艺术创作论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇艺术创作论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

（1）舞蹈艺术创作与音乐在节奏互动上的诉求关系。舞蹈动作的安排必须是在一定的节奏行进中进行，同时为观众提供速度、节拍、风格等信息，最能直接感染观众的情绪，启迪观众的思想。不同的节奏，体现舞蹈作品不同的精神气韵，舞者对于节奏把控力的好坏直接决定舞蹈的表现效果，决定舞蹈形象的准确表达。每一部作品都有自己的节奏发展特点，舞者在揣摩作品的节奏性格时，要充分了解音乐的结构、发展方向及内心的节奏韵律。这种韵律是由若干的点贯穿起来的，是一种位于不同旋律位置的内心动力。不同结构层次的音乐将这种内心动力集中发射到舞蹈演绎的动作中，使动作娴熟连贯，充满张力。同时，也能更好地帮助舞者正确去理解和记忆舞蹈动作的基本连线。因此，音乐与舞蹈必须相互依托，只有发生并具备了相互依存的诉求关系，才能共同挖掘舞蹈自身所要传递的内心情感，才能很好地抓住心灵感受、极力渲染掀起绚丽多彩的情感波澜。

（2）舞蹈艺术创作与音乐在视觉和听觉上的诉求关系。好的乐感能帮助舞者更好地理解音乐的内在思想，提高自身的表现能力，通过舞感增加舞蹈的韵律美。乐感不好的人抓不住音乐上本质的东西，当然舞也肯定跳不好，往往表现为理解只停留在表面，进不到更深层次，以至于扣不准节奏，形似而非神似，或者动作上不够灵巧。这就要求舞者必须热爱音乐，学习音乐，懂得音乐语言的表现方式和基本规律，并学会从内心去理解、感受音乐。这样，音乐与舞蹈的通感就一定奏效，也可以感受到其情感发展脉络。在音乐进行的每个细节下想象与之对应的舞蹈形象，进而展开想象，运用肢体语言准确地把握作品的精髓。

2音乐作用于舞蹈艺术创作

舞蹈作为一种综合的艺术，音乐在其中所起的作用是显而易见的，也是十分重要的。在舞蹈表演艺术中，优美的音乐配合，可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪，体现个性，烘托气氛，从而塑造完美的舞蹈形象。另一方面，音乐有助于舞蹈元素、舞蹈短句、舞蹈组合以及各种舞蹈语汇之间的连贯和流畅，增强舞蹈艺术的表现力，这是音乐对舞蹈所产生的主体作用。从这个意义来讲，决定了舞蹈创作本身是离不开音乐的，这就是舞蹈艺术中舞蹈对声音本能的需要。就表现形式而言，在舞蹈的创作表演过程中，舞蹈所表现的肢体动作绝对从属于舞蹈音乐。因此，我们可以这样说：加强舞蹈音乐的作用只可能对舞蹈艺术产生积极后果。一部优秀的舞蹈或舞剧作品，必须要有好的音乐来与之配型，只有真正把握好这个前提，才能引起观赏者的共鸣，才能被观众所认可。因此，这就要求我们在从事舞蹈艺术创作、表演时，或者是站在鉴赏者的角度，都必须去更深入地学习和认识音乐，因为在舞蹈艺术中音乐永远是舞蹈的最佳搭档。

3在舞蹈艺术创作中音乐与舞蹈的契合关系

音乐和舞蹈是一对相互配合的统一体，一曲好的音乐能够使舞蹈语汇凝练、集中并富于情感，能够提示舞蹈动作及情感的内涵，使舞蹈的思想性和动作性更加丰富。舞蹈音乐不仅能给舞蹈以长度、节奏和速度，也能给舞蹈以情感的提示，音乐与舞蹈的有机结合才能塑造出完整的舞蹈形象。所以说在舞蹈作品中，舞蹈和音乐共同担负着表现思想内容、刻画人物形象的任务。好的舞蹈作品能够使音乐的内涵和思想更加活跃起来，给人以音乐形象的流动美之感。其次，在以舞蹈为主要表现手段的作品中，音乐起着辅助的作用，音乐能够淋漓尽致地表现舞蹈的主题和氛围，一个舞蹈要表现什么样的主题、内容或者情绪，就应该运用什么样的音乐。在舞蹈中音乐是为动作而存在的，而不是动作为了音乐。这可以从两个方面来加以理解：一方面在舞蹈创作编排时，编导可以先构思作品，做好立意，确定舞蹈本身所要表达的主题内容，然后再构思结构和编排具体的舞蹈细节，最后才是为舞蹈编曲和选曲，在这个环节上要把握好舞蹈作品的内容、情绪，构思创作舞蹈契合的舞蹈音乐作品；另一方面，舞蹈编导可在事前先选定一个契合度相对不错的舞蹈音乐，提前感受一下音乐的感染力，并在此基础上创作编排出完整、优秀的舞蹈作品。要达到这个效果和高度，我们的创作人就需要一定的专业水平了，就是要很好地把握住音乐的风格，发挥想象，运用编创技法，表现音乐所提示的内容、情节以及感情。在舞蹈创作中，舞蹈与音乐共同担负着表达思想情感、叙述情节内容、刻画人物形象的任务，所以说舞蹈与音乐两者只有真正找到一个平衡的契合关系，才能够塑造出完美的舞蹈艺术形象。俗话说“：音乐是舞蹈的灵魂”。实践证明，舞蹈和音乐这两个艺术表现形式不一的艺术，虽然有着各自不同的发展方向，但作为独立的艺术类别，它们是永远分不开的。

4在舞蹈创作中音乐对舞蹈的启发作用

篇(2)

