流行音乐本科论文篇(1)

【关键词】流行音乐教育；独立体系；时代性；学科建设；现状

中图分类号：G64 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）11-0228-01

从20世纪80年代到21世纪初，我国对流行音乐的研究经历了对流行音乐身份的认同、对流行音乐深入探讨、对流行音乐的研究步入成熟这三个阶段。使我们对流行音乐的定义有了更深入的理解和掌握。也了解了它与文化生活，社会功能，历史潮流的联系及影响。还涌现了一大批致力于研究流行音乐的音乐学家，如：钟子林、王思琦、金兆钧、项筱刚等。他们对流行音乐的研究成果是巨大的，使流行音乐的研究登上新的高峰。到今天，高校开设流行音乐相关专业已是相当普及，而流行音乐教学真正成为一个相对独立的学科，必须构建一个科学的教学体系。

一、我国高校流行音乐教育现状

高校流行音乐教育从出现至今已有二十年发展历史，高校流行音乐教育得以快速发展是由以下两个方面决定的：第一，我国倡导科教兴国，这是我国基本国策，为高校流行音乐教育的发展奠定了土壤作用，在这种大背景下，高校的招生数量逐渐递增，为很多新的学科出现提供了基础，这也可以说是外因。第二，流行音乐是全球盛行的，代表着潮流，吸引着年轻一代，通过全球化的经济、文化交流，我国流行音乐教育的盛行成了一种必然。短短二十年的时间，我国流行音乐教育几乎已经达到了发达国家水平，但快速发展的背后也隐藏着很多问题，这些阻碍了流行音乐教育学科建设的发展。

流行音乐学科建设在各个高校均有涉及，但是相关的院系名称、专业名称以及专业内部的方向以及该专业的名称和范围都缺乏统一的标准，这直接影响到该学科的教学定位和人才培养目标。通过调查了解可以看出，名称的不同使得各个高校在教学定位和专业命名上缺乏规范性，这对该学科的建设也造成了一定的阻碍。此外，高校里流行音乐教育的教学也缺乏明确的定位，教师还习惯于传统的教学模式和方法，这种不加创新的做法会影响高校流行音乐教育的发展。

二、建立我国高校流行音乐教育体系

（一）培养目标、学科体系的确立。高校流行音乐专业建设的初衷是为了培养流行音乐人才，是我国高等教育体系中不可缺少的一部分，但是该专业建设培养出来的人才最终也是要面向社会的，因此该学科建设的培养目标必须以理论结合实践，以人才实用性为主，注重人才的技能培养。

我国高校流行音乐教育体系设立是教育发展的一种必然趋势，培养出来的流行音乐人才需要了解本专业学科的国内外研究动态、前沿发展动向，还要具备实用、扎实的流行音乐理论和技能，只有这样的人才，在毕业之后才能满足社会和市场的需求，才能真正做到学以致用，实现我国人才培养的目标。

学科体系建设要统一、明确、系统。因此学科体系要包含以下四个部分：第一部分，文化知识。其中包括中国音乐史、西方音乐史、流行音乐分析、流行音乐风格；第二部分，音乐理论。其中包括流行音乐概论、曲式、复调、和声；第三部分，专业知识。其中包括流行音乐演唱、流行音乐演奏、作曲等；第四部分，相关知识培养。其中包括歌词写作、读谱与绘谱、MIDI制作、流行音乐作曲、流行音乐市场营销等。总之，通过综合培养，才能培养出适用于社会和市场、理论结合实践的音乐人才。

（二）学科定位。当前我们音乐教育是传承了经过数百年不断积累、整合、完善的欧洲传统音乐教育体系的模式，加入中国民族音乐、民间音乐、戏剧音乐而建立的完整体系。

三、W科建设与课程设置

（一）公共基础课。公共基础课包括马克思主义政治经济学原理、马克思主义哲学原理、思想概论、邓小平理论、思想道德修养与法律基础、中国近现代史纲要、大学生健康教育、形势与政策、艺术概论、计算机基础、英语、体育。学科建设是流行音乐教育在实施中的关键。要切实了解、掌握流行音乐自身发展、变化的规律，建立相关学科及确定专业方向。它不仅保障教学的规范与完整，更能系统、高质量地产出人才。

（二）音乐基础课。音乐基础课包括视唱练耳、乐理、中国音乐史、西方音乐史、流行音乐概论、中国民歌与民间音乐、钢琴、副科和声、副科曲式、副科歌曲写作。

演唱 （Sing）：承继传统科学的发声状态，借鉴世界民族民间声乐的传统唱法，学习欧美流行音乐演唱方法和各种演唱风格，形成独特通俗音乐演唱教学体系，讲授基本理论和技能。

流行音乐本科论文篇(2)

本届论坛议题很多，来自全国各界的20位学者、教授和嘉宾的三场主题演讲就十分精彩。这三场主题演讲涵括了流行音乐教育教学、表演创作、理论研究和产业传播等几乎所有重要的领域，论题广泛，视角独到。中央音乐学院的梁茂春教授敏锐地对网络音乐现象作了细致的分析，表现出其宽厚的学术视野和对新事物的积极姿态；《人民音乐》编辑部主任、乐评人金兆钧以“数字音乐时代”为题，阐释了数字技术给整个流行音乐产业和文化带来的革命性转变，对未来音乐圈和产业界的发展策略提出了中肯的建议；上海音乐学院的陶辛教授对流行音乐的“商业”形态和“民间”形态进行了剖析，试图为学术界由来已久的相关争论找到一条新的思路；武汉音乐学院的朱爱国教授从传统和声学角度出发，对流行音乐独特的和声现象和规律进行了梳理归纳；南京艺术学院流行音乐学院的徐元勇博士则旗帜鲜明地提出了流行音乐演唱理论体系；李汉颖、黄荟等嘉宾代表则以唱片业内人士的思路阐述了对流行音乐教育的关注和思考，等等。

