风格，即便是那些标准化批量化生产的工业产品。人们也在寻找一种属于自己文化的语言，亲切熟悉的造型，更何况其带有装饰性的图案形式。艺术设计师只有深刻了解和掌握中华民族传统图案的造型规律、构图规律、色彩规律、寓意手法等，才能设计出具有民族性、时代性、创新性的作品来。

艺术设计教学中，基础课程与专业设计并不是相互矛盾的，而是相辅相成的关系。艺术设计教学质量的提高离不开基础课教学的充分落实。艺术设计专业的图案课，是基础教学的一部分也是平面图形设计的基础。图案课教学要便学生了解和掌握图案形式美的规律、图案造型的途径与方法以及图案的设计与创意。而要解决好上述问题，就必须从学习传统图案人手。对于传统图案教学。每个教师都深表赞同，但是，学生却不能理解。有些学生认为。了解传统图案在每一个朝代最有特色的纹样，在平面设计中很少专门用到。面对这种急于求成的思想，教师一定要让学生了解四年的学习目的不是仅仅能接几个活的急功近利的人，而是要成为一个素质全面的艺术设计人才。

二、传统图案的艺术魅力对艺术设计的影响

中国传统图案艺术源远流长，文化底蕴深厚，形式多样，内涵丰富，是中华民族的宝贵财富。在改革开放的经济浪潮中传统图案以其不朽的民族特色与艺术魅力，装点新时代展现时代精神、时代风采。

时代需要传统图案艺术，传统图案艺术在时代的进步中发展。当代企业形象、商标、品牌、广告、电视、报刊、室内装饰、博物展馆、仿古工艺品、服饰、民间剪纸等，都有传统图案的光彩，包括图案、纹饰、构图法则、古朴的风格及思想内涵等。有的企业以龙凤图案为品牌形象，以示信誉、产品质量，以及中华民族的品牌特色，以便开拓国际市场。人类已经跨人21世纪，在上海举行的亚太地区国家首脑会议上，与会的各国元首身着中式福寿图案服装，令世界为之瞩目，引导了中式传统福寿图案服装的新潮流。

中国传统图案有着悠久的历史。自6,7千年前的新石器时代以来，无论在器物造型上，还是装饰纹样方面，都呈现多样的风格无论在运用图案语言方面还是在表.情达意寓意方面，都具有明显的特点。学习传统图案，首先应了解中国传统图案在不同时期的不同造型风格、不同的构图形式、不同的色彩风格及寓意手法。如原始社会早期的彩陶，装饰图案丰富多彩，变化无穷。以几何纹样为主体，也有实体形如鱼、蛙、舞蹈的人等。这些图案造型简炼、变化幅度大。在构图上已能作对称、连续的配置，具有强烈的节奏感。常使用红、黑、白、橙黄、橙红、揭黑等色彩，具有质朴的艺术风格。

三、传统图案设计法则在艺术设计中的使用价值

图案作品是通过设计过程完成的.而设计过程则必须运用设计法则。中国传统图案艺术博大精深，蕴含着完备的图案设计法则。这些设计法则足以使中国图案设计事业走进新时代、走向更辉煌。其中形式美的法则有:变化与统一，对称与均衡，节奏与韵律，比例与尺度等;构图法则有:太极图形，“罗形，“米”字格，九宫格等。现代西方构成法则的同构变异，元素替代设计法则，在中国古代图案中，都能找到类似这些法则设计的作品。如:龙、玄武、翼马、伏羲〔人首蛇身)等图形。这些法则运用于教学作中，提高了民族的艺术审美能力，培养了高素质的艺术设计人才。不可否认，学习图案可以解决平面造型问题.这一点与现在基础教学中所看中的平面构成有相似之处，但是传统图案的构成法则以及九宫格的布局等等规律是平面构成所代替不了的。特别是在学习传统图案还必须将一定时期的图案放到当时的社会文化背景中去加以理解，把握不同时代图案风格气韵，这种感性的理解是平面构成的理性训练所不能代替的。最重要的是能够让学生通过传统图案的用线、布局、色彩等角度去把握不同时代的图案风格特征，并在理解的基础上将其灵活运用于现代设计。以前对传统图案的学习是通过大量的图案临摹来增加对图案理解的。诚然，临幕是学习传统图案的一套有效而扎实的方法，老一辈的图案学家都是从这条路走过来的，实践证明这也是学习传统图案必不可少的方法但是也应看到由于目前课时的变化以及学生心态的变化所带来的影响。在三、四周的时间里用临摹的方法让学生理解不同的传统图案成为不现实的事。大量枯燥的临摹只会让学生对传统图案的学习产生反感，而手头功夫的练习不如放在工笔白描课上解决在上传统图案课时应把重点放在对传统图案造型、风格的整体把握上洲一通过一定量的临摹切实感受古人在图案的用线、用色、骨格、布局等方面的独到匠心

四、传统图案的寓意美与现代艺术设计创意的融合

中国图案中的寓意美根深蒂固、源远流长。早在新石器时代，人们在彩陶上创造了成千上万的图莱意境，象从一条鱼形变化出抽象的三角形、曲线、直线、点线面组成的图案，在今天看来，依然是新鲜的构图。意境的美在中国图案的设计上，经常作为一个艺术主题。象陶瓷中的雨过天晴釉、界红、美人醉、雨点釉等。如楚、汉漆器上的云气、庭园布置中的层云叠彩的假山等的意境.是虚中见实。没有形象。或者是形象捉摸不定，这样的手法能引起许多联想。如:松竹梅图案会联想到岁寒三友”的忠诚友爱。如:太极图形中设计了一对蝴蝶马七就会联想到梁山伯与祝英台的“喜相逢”悲欢离合的意境等。

中华民族以旧历年为最隆重的节日，张灯结彩，舞狮舞龙，贴对联、窗花、年画、门神等，无不以传统图案表达人们驱除灾害、邪恶，追求吉祥、平安、幸福等美好愿望。在人们的心中，有了门神就不会受邪恶的侵害;有了“寿桃仙鹤”就会健康长寿。这些图案中表达的思想感情，古代人与现代人是相通的，因为他们表达了人类自身最根本的需求。因此可以看出传统图案本身包含的思想.在节日喜庆活动中的使用价值。它极大地满足、丰富了人们的精神文化生活。其次，是传统图案思想内涵所产生的社会效益。传统图案通过节日喜庆活动在人们心中产生的吉祥、平安、幸福、欢乐的生活气氛，从而产生要求国泰民安的全民社会思想意识。不论是古代还是现代，是在和平年代还是战争年代，这种思想意识无疑都是社会安定的思想基础。

中国图案的寓意美，真正体现出r设计者的思想，是代表了作者的艺术修养和文化内涵，并且通过图案，把信息传递给广大民众。它的美不是视觉的美所能概括的，而是一种广阔的、崇高的精神境界.是起到了一种共鸣作用的心灵感应。因此，在图案课教学中要充分调动学生的思维将传统图案寓意美的表现手法，融入到现代艺术设计之中。这样才能设计出即有传统文化特色，又富有时代活力，形成中国图案艺术的主流作品。

五、弘扬民族传统文化.实理现代艺术设计教育创新