无论是诗歌还是绘画，他们的一个很大的特点就在于借物托情。南宋著名爱国诗人于谦的这首《石灰吟》：千锤万凿出深山，烈火焚烧若等闲。粉身碎骨浑不怕，要留清白在人间。这首诗是我很喜欢的一首借物抒情的诗，可能了解于谦生平的人都知道这位解救明朝于危难的清廉一生的大臣却因为荒唐的污蔑而冤死，借“石灰”来抒发自己不怕“千锤万凿”、“烈火焚烧”甚至“粉身碎骨”也在所不惜的大无畏革命英雄主义气概。诗中流露出的凛然正气和豪迈情怀，不知鼓舞和激励了多少为真理和正义事业奋斗不息的后人。同样，中国的山水画是借描写自然景物表达感情的一种重要的创作形式。自然景物是客观存在，思想感情是主观认识，中国山水画就是客观世界的景与主观世界的情结合的产物。中国山水画情景交融的形式来源于中国古代哲学思想中对于宇宙观的认识——“天人合一”。正是在中国古代独特的哲学思想的滋养下，中国画有着自己独一无二的哲学精神。南宋马远的《汉江独钓图》，整个画面上只有一艘孤零零的小船以及船上独坐垂钓的老翁，船旁以淡墨寥寥数笔勾出水纹，四周都是空白。这样寂寥、空旷的画面，给人一种难以言语的意趣，却蕴含着画家深厚的文学修养已经自身情感的抒发。这是画家的心灵与自然的结合，是一种“天人合一、情景交融”的意境。清恽寿平《瓯香馆画跋》中所提到的“春山如笑，夏山如怒，秋山如妆，冬山如睡”这样四季的神态、表情，都是“自然”与“人”的融合统一，是人性化的自然，旨在凭借对客观景物的描绘，寄托人的主观情感。写景是为了“寄情于景”、“借物抒情”、“缘物寄情”。意与景汇，景与情通，情景交融才能产生中国画那种只可意会不可言传的“意境”美。正所谓“登山则情满于山，观海则意溢于海”。

中国绘画中传统题材四君子：梅、兰、竹、菊。千百年来以其清雅淡泊的品质，成为一种人格品性的文化象征。在中国传统观念中，四君子代表着是一种高尚的道德情操，一种人格力量。通过“四君子”寄托理想，实现自我价值和人格追求。“四君子”成为古人托物言志，寓兴自我，展示高洁品格的绝佳题材。清代的郑板桥，因其出生没落士大夫家族，幼时生活窘迫，科举也不顺利，曾一度在扬州卖画为生。这样的生活经历造就了他性情直率、作风狂放的性格特点，他把自己情感经历倾注于它的书画当中。他的兰竹，不仅表现孤高超俗，更是借题画诗发泄自己的抱负和牢骚。如《衙斋听竹图轴》题诗曰：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”蒋兆和的《流民图》，每每看到，心灵都会被震撼到。他朴素的笔墨语言，严谨的造型，生动地描绘出那段令人难忘的历史。这幅鸿篇巨制向我们展现了抗战时期的北平，中国人民生活在水生火热之中，画面中他们痛苦的表情和殷切的眼神，让我们这些年轻人看了就感觉身临其境。蒋兆和走在北平的大街小巷，亲眼目睹了中华民族蒙受的耻辱、灾难与悲剧。也正是当时的社会现实以及他的亲身经历、感受、体验和对人民的同情，促使他完成《流民图》。把在沦陷区每日每时身受的苦难和人民日夜盼望抗日胜利的急切心情用绘画的形式表现出来，并在这种情感的指导下，创作出《小子卖苦菜》、《轰炸以后》等作品，以抒发对胜利的企盼。只有这样痛苦的情感经历才能描绘出如此生动的人物形象，让观者不由自主的联想到当时人们的疾苦。无论是山水画、花鸟画还是人物画，没有创作者情感的倾注，就无法创作出动人的作品。情感在中国画的创作中占有重要的位置。中国拥有着世界最丰富、最富饶的土地，5000年的历史文化传统孕育了这个世界独一无二的华夏民族。也正是它历经千年的历史文化变迁才留下了无数的精神瑰宝。而中国画这特有的绘画表现形式，在中国历史文化的长河中留下了最绚丽的一页。中国的历史在不断的演变发展中，而中国绘画以其独特的艺术语言历经政治、文化、宗教、习俗的变化而发展至今，正是因为它鲜明的民族特色，丰富的文化精神。中国富饶的自然万物以博大的胸襟哺育中国画家，满足着他们对于绘画题材的攫取和需求，并赋予以智慧和无穷无尽的创造力。

中国画不是单纯的表现自然风景和人文景观，而是借助于“景”抒发自己的“情”。中国画创作离不开情感因素。可以说中国画是艺术家表达审美感受和抒感的一种方式。所有名留青史的中国画作品无不充满着丰富的思想内涵和情感色彩。中国画这一东方特有的艺术语言以其真挚的情感，一代代的传递下来，成为人类绘画史上一道独特的风景。

作者:美术学院单位:西南大学

篇(3)

1.思想指导方面

艺术创作的过程是创作者在先进的美术理论指导下，进行独特的构想与规划，结合自己的灵感与想法进行艺术创作，而非简单的元素组合、图形搭配、寓意灌输等，因此创作思路很重要。先进的美术理论可以指导创作思路，引导创作者完成作品的造型设想、意图填充，避免思想偏差引起的创作环节的失误。

2.选材指导方面

美术理论对于创作题材的选择方面也具有重要的指导作用。众所周知，艺术来源于生活，每一项艺术的创作活动都需要以实际的素材为依据，这样不仅可以激发创作者的创作灵感，而且可以丰富创作的内容及表现手法，以便创造出具有价值的艺术作品。

3.创作指导方面

美术理论对于艺术创作的指导主要表现在创作思路的形成、创作意境的设想、创作人物的形象体现等多个方面。美术理论贯穿整个艺术创作的过程，只有系统、完善的美术理论才能有效地指导艺术创作。

4.批评指导方面

美术批评作为广义美术理论的主要组成部分，其核心思想是对已完成的作品进行合理、客观、全面、综合的评价与考核，促使作品的美术价值及意义得到提升和改进。

二、美术理论指导下的主要艺术创作方法

1.民间艺术创作法

“民间艺术创作法”主要是倡导、引导创作者利用和挖掘民间艺术文化资源，以美术史中记载的多民族的传统艺术文化为创作依据，发展自身的艺术特色，拓展艺术创作的视角和领域。美术理论指导下的“民间创作”不同于其他性质的艺术，它在人物塑造和情景设置上往往倾向于追求情感的真实性，即美术作品要能充分展示和流露创作者的感彩，对于形象的真不做过多要求，遵循“不求形似，但求神似”的创作境界和主观感受，造型上体现出民间作家的随意、即兴等特点。