高校流行音乐教育学科建设始终是本次会议的核心议题。作为南艺流行音乐学院代表，我在论坛开场演讲了《论我国高校流行音乐教育》，围绕高校流行音乐教育，以及流行音乐教育学科建设这一核心议题阐述了发展我国流行音乐教育的新观念和新思维。流行音乐教育体系是一个全新的、充满机遇与挑战的、有着广阔天地和绚丽前景的门类。它包含了教育思想、教学方法、课程体系、学科建设、教学管理、教材建设、艺术实践、科研创作等方面。构建科学、规范、独立的流行音乐教育体系对流行音乐学科的发展，有着十分深远的意义。

论坛期间，很多专家学者和院校领导都对尽快将流行音乐教育纳入教育部学科目录，建立流行音乐教育体系，完善和发展流行音乐高等教育提出了建设性的意见。许多专家的演讲都在一定程度上体现了对流行音乐的理性思考，体现了客观对待流行音乐问题的态度。专家们普遍认为，流行音乐在音乐语言、创作表演技术和产业发展规律，以及消费和审美接受问题等方方面面都存在着特殊性，有别于传统音乐。这些“特殊性”需要被我们不断地作全面的摒除偏私的审视，而不是局部的、简单的、概念化的评价。那么，相应的，流行音乐的教育也应该是特殊的，这是一个多范畴的综合问题，需要全局统筹，更新理念。所以，流行音乐教育问题的关键，就在于既要尊重教育的逻辑、教育的体系标准来寻求和开展学科建设，又要使教育符合流行音乐实践的俗约概念，尊重流行音乐的文化旨趣和发展规律。然而，我们当前的流行音乐教育很大程度上仍以西方古典音乐教育体系为逻辑基础；很多专业和课程的名称、概念以及教学内容都存在模糊性，这增加了教学的不确定性，影响了教学定位的准确性。李汉颖、陈复明等业内人士在发言中强调，流行音乐越来越需要“专业”人才。这里所谓“专业人才”是针对缺乏系统科学训练的“自习成才”的人才而言的。但是什么样的人才，才能算作流行音乐的“专业人才”呢？我们显然缺乏了解。这是摆在教育界面前的一个重要课题。刘小山博士认为学院出身的人才并不是最终端的流行音乐人才，但他们是流行音乐人才的引导力量。流行音乐教育应该是具有独立性的学科体系，它应该与传统的古典音乐教育、民族音乐教育比肩而立，而不是作为某学科的附属或附庸。

除了以客观的态度认识流行音乐及其教育理念问题，我们要确立流行音乐教育的独立性，最实际的任务就是建立流行音乐教育的独立学科体系。作为一门学科，流行音乐教育的学科理念应该是：遵循时代需要培养音乐人才。“时代”是流行音乐的关键词，流行音乐的从业者们必须对时代保持高度的敏锐才能生存下去。流行音乐教育对时代性的强调会给传统艺术教育带来积极的影响。流行音乐各专业的开设要有所划分与规范，但相互之间却不宜强调界限。为了让学科互动，应该容许学科交叉突破限制。强化“课程”概念，淡化“专业”概念，专业对课程的选择性与分离度；课程对教材的选择性和这种领域间的相互作用和刺激，不仅可以激发提升专业、专业方向与课程、教材的质量，还可以培养出复合型人才与人才的多样化，这种跨学科、交叉学科也是当代高校学术领域的一种趋势。另外，流行音乐理论研究方向诸专业尚未在高校教育中全面展开，落后于表演和创作，成为了瓶颈和弱项。作为建立流行音乐教育体系的重要基础，它是学科建设的紧要任务。

基于对流行音乐学科建设，与会院校最后达成共识：

一、呼吁国家教育部门将“流行音乐”纳入正式的学科目录，与传统音乐学科“音乐学”、“作曲和作曲技术理论”和“音乐表演”并列。国家教育部2005年度已将《流行音乐的现状与发展趋势》列为部级科研项目，国家文化部组织了专家考察团，对美国的流行音乐以及相关产业进行了专项考察。近年来高等院校流行音乐教育的迅速发展已成为不争的事实。高校培养出的大批流行音乐创作、表演方面的专业人才，在音乐舞台上已是大放异彩，提高和促进了行业的专业素质和艺术水准。目前，全国每年报考流行音乐各专业的人次高达十几万，毕业就业率也超过了传统的音乐教育，而且发展的前景和势头还在不断升温。尽快将流行音乐教育纳入教育部学科目录中，有利于流行音乐高等教育的不断完善和发展，同时也是对现有音乐教育体制的补充。

二、建立统一的流行音乐本科教育核心课程。随着国内教育改革的深入发展，越来越多的院校将学科建设的中心从重专业建设转移到重课程建设，由学年制向学分制过渡，在这个转变过程中，核心课程的确立与完善成为学科发展的支柱。核心课程的认证与开设，直接左右并影响教学的方向与质量。因此集中全国各相关院校的力量，调研与论证，建立统一的本科教育核心课程体系，对流行音乐学科发展起着积极作用。