2.宗教观念创作法

宗教在我国传统文化的发展史上占有特殊而重要的地位，综观我国的艺术创作，宗教题材的艺术往往具有较强的感染力和影响力。美术理论指导下的“宗教观念法”主要是指在美术作品的创作过程中，要求创作者根据古典的宗教思想及观念，结合宗教文化的特殊内涵，不断拓展、延伸作品的内在价值和外在影响。如民间艺人对于宗教观念如“因果报应”的美术造型设计与展示，使艺术作品充分体现出宗教价值观念及意义。

3.形象塑造创作法

创作者进行艺术创作的根本就是在先进的美术理论指导下，运用专业知识或通过其他艺术家的辅助进行创作。艺术创作过程中，作品形象的塑造很关键。优秀艺术作品的外在形象不仅能够体现艺术作品的内在涵义，而且能够给人带来美好的视觉享受。因此，在艺术作品的形象塑造方面，创作者首先要明确创作意图和主题，在脑海里勾画出创作的意境。其次，在作品的构思过程中，创作者要综合考虑绘图的实际效果，使绘图看起来赏心悦目，在色彩的搭配、元素的填充等方面要注重实物的特点描写和设计等，这样才能创作出令人满意的艺术作品。

三、结语

篇(4)

关键词：动画电影；创作素材；再挖掘；整合；

本文为湖南省教育厅2005年科研立项项目《玩具设计理论及其应用》，项目编号05C653

原文发表于电影评介2007.14期

我国有五千年的文化积淀，自古以来，流传许多优美的故事和历史典故，加之现代涌现出的众多优秀文学作品，应该说有着非常丰富的题材可供选择，可是国产动画除了早期的《大闹天宫》、《哪吒闹海》和《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》等能成功引用历史名著和文学作品外，目前的动画好像无题可选，导致部分动画企业进行创作时居然要将已经拍过的传统题材重新翻拍和续拍。当然根据现在的社会环境和市场需求将作品改观是无可厚非的，但题材选择的局限性问题在当今显得尤为突出，因此，动画电影艺术创作素材的再挖掘和整合就显得尤为重要了。

一.中国文化丰富的民间传说、民谣、神话、民俗都是动画电影艺术创作的源泉。

中国的动画艺术一直有着深厚的文化底蕴和独特的民族特色。自从1935年万氏兄弟创作的我国首部有声动画片《骆驼献舞》诞生后，继而在1957年上海电影美术电影厂长特伟提出了“探索民族风格之路”的口号，从此就开始了中国动画的民族风格建设。中国动画艺术家从中国传统文化当中汲取营养为己所用，力求表现出中国独有的风格。此后诞生了《骄傲的将军》、《猪八戒吃西瓜》、《鹬蚌之争》、《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《大闹天宫》等一系列具有中国文化、民族特色的优秀动画片。这些动画在表现上分别借鉴和采用了传统戏曲、水墨画技法，民间剪纸、皮影和木偶等艺术形式，体现出了强烈的东方文化气息并成功地塑造了一批批动画形象。如：《骄傲的将军》中将军的形象和表情便借鉴了京戏的风格，影片的背景音乐恰到好处地运用民乐，使画面与音乐完美地结合在一起；《大闹天宫》主角的造型设计更是成功地融合了庙宇艺术、民间年画的特色，塑造出了英姿飒爽的主角，甚至可以说奠定了孙悟空在文化领域和老百姓心中的形象基础。这些优秀的动画片充溢着浓郁的民族化气息，给人以耳目一新之感，对当时民族化探索起了极大的鼓舞作用。从此，中国动画文化进入了一个繁荣发展的时期，并奠定其在世界动画艺术领域的重要地位。

当代动画电影的发展离不开对传统文化的继承与革新、中国文化的丰富内容和多样形式为中国动画电影的创作提供了坚实的基础，对中国文化的深入研究有助于动画电影事业的兴旺发达，也为动画电影的民族化、现代化提供理论依据。

中华文明源远流长，全国五十六个少数民族，每个民族都有自己的民俗、民歌、民间故事和英雄，都有津津乐道的人和事，几千年来的中华文明为动画电影创作提供了取之不竭的素材和源泉。中国拥有的丰富文化资源，将成为动画题材的最大滋生土壤。藏族的格萨尔王，蒙古族的成吉思汗，回族的伊斯兰宗教故事，云南的阿诗玛，广西的刘三姐，历史上传诵的四大美女……；从艺术技巧上，汉代的砖刻、北魏的石雕、敦煌、永乐宫的壁画和民间版画……；从艺术形象上，各地的戏曲中造型多变的人物，如：京剧中的小丑、花脸，川剧中的变脸，宁夏作唱、江西的傩戏、湖南的花鼓戏，其戏剧形式和戏剧人物对动画电影创作和发展都是诱发创作、令创造者感动的思路。

中国动画前辈创作的水墨、剪纸、皮影、木偶等最具中国特色的动画制作技术深深地影响着世界动画艺术的创作。直到现在还有国外的动画作品沿用这些特殊技术。而在国内20世纪90年代中期以后出现的作品，我们这些传统技术却少见踪影，取而代之的是大量的电脑制作二维、三维动画和动画电视片。虽然产能提高了许多，但是比起精美的传统工艺画则在显得粗糙和低劣。我们在拾取京剧、刺绣、印染等艺术精华，并将这些艺术品成功地推向世界时，为什么不能将同为国粹的中国动画艺术结合高科技和新理念的同时，将传统的生产技术保留、发展和深化呢？

剧本的创作和改编是制约我们动漫发展的一大弱项，动画电影设计人员就需要不断地挖掘设计新素材，创作新题材，才能吸引观众。要将中国的文化宝库认真地整理研究，规划利用。神话故事、民间传说、科幻作品、历史名著以及现代的优秀作品，哪些适合拍成动画片？哪些适合拍成短篇、中篇、长篇动画片？哪些更适合鸿篇巨制？都要做到心中有数，整体规划，循序渐进。这样，才能使我们丰富的文化资源既不浪费，又不会流失，在经过动画艺术工作者的精心加工后，焕发出璀璨的民族之光，创作出世界公认的动画电影精品。