三、最后是统一编写流行音乐学科的核心课程教材。核心课程教材是教材建设的重中之重，建立流行音乐学科体系中最具体、最基本也是最基础的任务是编写一套核心课程系列教材，它有利于学科建立统一标准。

流行音乐本科论文篇(3)

本届研讨会由文化部和哈尔滨市人民政府共同主办，哈尔滨师范大学音乐学院承办。来自中国音乐学院、上海音乐学院、天津音乐学院、沈阳音乐学院、沈阳师范大学、吉林师范大学、内蒙古大学，以及莫斯科音乐学院、圣彼得堡音乐学院、哈巴罗夫斯克国立艺术学院、叶卡捷琳堡音乐学院、俄罗斯远东国立艺术学院等中外20余所音乐院团的近百位中俄音乐交流的专家、学者热烈响应。大家围绕近百年中俄音乐交流的得与失、理论与创作、美学与历史等方面展开深入讨论。

本次研讨会学风严谨，筹备期长达两年，所有参会论文都经过了较为严格的学术评估。参加论坛的包括俄罗斯功勋艺术家左贞观、莫斯科柴可夫斯基音乐学院知名音乐史学家玛・叶西波娃、莫斯科柴可夫斯基音乐学院副院长康・谢金、圣彼得堡音乐学院副院长娜・杰克嘉廖娃和叶卡捷琳堡音乐学院院长施卡鲁普、俄罗斯远东国立艺术学院院长丘古诺夫、俄罗斯哈巴罗夫斯克国立艺术学院院长弗・祖罗姆斯基等国外资深专家，还有中国音乐学院院长赵塔里木、天津音乐学院院长徐昌俊、哈尔滨师范大学音乐学院院长陶亚兵等国内知名专家学者。

在8月9日上午举行的简短开幕式上，陶亚兵在致辞中阐述了举办本次研讨会的意义和价值，认为在中俄两国友好关系进一步发展的新的历史时期，借由“哈尔滨之夏音乐会”所搭建的绝好平台，对中俄音乐交往的历史事迹的深入挖掘整理以及思辨研究必将进一步巩固和升华两国音乐界的紧密关系，提升“哈夏”音乐会的学术内涵，促进两国音乐文化事业的健康发展。同时，他真诚期待到会嘉宾能为“中俄音乐文化交流”发表真知灼见，并以史为鉴，为过去、现在乃至未来的中俄音乐交流提供理论支撑。

在随后举行的专题研讨中，50多位专家学者围绕研讨会的5个议题――“中国音乐文化在俄罗斯的传播、俄罗斯作曲家创作的中国主题音乐作品研究、中俄音乐教育的比较研究、中俄音乐合作项目的可行性研究、中俄音乐交流历史回顾与现状研究”做了精彩发言。与会专家学者立足各自研究领域，采取不同研究视角，透视中俄音乐交流的方方面面，取得了丰硕成果。

学术品位――助力“哈夏”国际化

早在今年6月，“哈夏”组委会就宣布：以展现哈尔滨市“高雅、时尚、浪漫”的城市艺术氛围为主题的第32届中国・哈尔滨之夏音乐会的整体框架包括“一场开幕演出、两大系列演出、三个重要赛事、四项创新活动”。其中，四项创新活动的第一项就包括：以哈尔滨师范大学音乐学院为主体，举办中俄音乐文化交流国际学术研讨会。这也是本届“哈夏”音乐会旨在提升其学术内涵、实现国际化的创新做法。

中国与俄罗斯两国在音乐交流方面源远流长，中国音乐特别是黑龙江音乐的发展受俄罗斯音乐①影响较大。每一届“哈夏”音乐会，都有相当数量的俄罗斯音乐通过不同的形式上演。漫步在哈尔滨大街小巷，从广场舞曲到宾馆餐厅的背景音乐，俄罗斯音乐不绝于耳。参加研讨会的部分专家学者注意到了这种现象，从不同角度阐述了这种文化联系。

参加研讨会的中国代表中不乏上世纪留学苏俄的老一辈优秀艺术家，也有许多倾注毕生精力在俄侨音乐研究的学者以及中国音乐界高层人士。如黑龙江省社会研究院研究员李述笑毕生致力于从事哈尔滨俄侨音乐的研究，他通过《论哈尔滨俄侨音乐教育》的议题从社会基础和文化环境、俄侨音乐学校、对哈尔滨音乐的影响三个方面向大家介绍了哈尔滨俄侨音乐教育的概况。黑龙江音乐博物馆馆长苗笛展示了哈尔滨俄侨音乐学校的成绩单、俄罗斯古老民族乐器，以及我国知名作曲家谷建芬在哈尔滨音乐学校学习的照片。黑龙江省歌剧舞剧院、国家一级指挥贾宝林讲述了自己的老师同苏联专家学习的经历，他的合唱指挥老师是苏联专家杜马舍夫的弟子、管弦乐队的老师也师从苏联专家。与会专家从不同角度肯定了苏俄专家对中国音乐的贡献。中国俄罗斯友好协会理事、黑龙江省对外文化交流协会副会长徐世铭以《哈尔滨人们的期待――促进中俄歌曲交流的几点建议》为题进行大会发言。他提出了中俄音乐交流的一些建议：借助友好城市，广开音乐渠道；借助官民相融的人脉网络，推动中俄音乐交流的实质性进展；培养青少年的情趣，使中俄音乐交流可持续地发展；利用网络资源，进行历史、视听资料的兑换。提出社会群体的自觉行为成为交流中不可或缺的动力元素，两国还应以推介各国的优秀曲目为首。

黑龙江省知名音乐教育家、哈尔滨师范大学原音乐教育系主任方智诺谈到他的整个家族的音乐人生都受到儿时邻居――一位俄罗斯指挥的启示，并以《苏俄经典音乐文化伴我在音乐求索之路上》的论题讲述了自己的艺术人生。方智诺强调中国钢琴的根在俄罗斯，钢琴教授查哈罗夫具有最大的贡献，周广仁、付聪、殷承宗等一批钢琴家都师从于他。他表示现在的中国作曲家正处于集成与创新的两难境地，创作上需要学会更多角度的开发与吸收，要在寻根与开放之间形成一种多元的特性。

成果――展示研究新动向

早在5年前的2009年，第一届“中俄音乐交流国际学术研讨会”在哈尔滨举行，会议最大的成果之一便是搭建了中俄音乐交流研究的成果平台。5年间，这一平台切实起到了“成果会”的作用。在哈尔滨师范大学音乐学院的努力下，大量中俄音乐交流的学术成果借由这一平台进入音乐艺术学科领域。

5年间，以陶亚兵主持的国家社科基金艺术类重点项目《20世纪俄罗斯音乐文化对中国近现代音乐发展的影响研究》为代表，一大批中俄音乐交流成果陆续面世，如人民音乐出版社出版的书籍《中俄音乐交流史事回顾与当代反思》、国家社科基金艺术学项目《俄罗斯当代著名华裔作曲家左贞观音乐创作技法研究》等，各种论文近千篇，关注该研究的中俄专家持续增多。

正如左贞观所说，5年前在同一地点举办的第一次中俄音乐交流研讨会是一次里程碑式的会议，取得了极大的成功，在中国和俄罗斯方面均引起了很大的反响。本届研讨会，左贞观了他的最新研究成果“冼星海与苏联”，主要谈了我国著名作曲家冼星海旅居俄罗斯生活期间在音乐创作方面的贡献及他的生活。

玛・叶西波娃的父亲是北京广播交响乐团的奠基人，因此她对中国有着特殊的感情。她向大家介绍了21世纪俄罗斯研究中国音乐的状况，指出俄罗斯学术界对中国音乐的研究也在逐步升温。俄罗斯现在很缺少中国音乐的专著、音乐课本，她本人很希望俄罗斯建立中国音乐研究中心，以较好地促进俄罗斯人民对于中国音乐的研究与学习。娜・杰克嘉廖娃表示圣彼得堡音乐学院是世界唯一拥有古老唱法的音乐学院，古老曲谱保存至17世纪。她向大家介绍了学院历史、发展轨迹和教学工作。如今学院开拓了俄罗斯宗教音乐的研究、中国丁善德作品研究两个研究领域。

徐昌俊阐述了俄罗斯音乐家齐尔品对中国民族音乐的贡献。齐尔品出于对东方文化的热爱，在上世纪30年代于上海发起了征集中国风格的钢琴作品活动。贺绿汀创作的《牧童短笛》第一个获奖，这激起了中国人重拾民族音乐的信心。徐昌俊特别强调我们都是中俄音乐交流成果的受益者。上海音乐学院教授韩钟恩为学术研究思路开拓了新的角度，谈及中俄音乐交流研究的新视角：强调形式与内容的剥离，主张方法与本体之间进行关照。黑龙江省艺术研究所刘学清研究员谈及多元文化中的哈尔滨声乐艺术。黑龙江省艺术研究所研究员陈恕以《探寻赫哲族伊玛堪说唱活态传承之路》为题，从伊玛堪的类别归属、文化自觉与活态环境和说唱本体的活态传承三个方面，阐述了黑龙江跨界民族赫哲族与那乃人伊玛堪的保护与传承。黑龙江省声乐学会会长、黑龙江大学艺术学院教授崔杰夫讲述了被誉为“世界低音之王”的俄国男低音歌唱家费多尔・伊万诺维奇・夏里亚宾在哈尔滨演出的事迹，表达了对俄罗斯声乐艺术的深深敬仰。

实质合作――创新交流新模式

如果说5年前的首届研讨会只是明确了中俄音乐交流在未来的合作领域、确定了交流的趋势，那么，本届研讨会则实现了来自两国音乐及音乐教育机构的实质性合作。而这种建立在笃实学术成果基础上的实质性合作，除了切实保障了合作方式的可持续性之外，还为更高层次的两国文化交流注入了新的活力。

如组委会在本届“哈夏”期间启动中国俄罗斯音乐文化交流中心，俄罗斯专家一致强烈要求将中国音乐的大量文献资料介绍到俄罗斯，并表达了在俄罗斯建立中国音乐文化研究中心的美好愿望。

弗・祖罗姆斯基表示，俄罗斯哈巴罗夫斯克国立艺术学院拥有全国最大的图书馆和地位很高的学术论文出版社，以及专业学术期刊，学院设有音乐理论教研组、声乐教研组、演奏教研组、外国音乐史教研组、俄国音乐史教研组、跨越题目教研组等教学领域。此外，还探索了两个新的学科组――文献检索组、纯粹学术组。学院很期待建设中国音乐研究中心。