有很多人都很喜欢日本的动画大师宫崎峻。因为他所设想出来的世界是近乎完美的。他的触觉是敏锐而纤细的。他总是在向你讲述一个遥远的、不可思议的、但却“真实”的故事。而这一切都应该是与他本人丰富的生活经验和积极的思考所分不开的。而丰富的生活经验又来源于他对现实世界的耐心观察，善于把高度的理性化解为丰满的形象和强调的情绪，其作品蕴涵着突出的表现力与创造精神。宫崎峻曾说“中日韩三国的动画人只要将自己的艺术传统表露出很少的一部分，就能让世界惊叹不已”。但是如何为这些民族特色披上具有时代特征的外衣才是当务之急。

二．动画电影艺术创作素材的搜集要紧密关切、融合流行艺术形式。

现在越来越多的动画片在故事题材和角色设计方面紧追时尚热点，力图融入主流文化圈。美国2004年的动画电影《超人总动员》就是在“超人热”的大背景下出现的，而其中最受欢迎的角色——神经兮兮的超人服装设计师又诡异又时尚，正符合时装界的流行趋势，放映之后，立即成为炙手可热的动画明星，甚至被邀为奥斯卡的颁奖嘉宾。日美动画还善于利用明星体制，造成时尚聚焦效果，比如《鲨鱼黑帮》请到黑帮片著名导演马丁.西斯科塞以及罗伯特·德尼罗和安吉丽娜·朱丽等著名影星为片中的角色配音，连影片的造型也仿照这些大明星的外形，仅此一点，就大大提升这部影片的流行指数。另外，宫崎峻去年的新片《哈尔的移动城堡》请日本第一美男子木村拓栽为片中男主角配音，为影片带来无数木村迷。成人动画中的常青树《辛普森一家》充分挖掘流行与名人效应，英国首相布莱尔、好莱坞玉婆伊丽莎白.泰勒、甚至姚明都曾经为那部影片担任过配音与造型。相比之下，我国的动画从业者在对流行文化的把握和演绎上还很不成熟。

把握流行趋势，是动画电影艺术创作的重要方面。流行源头可有以下形式：影视片、畅销书籍、时尚杂志、卡通形象和故事、网络内容、重大的事件和社会热点、流行思潮和色彩、电视节目、时装、流行领导者所在地的新动向等等。

美国和日本的动画电影在对待流行文化上，漫画先行的做法应当给我们很好的成功启示。事实上，无论日美还是欧洲，很多动画作品都是由漫画改编过来的。特别是日本动画，几乎无一例外以连环漫画作为开路先锋和试金石。由于漫画的制作和发行成本很低，非常有利于自由原创创作，而漫画的人气基础又是动画成功的试金石。反观我们由于动漫脱节，多数动画作品从历史故事直接进入动画市场，甚至是迎合领导意识的盲目投资，市场风险可想而知。

美国是动画电影的流行领导所在地。美国动画电影以其丰富的表现力和创造力、夸张的动作、奇妙的构思、幽默的情节和感人的故事深深打动了观众。相比中国动画一味的强调教育性和寓意性，美国动画电影具有更广泛的观众群体，而这和美国动画电影注重流行文化分不开的。在电影制造前针对观众群落进行大量的市场调研，始终把观众放在第一位，而且，在影片开始运作时就运用媒体来炒作，以提高其知名度，以保证其收视率和投资的回收。同时开发动画片的周边产品，如：娱乐，玩具，文具、服装、餐饮等各行业的产品，拓宽动画电影的外延，使动画电影成为一种话题，成为一种时尚，使动画在市场上树立品牌。

事实上，动画电影除了传统的音像、玩具、服饰、食品、饰品等传统周边产品之外，有实力的动画企业还应该立足内容资源，大力开发新业务、新市场，如网络电视、手机电视、移动电视等新媒体业务，以增加盈利来源。

这就要求动画艺术创作者紧紧把握时代的脉搏，深入到生活中去发现创作灵感，确立创作思路。没有生活，便没有艺术，这一真理永远具有意义。

三.动画电影的文化沟通性是我们要下大力气去研究开发的。

动画电影也要处理好民族性和国际性的关系，让传统和现代很好地结合在一起。在今天世界经济一体化、社会日益网络化、高科技化、交通日益便利化、以及文化经济贸易全球化的历史大背景下，一地所拥有的资本、科技、知识、文明会迅速传遍全球，一国所制造的动画片，不仅属于该国所有，而且会借助其他的传播媒介迅速传播，为全人类共享。跨国资本的相互渗透，跨国动画公司的相互协作，动画人才的相互流动，各国动画片及其附属产品在异域的销售发行。国际动画节如火如荼的举办，动画文化交流的增多，使更多的人能够享受到各国动画的魅力。动画的形象化、通俗化、大众化也易于被不同地域的人们所理解，它所蕴涵的人类共同的情感追求、对真爱的渴望、对亲情的珍惜、对人类命运的探求、对童趣的留恋、对生命价值的叩问……，都是普遍存在的。可以相互沟通的，冲破了语言的隔阂、种族的偏见，最易和人产生共鸣。

与此同时，不同的国家之间也是在不断地相互学习相互借鉴的。美国迪斯尼大兴“拿来主意”，许多动画片都取材于他国的文学名著、文化和历史，进而商业化改造。一方面为主流的美国电影文化带来异域情调，注入文化营养。另一方面，也为美国动画进入外国市场带来文化亲同感和共鸣。1990年以来，埃及王子、金字塔中的木乃伊、中国的花木兰、阿拉伯的阿拉丁、巴黎圣母院里的钟楼怪人、圣经里的摩西出埃及的故事等题材纷纷出现在美式动画电影中，由此可知，动画艺术创作的素材选择可以在世界范围内融通。