东北电力大学艺术学院教授郭萌介绍了他的在研课题――《高教强省战略与转型时期俄罗斯教育改革保障体系的借鉴研究》，该项目被列为吉林省专家建言项目，他的论述出发点正是俄罗斯转型时期教育改革中我国可以借鉴的方面，他认为“政府支持、激发活力、加强建设、特色发展”四个方面是当前音乐学科建设的重要抓手。

“实质性合作”还主要体现在艺术教育领域。如黑河学院副教授、哈尔滨师范大学音乐学院博士生党维波以《中俄音乐高校公共音乐欣赏课教育思想比较》为题发言，从开设时间、教育基础、教学时段、课程地位等几方面讲述了两国教育的差异。内蒙古大学艺术学院教授孙德俊以《苏石林对中国高等声乐艺术教育发展的影响》为题，回顾了苏石林对于中国声乐的贡献。哈尔滨师范大学音乐学院讲师李岩松以《新中国青年代表团参加第六届莫斯科联欢节》为题，讲述了一段令中俄两国人民难忘的音乐交流史。

正如赵塔里木在大会上的致辞，文化交流是推动人类进步的重要途径，音乐在人类交流中有着不可替代的作用。因为，音乐在人类文化中是认识世界的方式。人类音乐文化的多样性，实质就是人类认识和把握世界方式的多样性。音乐是人类文化的宝贵资源，它的价值实现必然要依靠交流。近百年的中俄音乐交流对中国音乐的发展有着深远的意义。中俄两国音乐界共同期望在难得的历史机遇中，通过音乐得到更进一步的交流。

流行音乐本科论文篇(4)

一、视角的独特性

涉及“流行音乐”（或曰通俗音乐）一词，一般特指源于欧美的、现代社会城市中诞生的通俗化、时尚化、商业化的音乐。具体说来，即是以其时间上的现代性、空间上的城市性、审美上的通俗性、制作上的现代科技性、流行上的商业性等为特点的大众化音乐。《大众》中对于流行音乐的考察，则并未囿于这种狭义的流行音乐观，而是表现出其独特的视角。其一，是大文化的视角。即从“中国音乐文化体系中的大众音乐”（第二章）的角度来审视中国的流行音乐（包括中国现代社会中的流行音乐）。流行音乐，是大众音乐，更是音乐文化体系中的大众音乐，此可视为《大众》之流行音乐研究的逻辑起点。其二是历史的视角。如对中国流行音乐所作的历史学、社会学分类上将其定位为与宫廷音乐、文人音乐（现代则为政府音乐、专业音乐）相对的“大众音乐文化”（导引，第二章）。从而提出了“广义而宏观的通俗音乐（流行音乐）”（导引）的概念，并通过历史上的大众音乐所具有的“自然的”“面向社会，面向最广大群众”（导引）的共性的描述，深刻揭示出广义的流行音乐的本质特点。其三是现代传播学理论的视角。流行性，可谓流行音乐最显著的特性。对于作为大众音乐的流行音乐的流行（传播）特性的研究，应该说是《大众》理论展开的逻辑重心，从而也形成对以往多见的关于流行音乐单纯的或形态学、或审美学、或历史学研究的一种新开拓。基于对大众音乐的历史、宏观意义上的审视，《大众》进而深入分析讨论了大众音乐的传播形态（自然传播和技术传播）及其商品性（第七章）、流行性（第八章）等。特别是其中关于技术传播的五大类型（乐谱、唱片、无线电、电视和数字化网络）（第六章）、依技术传播媒体分类的大众音乐传播的五种形式（a.原始、b.乐谱、c.表演、d.唱片、e.无线电-电视）（第六章）、音乐流行模式“三环”（A.激发环节；B.社会心理倾向；C.作品本体）制约图式等的解析方面所体现出的从社会学、传播学以及历史学、审美学、心理学角度对大众音乐进行综合考察的全新眼光，尤见其学术视角的“前沿”和独到。

二、视域的开阔性

《大众》全书的结构总八章，可分为两大部分。一为前四章，可概括为中国音乐“文化体系”、“历史长河”中的“大众音乐”；二为后四章，可概括为“大众音乐”的“传播”和“流行”。在第一部分中，《大众》对于中国大众音乐从时、空两维度作了宏阔的“鸟瞰性”、“概览性”陈述和深入地探索性研究。如纵向上的时间跨度方面，囊括了远古乐舞，先秦民歌，秦汉乐府、相和歌，魏晋南北朝清商乐、吴歌西曲，隋唐曲子，五代两宋唱赚、鼓子词、诸宫调，元代杂剧、散曲，明清小曲、戏剧等等（第三章）；横向的空间维度上则包含了民间音乐、宗教音乐、军旅音乐、儿童音乐、革命音乐、当代流行音乐（第四章）等等，从而在时空交错、经纬纵横的大视野上为我们展示了中国大众音乐文化的历史发展及文化构成方面的宏伟图景。另如在全书第二大部分后四章中论述大众音乐作为 “音乐商品的历史进化与发展”（第七章）时，对音乐商品价值从 “零时期”、到“萌芽、发展时期”、再到“膨胀时期”所作的历时性分析，也表现出其广阔的学术视野。

三、视线的深刻性

《大众》在为我们描绘中国大众音乐及其传播、流行的发展史实时，均是与“论”密切相关、相连的。由上所述，其叙“史”述 “实”可见宏阔的视野；而其立“论”上，则不乏学术上的诸多真知灼见。如作者在对“中国音乐文化体系中的大众音乐”进行历史的、社会的、文化的评述之后，所得出的“大众音乐是整体音乐文化发展的动力源泉”（第二章），是“历史的晴雨表，社会发展的指南针，社会感觉的心电图，历史长河的录像带”（第四章）的结论；将中国当代音乐文化作政府音乐(Governmental)、大众音乐(Popular)、学院派音乐(Academic) “三相划分”及其交相互成、互动(如20世纪50―60年代GPA/GP/GA型；60―70年代Gpa/地下P型；80年代P/GP/A型；90年代G/P/A型) 理论（第二章）的提出，从而超越了关于音乐文化分类认识上惯行的“雅与俗”、“主流与非主流”、“统治阶级与被统治阶级”等二元对立思维模式；讨论大众音乐的传播流行问题中所作“人类社会的音乐实践，本质上是音乐传播的实践”（第五章）、“正向传播与反馈（传播）的长期双向交流形成”对“某文化风格的”“认同”及“民族精神气质的标志”（第二章，第五章）、“音乐史就是音乐的流行史”（第八章）等理论概括；在论述大众音乐的商品属性时所提出的“在我们现实的音乐商品中，对音乐商品的二重性的认识，其意识形态性应当摆放在头等重要的位置”（第七章）的观点等等，都表现出作者深刻的学术见地。

四、视触的敏锐性

《大众》对大众音乐进行历史的和传播学、社会学的透视中还可见其现实针对性方面敏锐的视触。如对当前流行歌坛“走穴”、“营业性演唱”（第四章）、“假唱”（第六章）等的社会学分析；对 “当代中国流行音乐两个极端”（“俗不可耐和晦涩离奇”）（第七章），对电视晚会“三多”（声乐多，声乐中独唱多，独唱中流行歌曲多）现象和“电视晚会的艺术带头性和传媒权威性逐步消失”（第六章）的倾向等的批评；对中国流行音乐“起码较长时期内”像80年代“音乐商品生产的‘大瀑布’（状况）再也不会出现”（第七章）的预测。再如，面对“今天音乐商品价值膨胀期，占社会传播支配地位的e式传播（无线电-电视）致使传播透明度趋近于零”的情形而敏锐地指出音乐商品的“艺术、商品追求上价值选择”已到了临界点，从而发出警惕“音乐商品成了商品价值规律的奴隶”（第七章）的呼吁，等等。对“大众音乐文化的社会历史连接与传播”的研究，其首要的目的和意义，无非在于发现其中某些规律性的东西，以更好地进行我们今天的“音乐文化建设”。由上可见，这也正是《大众》为我们所呈现的著述宗旨。

流行音乐本科论文篇(5)

音乐美学理论研究与美学理论研究是近乎同步。其原因是，无论是美学史著作还是美学范畴的其他著述，不可避免要涉及到音乐美方面的内容。所以，要想更直观地了解音乐美学理论的现状，无妨以美学与音乐美学相比较的方式进行分析。据笔者不完全统计，截止到2011年，我国音乐美学、著作共105册，其中音乐美学理论专著65册。以1980年杨荫浏《中国古代音乐史稿》（北京：人民音乐出版社）为起点，以年蒋一民《音乐美学》（北京，人民出版社）为标志，至年的20年间，音乐美学著作如雨后春笋般不断生发（由于笔者搜集资料渠道有限，只能作粗略统计，权且暂借现象略摆事实），严格意义上的音乐美学著作共有23种。有代表性的如：修海林、罗小平《音乐美学通论》（上海音乐出版社，1999）；王宁一、杨和平《二十世纪中国音乐美学》（全4册，现代出版社，2000）；周畅《音乐美学》（北京：京华出版社2001）；胡郁青《中国古代音乐美学简论》（重庆：西南大学出版社，2006）；冯长春《音乐美学基础》（南京师范大学出版社，2008教材）；孙兰娟《音乐美学教学论稿》（云南大学出版社，2010教材）；修金堂《音乐美学引论》（中央音乐学院出版社，2010）；张前《音乐美学教程》（上海音乐出版社，2012）。等等。音乐美学史类10种，如：修海林、李吉提《西方音乐的历史与审美》（中国人民大学出版社，1999系列）；蔡仲德《中国音乐美学史资料注译》（北京，人民音乐出版社，2004）何乾三《西方音乐美学史稿》（中央音乐学院出版社，2004）；于润洋《音乐美学史论稿》（北京，人民音乐出版社，2004）。等等。音乐美学专题研究类21种，如：杨琦《音乐美的哲学思考》（成都，四川民族出版社，1995）；修金堂《音乐美学之音乐本体——属性论》（哈尔滨，黑龙江教育出版社，1996）；黄淑基《中西音乐美学的对话——一个音乐哲学的研究》（台北，洪叶文化，2002）；韩钟恩《音乐美学与文化》（台湾，洪叶文化事业有限公司，2003）；龚妮丽、张婷婷《乐韵中的澄明之境：中国传统音乐美学思想研究》（广西师范大学出版社，2009）；轩小杨《先秦两汉音乐美学思想研究》（中国社会科学出版社，2011）。等等。另有音乐美学译著9种，如：张前译《音乐美学》（北京，人民音乐出版社，1991）；于润洋译《音乐美学新稿》（北京，人民音乐出版社，1994）；杨燕迪译《音乐美学观念史引论》（上海音乐出版社，2006）。等等。