中国动画电影走国际化道路势在必然。具体体现在学习国外动画先进的制作、营销、发行方式和各种科学制度的同时，充分通过动画电影这一载体展现中国五千年悠久灿烂的文化，展现中国特有的民族精神和民族风格。同时，在国际化的大背景下，融通时代特征，吸收异域人才，引入海外资金，消化国外题材，海纳百川，迅速提高自己的动画电影水平。高科技的实现，仅仅是购买技术和高水平训练的问题，是花钱可以实现的，以我们劳动力成本的优势，甚至可以少花钱实现。但关键所在并不是动画的高科技含量，也不是巨额投资，更不是塑造“中国迪斯尼”的豪言壮语，而是对动画电影产业的高度理解。

任何一种艺术都是“由美而求真的生命感悟过程，是将真理置入艺术作品的同时赋予世界和人生全新意义的创作活动”，动画电影中自然也包含了创作主体对客观世界的认识，表现了他们对美和丑的审视和审美价值观念的表达。其中，文化传承与社会现实都对创作过程施加了影响。综观世界动画强国的优秀作品，都从不同角度来表现本民族的、社会的精神面貌，从而具有鲜明的民族特色和民族风格。美国、日本等国家的动画强势，归根到底都有一个强大的民族文化背景作为支撑，民族精神弥漫在动画作品之中。如：美国式大工业支持下的开放与自由的精神，日本式的对生命和人生的盛之如樱花般的凄婉之美的理解和感悟……。动画的民族风格是由本民族特定的地理环境、社会状况、文化传统、伦理道德、风俗习惯、生活方式、语言心理等多种因素决定的，在内容、形式、格调、表现手法上，体现出本民族的审美理想与审美需要，尤其是本民族的文化心理需要，体现出与其他民族迥异有趣的特质，当然，这一切都深深根植于这个民族的社会基础于经济生活之中。

《天书奇谭》中蛋生和狐狸精的斗法，还有《金猴降妖》里孙悟空和白骨精的周旋，构图、形式与节奏都表现出生命内部最深的动。“一切的艺术都是趋向音乐的状态。”可以说，中国动画就艺术性来说，是远远胜过美国动画的。但是曲高和寡，需要欣赏者具有较高的艺术修养才能感受到这份美。而且，文化的差异也妨碍了全球观众的欣赏能力。

虽说动画是信息时代文化语境中新兴的优势种群，虽说中国当代动画是“全球化”的季风吹撒下孳长的，但关键问题还是它在中国本土能否扎下深根。中国动画电影能否随着国家经济、文化的崛起而崛起。国际参展、获好评、乃至获奖其实还都是次要的，最重要的标志在于它是否能创作出正确调动和充分满足中国人，以及有冲击世界的精神文化需要的作品。因此，广泛吸收世界各先进文化的基础上必需探索出这个时期所需要的“中国模式”，充分消化和发展多种先进技术手段，利用各种有效的经济管理途径，展现与培育一种新的精神风貌和文化品味，应是中国现代动画电影发展的一条主轴，国内大学生毕业作品中显得过多私人化或偏重形式与技术的小格局倾向、以及表现粗野、暴力、恶作剧、极端自私和娇柔造作，以及一些媒体关于国外动画赛事及奖项的炒作都应引起我们反思。我们应积极探索中国本土文化中的智慧、幽默、隽永与深厚。在认真研究经济、技术、风格的同时，必须精心研究人本、文化、内容和精神。关注和占据中国动画文化的上游高地，寻求和把握那种能总合艺术与商业、人文与科技、教养与娱乐、理论与试验的发展契机。

在动画电影这个假定的空间世界里，表现手法可以不受缚于现实世界的规则。而这种悖离产生的张力则比任何一种影视形式更具视觉冲击力，是一种极为风格化和个性化的艺术表现形式，例如：美国动画是讲究动作捕捉的，也就是完全的仿真动作，中国动画反其道行之，从再现的一端走向表现的一端。气韵生动是中国画的首要特点，也是中国美术片人物动作的要决。动画艺术承担着与影视作品同样的功能，它可以表现影视剧可以表现的一切主题内容。因此，动画片的创作题材也应该与影视剧一样，甚至比之更包罗万象。

动画和媒体技术的发展，不仅提供了更高的生产效率和更低的制作成本，而且为动画市场提供了如互联网，移动媒体（如手机）等新传播媒体平台。中国在这些新媒体平台上既有巨大的创作基础，又有巨大的市场消费空间，再加上有逐步科学完善的政策机制，相信中国动画的腾飞指日可待。

参考文献

[1]朱和平,世界现代设计史.合肥:合肥工业大学出版社,2004.8：36页

[2]潘鲁生.民艺学论纲.北京工艺美术出版社,1998，10：38页

[3]王宁宇.从文化生态看中国现代动画的发展契机.美术观察,2004,(6)：10页

ExcavationandIntegrationofMaterialinCartoonFilm

PENGJian-xiang(HunanUniversityofTechnology,ZhuzhouHunan421008,China)

篇(5)

“卡通”指用动画和动漫的相关形式创作的作品。广义指用夸张的、象形的、想像、隐喻等手法塑造各种夸张造型通过一定的情节设定所演绎的故事；狭义指给儿童这一单一受众群体观看的情节简单内容单纯思想积极上进的动画或动漫作品。近些年来，动画作品多带有隐喻、嘲讽的深层社会含义，加上夸张变形的造型，除了儿童成年人也同样适合观看，带给观众视觉盛宴的同时发人警醒和思索，又在其中某些时期演化成为艺术创作者对社会现实的评论和审视，是社会精神文化的不可调和的所有物。卡通画在中国所历经的各个时间段也多多少少融合了一些中国特色，蕴含各种民族特色的卡通风格作品也在受众头脑中留下了深刻印象，早年间的动画创作手法也蕴含了老一辈的艺术创作者的大量心血。因为卡通的作品风格也使很多严肃、沉重、沉闷的内容转变得轻松愉悦，给人们的日常生活增添了许多欢乐气息。多样化的油画创作形式使得卡通动漫元素能够很轻松的融入，卡通元素在油画中的存在因素因创作者的年龄段的不同而不同，年纪较轻的画家因童年时期卡通动画片的影响，在油画中运用卡通动漫元素更加的大胆、自信。于此同时，当今强压力普遍的社会生活也使得受众期待观看到愉悦的艺术表现形式。然而，这并不是这个时期所有油画艺术创作的倾向，这只是一小部分对于自己个人爱好和新兴艺术形式表达崇拜和喜爱的方式。对于丰满油画创作表现技法来说，是人类社会精神文明水平日益增长进步的表现。