二、关于音乐美学理论成果运用于教学实践的思考

面向二十一世纪，中国本土音乐艺术要想取得跨越式发展，仅有音乐美学理论著述是远远不够的，注重做好基础性人才工程，把音乐美学理论成果运用于教学实践，培养出更多的高、精、尖复合型音乐人才，通过这些人才反推音乐美学理论向纵深发展，是当今乃至今后值得关注的重要问题。那么，由理论到实践应从何处着眼，又应从何处着手？其一，要弄清楚音乐美学究竟应该讲哪些内容。这不仅涉及作为一种学术按自身的逻辑关联的内容，还要涉及教育体系的学科分类对音乐美学的具体呈现的制约，按我国目前学科体系国务院学位委员会1997年颁布《授予博士、硕士学位和培养研究生的学科、专业目录》，美学内容至少被分割在四个学科群里面：一是放在哲学一级学科下面的二级学科的美学；二是一级学科艺术学下面的八个二级学科（艺术学、美术学、音乐学、戏曲戏剧学、舞蹈学、电影学、广播电视艺术学、设计艺术学）；三是一级学科中国语言文学下面关于文学的诸学科和一级学科外国语言文学下面的各国文学；四是一级学科建筑学下面与建筑艺术相关的学科和林学下面的园林植物和观赏园艺。④在上述四个学科群中，音乐美学的明显位置也就在一级学科艺术学下二级学科音乐学之中，这里最为重要是美学与音乐学的关系，以及音乐学与音乐美学的关系，进而美学与音乐美学的关系。可以说，讲美学也会涉及到音乐学，讲音乐美学又根本离不开美学，三者多有重合之处。

因此，在音乐学中如何讲音乐美学变成在学科体系的分工中如何合作的问题，这在教学实践中不能不加以考虑，甚至应该作为学科体系改革的一项重要举措来提升音乐美学的级别。综合上述因素，目前状况下，遴选或组织比较全面的音乐美学教材至关重要。一本有分量的教材，至少应当涵盖以下内容：一是音乐审美现象。要讲清楚当人聆听音乐，欣赏音乐之美时，状态怎样，审美如何开始，如何进行，最终效果如何。二是音乐审美类型。要讲清楚音乐美分几个大的基本类型，如复杂、理性、空灵、平淡、自然等类。聚焦处如热烈、优美、典雅等特点是怎样的。三是音乐审美文化，通过中西方音乐美学文化研究成果，讲解不同的音乐审美观念和表现形式，进一步理解为什么会有这样的观念和形式。四是音乐形式美法则，讲清楚超越文化和时空的音乐美的基本法则，如节奏、速度、情感、风格等。五是音乐美的起源。从人类文化学来看美是怎样产生的，音乐美是怎样产生的，人是怎样认识到音乐美的。六是音乐美学的学科历史，要讲清楚音乐美学是如何产生和发展的，其客观规律是什么。具备系统全面、综合多家智慧、汇集诸多研究成果的音乐美学教材，既能提高音乐美学的教学质量，又能提升音乐美学的教学档次。其二，要把握好音乐美学该如何讲述。用实践哲学来讲美，用普通心理学讲美感，用艺术学讲艺术，构成了中国美学原理的一般结构。⑤按照这一模式，讲音乐美学的一个好的努力方向，应该是一方面是把音乐与美感结合起来，只有这样，音乐美的问题才能真正讲清楚；另一方面，把音乐学与音乐美学“区分”开来，这样才能使学科体系和课程体系更好地发挥整体功能。其三，要缩短“知”与“行”的距离。音乐美学理论为“知”，教学实践为“行”。音乐美学著作的作者即是理论学说的创作者，同时也应该成为教学前沿的实践者，理论研究者要与教学一线的老师加强沟通与协作，使先进的理念不是停留在纸上，也不是仅在文字表述上，而是聚焦于“教”“、学”、“做”三者合一。教的法子根据学的法子，学的法子根据做的法子，事怎样做就怎样学，怎样学就怎样教。⑥教学者与被教者之间互相服务“最后一公里”，倾向于彼此零距离。如此一来，其最大益处就在于：一是使音乐美学教育效果显著；二是由于适应教学对象不同的关注点从而激发了教学对象的音乐潜能。其四，要整合研究成果，集百家之智成一书之长。从音乐美学理论到教学实践，理想的教材是最基本的遵循。美的理论化，一直是人类的难题。将音乐上升到美学的高度来阐释，同样极其复杂而又高难。研究“美”之难，可以从一组命题中看出：这花是圆的；这花是红的；这花是美的。此花形状客观存在，有没有人，它都是这形状，而此花之颜色却是由人的眼睛构造与光相互作用的结果，没有人眼和与人眼同质的眼睛，物体就无所谓颜色，有些动物只能看见黑白两色，有些动物能看见人所看不见的颜色。但对于已经进化为人的正常眼睛来说，颜色是客观，只要人在看，这花一定是红的。

此花圆此花红，其客观性既可感受又可证明。但此花是美的，其客观性却没法证明。正是这一点呈出了研究美的困难。⑦也正是围绕“花”美与不美，音乐美学研究呈现出千帆竞渡、百家争鸣的局面。假如将这些不同的音乐美学研究成果最大限度地编为一书——音乐美学集成，并运用于教学实践，在比较与鉴别、选择与取舍中，赋予教学对象以自由裁量权，自百家言中择优而学，依个人兴趣而取舍，从而确立个人深造和主攻的方向，如此一来，这凸显综合教材之长的音乐美学集成，其优势既利于“教”又利于“学”，功用不言自明。