艺术创作源于生活，艺术家们把自己成长过程中的片段章节用自己富有艺术表现力手法概要总结出来，在展现自己生活阅历点滴的同时也验证出了和普通受众生活近似的一些普遍特征。比如：张晓刚、岳敏君等艺术创作者们的题材内容都是自己生活的章节片段。岳敏君是“政治波普”的领军人物，在他十几年从事油画创作的时间里，他自己的品牌符号就是他在油画创作中其鲜明的人物形象和特定的个人风格，用自己的生活点滴去在创造艺术，充实艺术，从而达到表现社会本质内涵的目的。他所描摹的“人物形象”露出牙齿，闭紧双眼，开怀大笑，不问世事，作品中表现出对“社会政治”问题的嘲讽的态度，对社会等一切外界事物的不问，傲慢和自信，也充分体现出个人崇拜的感觉。张晓刚的代表作《大家庭》这一系列，是通过一个一个小家庭的描述，从而诠释出个人的小单位与社会这个大熔炉的复杂关系，这一系列作品根盘错节的、复杂交错的关系网，引起社会受众普遍的共鸣。他的作品中所表现的男女主人公几乎长着同样的容貌，容貌色彩灰暗，脸上无过多表情，画面整个无可奈何、简单质朴、忧郁的伤感情绪，构图形式上又近似于旧年间的黑白全家福照片。

波普艺术发源地在英国，在艺术风格上发展并继承了“达达主义”的思想观念，至于后续的发展却是在美国，是美国的艺术创作者们所热爱的艺术表现方式。波普艺术的代表人物是美国艺术家安迪•沃霍尔，他是一种流行文化趋势也是流行和时尚的代言人。，他的创作素材大多取材于普遍的大众传媒，通过借鉴特定元素成分在画面上的单一重复和有序编排，并利用强烈夸张的色彩对比，从视觉感官上吸引了人们的视线。波普艺术通过长久成熟的发展，已经影响到招贴设计、服装设计、工业产品造型设计、大众传播媒体、纯艺术绘画等各个范畴，中国现当代油画中的动漫卡通元素的应用元素就是受到了波普艺术的影响。二十一世纪九十年代中后期，刘小东、王广义、魏广庆、喻红、方力钧等一批艺术创作者开始表现带有波普艺术风格内容的艺术品，色彩强烈浓艳，时代感逼人。当时中国的大城市就像是被鲜艳华丽的色彩所环抱着，艳丽的颜色甚至被运用到了原本素雅的苏州园林上，他们通过作品浓妆艳抹色彩表达了对这种艳俗化社会倾向的极度不满情绪，从而讽刺挖苦这样的社会大熔炉和讥讽自己本身。通过卡通元素的嵌入，艺术创作者们表现出一种玩世不恭的社会生活态度，用视觉玩赏性去牵引自己的作品，表达自身在社会大环境下的生存态度。

篇(6)

(1)陶瓷雕塑造型单纯。

因为陶瓷雕塑所采用的原材料的可塑性受到限制，所以在陶瓷雕塑的设计中艺术品的造型比较单一，都是采用简单的造型构造，雕塑造型的一个动作、一个表情都是可以直观地观察到的，形成之后是静止的。同时，这种陶瓷雕塑不是随意进行雕塑的，而是在原材料的形态的基础上所雕塑的。陶瓷雕塑在人物雕塑、动作雕塑、内涵雕塑等各个方面的造型都具有明显的单纯的特质，在人物雕塑方面都是以单一的人物形象或者物品为主，如在对武松打虎的造型进行构造的时候，多是采用着重描述打虎时英勇的形象，对于老虎采取简略的手法。在动作雕塑方面，无论所要雕塑的作品是什么类型，都是静止的单纯画面，没有动态的连续动作。在内涵情感上的雕塑也是采用单纯的情节和单纯的情感表达，注重某一时刻的状态表达。

(2)陶瓷雕塑造型完整。

陶瓷雕塑艺术成品都是非常完整的，它不仅包括人物形态、动作，也包括陶瓷雕塑本身所具有内涵。所有的陶瓷雕塑的内涵的表达都是通过陶瓷雕塑的整体所显示出来的，而并非陶瓷雕塑的一部分所表达的。同时，陶瓷雕塑整体中的各个部分都是相互联系，相互协调的，看上去给人的总体感觉是非常的和谐，恰到好处。例如，在进行雄鸡打鸣的作品造型的创作时，只着重雕塑雄鸡的身子和脑袋部分，忽略了公鸡的双腿，将公鸡的脑袋和脖子通过整体的造型的呈现出高昂的状态。

(3)陶瓷雕塑造型具有艺术美感。

陶瓷雕塑的艺术品不想书法绘画等传统文化，它具有鲜明的立体效果，给人们一直观的感受，让人们可以从各个角度对陶瓷雕塑的造型进行审美，不仅能够实现视觉上的美感价值，还能够充分体现艺术家的内在情感，将艺术家的心理素质、审美情况充分地体现在作品上。

2陶瓷雕塑的造型思想

(1)陶瓷雕塑造型美学思想。

自古以来，人们在对待陶瓷雕塑的造型上都是非常注重纹样和颜色的搭配，而对陶瓷雕塑的造型的选择却往往不太重视。然而陶瓷雕塑中最重要的就是造型的设计，一个陶瓷雕塑的价值与否，与陶瓷雕塑的造型有着密切的联系，这就需要在进行陶瓷雕塑造型创作的时候注意它的视觉效果，充分的利用美学的思想。中国的陶瓷雕塑艺术与美学的思想是分不开的，在进行陶瓷雕塑造型设计的时候通常是采用中国式委婉的线条设计，表现出中国人追求自然和谐的美感，注重通过陶瓷雕塑的造型所表达出来的形式美。这样才能够保证中国的陶瓷雕塑流传久远，并具有一定的韵味。

(2)陶瓷雕塑造型与社会生活相结合思想。

不同的陶瓷雕塑会给人以不同的感受，但是所有的陶瓷雕塑都会表现出的一种氛围就是和谐。想要将陶瓷雕塑发扬光大，就要注重陶瓷雕塑与人们现实生活的结合，让陶瓷雕塑的成品能够与社会的生活状态相协调。所有的陶瓷雕塑的艺术作品都是来源艺术家们的生活体验，正因为如此，陶瓷雕塑才受到人们的欣赏与青睐。不同时代的陶瓷雕塑可以反映不同时代的生活状态，人文精神以及物质水平，也是源于所有的陶瓷雕塑都在追求与社会生活相协调的造型思想。作为中国的传统艺术文化，他不仅昭示着我国艺术文化水平的发展，也充分体现了人们在生活中情感的凝聚。

(3)陶瓷雕塑造型与文化底蕴相结合的思想。

作为中国的传统文化艺术，陶瓷雕塑更能透彻地反映出我国的艺术文化精髓。因为不同的时代，不同的社会背景所具备的文化内涵也各有不同，不同时代的陶瓷雕塑所反映出的文化内涵也是各具特点。例如宋代的文化风格较为大气，所以当时的陶瓷雕塑作品造型都是比较大方典雅，透露浑厚的文化气息;而明朝时期则多数以素雅的造型为主，到了现代，陶瓷雕塑造型则多了几分现代的艺术特点，显得时尚简洁大方。陶瓷雕塑的造型将中国的传统思想与文化底蕴很好地结合并表达，显示了中国的古朴致雅，产生了别有深意的作品。

3陶瓷雕塑的表现手法

(1)艺术美感表现手法。

艺术美感也就是利用中国画的表现手法，采用中国画的笔法，对陶瓷雕塑造型进行线条的勾勒，制造出想要表达的意境，突出想要表达的情感形象。所谓的中国画手法也分为许多种表现形式，不同的手法对陶瓷雕塑的造型也起着很大的作用。现在的陶瓷雕塑造型中许多都采用中国画线条勾勒，以直接的方法对陶瓷雕塑作品进行整理，将陶瓷雕塑的造型表现出流畅的感觉。同时还可利用中国画意境表现手法，使陶瓷雕塑更具内涵性魅力，具有鉴赏的价值。

(2)真实性表现手法。

真实性的表现手法就是讲中方古典的美感与西方的文化相互融合，进行真实写照的艺术表现形式。它最大的特点在于能够将作品真实地表达出来，对作品的造型进行客观细致的设计。这一表现手法可以从陶瓷雕塑的两个方面入手。一方面，可以再陶瓷雕塑的釉色的选择中表现，另一方面可以从陶瓷雕塑的色彩搭配中表现。釉色的选择方面，源于陶瓷雕塑的釉色不同所表现出的质感也有所差距，运用真实性的表现手法，则注重选用逼真的釉色作为陶瓷雕塑的基本材料用以实现以假乱真的目的。非常成功的例子就是著名的“皮夹克”陶瓷，可以做到无法辨别真假的境界。而色彩搭配方面，为了展现真实性的表现手法，可以再对陶瓷雕塑进行彩绘时候着重进行色彩的复原，是真实的场景设置于陶瓷雕塑的造型相一致，取得无法辨认的成就。不仅这两方面，在陶瓷雕塑的造型构造、陶瓷雕塑的装饰方面也是需要进行真实性表现手法的应用的。这种手法的应用，不仅可以实现逼真的效果，对于陶瓷雕塑的发扬也起到了推动的作用。

4结束语

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一、构成艺术“熏灸肌理”的制作方法

教师通过讲授肌理的设计与制作，让学生掌握一般情况下视觉肌理、触觉肌理的各种表现形式和制作方法。视觉肌理的处理手法主要有画、喷、洒、磨、擦、浸、烤、染、淋、燃烧、拓印、贴压、剪刮等。笔者通过案例讲解、作品赏析和实际操作，引导学生切实掌握燃烧法的运用，正确制作出熏灸效果的自然纹理，包括边缘熏灸和表面熏灸两种肌理效果。

（一）边缘熏灸肌理制作方法

1．人工法。在熏灸肌理的设计与制作中，纸质作品的边缘既能够按照边缘线条的设计轮廓进行燃烧，给人带来边线轮廓自然流动的视觉感受，又能够体现出强烈的熏灸肌理效果。在实践操作中，学生感到最困难的环节往往是燃烧速度的控制和燃烧强度的控制。燃烧的时间越长，火焰越大，熏灸程度越强，燃烧对象的边缘或表面也就越难以控制。无论是采用自然熄灭还是人工熄灭，燃烧速度的控制都需要操作者保持集中的注意力和良好的耐心。考虑到燃烧速度的影响，很多操作者经常采用人工法，用口腔吹出二氧化碳，熄灭正在纸质作品边缘燃烧的火焰，从而得到自然古朴的边缘熏灸效果。

2．揩拭法。揩拭法是使用刷子、刮板和包裹棉花的细布等工具，处理织物表面上的污渍，使之脱离织物。［2］此方法来源于服装织物的洗涤方法，同样可以用于通过平面构成燃烧法制作熏灸肌理的过程中，即观察纸质作品边缘的火焰，当燃烧边缘达到设计轮廓效果时，用美工刀、硬纸片等固体小道具擦刮燃烧边缘，达到熄灭火焰的目的，得到边缘熏灸效果。相对于人工法，此法更加有效、安全，对于制作面积大的作品，更有利于操作者身体健康。因为长时间吹气容易导致大脑缺氧，出现头晕等不良现象。因此在教学过程中，主张推荐此法。制作过程中，熏灸效果的好坏取决于各步骤的连贯性，需注意以下几点：

（1）实物边缘的剪切方法。如需要达到更加自然流畅的边缘效果，最好先勾画出最后效果的轮廓，再用手工撕裂的方法进行剪切。

（2）实物边缘接触火焰的面积。接触火焰的边缘面积为燃烧面积，也是最后轮廓效果部分，此面积应控制在最小范围内，不宜过大，否则会造成熏灸效果过重，与设计预想不符。

（3）实物边缘接触火焰的时间。边缘预设燃烧面积接触火焰的时间不宜过长，根据设计效果确定时间长短，但最终效果须注意满足形式美法则，达到平衡与和谐。

（4）熏灸效果的自然控制。要达到自然流畅的熏灸效果，需要不断实践积累经验和感觉，直至能够得心应手地控制燃烧速度和强度，其自然的流露就在微妙的感觉之间。要让学生在掌握燃烧法制作边缘熏灸肌理的同时，培养耐心和细心。

（二）表面熏灸效果制作要点

在实施燃烧法制作表面熏灸效果时，纸质产品与火焰的间隔距离、燃烧时间是制作的重点和难点。要恰如其分地掌握纸面和火焰的间距，必须首先弄清楚火焰各层的温度差异，这恰恰是较困难的地方。往往出现这种情况，即学生按操作的步骤做出了熏灸效果，但仅仅是依样画葫芦，表面熏灸效果不佳，水平参差不齐，实际上并没有真正掌握表面熏灸肌理制作的技巧，不能良好地控制纸面熏灸的时间和程度。针对这一情况，需注意：要根据纸制实物半成品进行整体熏灸效果设计，预先确定要出现熏灸效果的位置和大小，用铅笔作好标记；点燃酒精灯或蜡烛，将纸质实物从上至下，慢慢靠近火焰，注意其间距是以火焰的外焰到纸面的距离为准，因为火焰的外焰温度最高，内焰和焰心温度较低；注意火焰变化，及时平稳移动实物调整距离，达到间距相对准确时，保持实物位置固定，等待熏灸效果出现；纸面出现熏灸效果后，注意调整间距，以免温度过高，实物发生燃烧，在保证安全间距的同时，进行水平来回移动，以达到熏灸效果自然均匀。

二、熏灸肌理在艺术创作中的实际应用

视觉肌理的教学任务结束时，教师往往没有更多地思考学生当下所学的知识技能在其专业学习中是否可以发挥作用的问题。实际上，熏灸肌理不仅可以应用在专业学习中，也能够应用在今后的实际设计工作中。在此，以平面、动漫和服装三个设计艺术专业为例加以分析与探讨。

（一）表达平面广告的精神内涵

熏灸肌理作为一种视觉表达语言，不仅为平面设计师提供了丰富的创意空间，还能够激发创造能力。不论是燃烧边缘的边缘熏灸肌理，还是层叠晕染的表面熏灸肌理，都能够在平面设计中起到良好的美化装饰作用，传递出设计作品的内在信息。利用平面设计软件Photoshop，可以制作出不同形态、深浅、晕染的熏灸肌理效果，将这些视觉效果与设计理念加以结合，运用联想、象征、隐喻等艺术语言，升华其精神内涵，把视觉效果本身的自然属性和设计对象的社会属性有机结合，会在增强设计作品的视觉审美冲击力的同时，增添表情达意的功能性。日本著名设计大师原研哉的猕猴桃软饮包装设计即是如此。［3］为了表现产品的新鲜程度，原研哉将猕猴桃肉的本质肌理特征，表现在软饮外包装上，消费者能够直接通过产品的包装视觉信息，获得产品的信息及属性。将熏灸肌理应用在平面设计中的例子多不胜数，例如在香烟平面广告中，被烟渍侵染的牙齿、晕染发黄的牙菌斑、被香烟熏灸镂空的内脏器官等，都形成了强大的视觉冲击力。运用如此直观的肌理画面，告诫消费者香烟商品的危害信息，其艺术震撼力已远远超越了传统平面设计的效果。

（二）强化影视动画的美术意境

动漫艺术涵盖范畴包括故事题材、主题内涵、叙事结构、人物性格塑造、影片风格、造型风格、视听风格等方面，而肌理的表现可直接应用在角色设计、影片风格、造型风格、美术风格的处理上面。这种动画设计人员开辟元素创新的美术风格设计，在继承熏灸肌理效果的基础上加以创新，让以往不易在动画中表现的视觉画面，能够以更好的视觉效果展现于世人面前。平面构成的熏灸肌理表现是基于绘画者或设计者的艺术风格而创作的。在当前的动漫艺术创作中，特效制作人员能够采用材质处理制作出熏灸肌理，应用在动画创作的场景设计、人物特技和画面特效中，在作品中创作出独特的绘画技法和美术风格。例如陈嘉上导演的电影作品《画壁》预告片中，结合了中国传统水墨形态，呈现出不同形态、深浅、晕染的熏灸肌理视觉感受，表现出古典背景下物质的独有质感，营造出复古、淡雅、质朴、隽永的意境，与中国水墨有异曲同工之效，呈献给观众形神兼备的艺术效果，在一定程度上强化了中国民间传统古朴内敛的美术意境风格。

（三）拓展服装设计的包装造型

服装设计与肌理密不可分，熏灸肌理可运用在服装效果图的表现方面。一是单纯强化效果图整体的视觉冲击力，二是有针对性地表现服装效果图的款式和面料，采用边缘熏灸和表面熏灸强化效果图技法的局部表现力，为设计锦上添花。熏灸肌理也大量应用在服装面料的二次设计中，根据不同服装材质的功能属性，采用燃烧法进行熏灸肌理的制作渲染，对材质本身进行二次设计，此方法也可结合剪、撕、刮、擦、染、编、绗缝等服装工艺手段，使服装面料焕发新的面貌，为服装设计提供更宽广的创意空间。相比其他艺术设计专业，服装设计在借助于计算机绘图软件的同时，至今仍然保留着传统的手绘表现技法，这跟服装设计效果图独特的艺术表现力有着密不可分的关系。在服装设计作品的包装造型方面，熏灸肌理处理也是一种强有力的视觉艺术手段。不管是对效果图本身进行熏灸表现，还是对服装设计系列作品进行整体包装，边缘熏灸和表面熏灸都能够起到品味独特的装饰作用。