三、加强音乐美学理论成果教学转化，培养音乐人才的重要意义

音乐美学理论成果存在的价值，唯有通过教学实践来检验，培养音乐人才必须以音乐美学理论为支撑。二者相辅相成。二十一世纪的中国，是以改革开放、兼容并蓄的姿态面向世界，各国语言不同，文化背景不同，但是追求美、研究美却容易有更多共识，音乐作为一种独特的媒介，可以游走于地球上有人类活动的任何角落，正因为本质上的美，才被不同种族、不同地域的人所接受，音乐美学理论，归根结底，就是把音乐的这现象那现象进行提炼、归纳、演绎、升华，把音乐对人类进步所起到的作用记录下来，传承下去。人在创作音乐，音乐同时也在塑造人。音乐使人美，而懂得美、欣赏美的人又在挖掘音乐之美，这种良性循环推动音乐文化随着人类前行的步伐不断跨越新高度。因此，加强音乐美学理论成果转化，培养音乐人才的重要意义，无论从宏观上还是微观上，都值得我们予以高度认识。首先，加强音乐美学理论成果转化，培养音乐人才是国家文化强国发展战略的现实需要。中国作为全球最大的发展中国家，泱泱大国的国际地位日益确立，战略协作伙伴关系日益促成。音乐文化可以作为传播国家文明的使者，在与不同种族，不同国家的交往与沟通中，起着桥梁与纽带的作用。随着国家文化强国发展战略的强力推进，需要中国音乐和中国音乐美学为实现国家宏伟的目标做贡献。

流行音乐本科论文篇(6)

关键词：学科评估；音乐学科；建设；启示

学科是高校教育事业发展的核心，它不仅承担了各专业人才培养重任，还起到服务国家战略实施、促进各项科研项目研究顺利进行等作用。其中，高校音乐专业作为推动音乐文化发展、音乐人才培养的主要渠道，与其他学科一样，需要通过学科评估方式对其近阶段的发展水平、人才培养质量以及未来发展方向、发展空间等进行细致、全面的检验。学科评估在我国实践时间较短。在十几年的发展过程中，评估指标先后通过多次革新、发展，逐渐趋于合理化。新一轮的评估活动开启后，进行多方面的改革，并针对音乐学科独特的学科特色，定制新的评估指标，采用新的评估方式。比如更注重音乐学科实践性、创造性特征，加入非定性、非定量评估要素等。而这些评估指标对于高校音乐学科建设更具针对性，更能发挥其评估价值，具有一定的指导、启示作用。因此，本文主要针对新一轮评估体系标准对高校音乐学科建设的推动、启示意义进行探究。

1加强音乐学科团队建设

学科的发展需要团队共同参与、共同努力、共同建设。“一个学科的学术地位、学术声誉、学科方向特色凝练，以及该学科能否实现可持续发展，其学术队伍的知识结构和学术层次结构至关重要，要有一流学术造诣和学术声望的学科带头人，还要有结构优良的高水平学术团队。”［1］新音乐学科评估指标中，首先要加入学科团队评估要素。然而，高校音乐学科由于其专业的特殊性，较为注重教师个人表演水平、创作能力的发展，使得从事艺术教育的教师们大都因艺术创作个性需求，在平时的科研与教学过程中显现出特立独行的风格。音乐学科建设中实践性所占比重大，也使其科研团队建设起步较晚，相比其他学科稍显滞后。这些都造成了音乐学科建设中学科团队建设经常被忽视。新的学科评估标准制定后，对于音乐学科的全面、长足发展起到了重要的推动及启示作用。尤其在高层次科研人才的培养方面，既强调科研人才团队建设的重要性，也强调发挥学科带头人的学术引领、支撑作用。对于拥有一级学科、双一流学科的高校来说，在已有的团队发展基础上，应进一步优化学科团队结构，建构合理的研究梯队，尤其在向多个研究方向拓展、重视跨学科研究、加强国内外音乐学术交流合作方面，加大研究力度，从而提高学科团队整体水平，建设具有国际水准、国际视野的师资队伍。具体的措施包括鼓励支持青年教师提升学历，参加和主办国际性学术会议以及与国内外一流的音乐学科院校进行合作、交流。当然，学科团队的建设不仅仅局限于学术研究方面，还需增强对艺术演出、创作等实践团队的培养力度。

2发挥音乐学科民族文化传承职能

新的音乐学科评估指标十分强调音乐学科的社会职能，首先提及的便是发挥其对弘扬、传承社会优秀文化的价值：“以人才培养、科学研究为依托，有目的、有计划、有组织地提供一系列服务经济、政治、文化、社会并取得成效的总体情况，具体可包括但不限于以下内容：弘扬优秀文化，促进社会精神文明建设；举办重要学术会议，创办学术期刊，引领学术发展；推进科学普及，承担社会公共服务；发挥智库作用，为制订政策法规、发展规划、行业标准提供咨询建议并获得采纳等。”从这几行文字可见，音乐学科建设中的人才培养、发展要以服务社会经济、文化、政治发展为目的。而其中弘扬优秀文化的要求作为首要要素应得到重视。尤其高校中民族音乐边缘地位的现状，对我国高校音乐学科体系的建设敲响了一次长长的警钟。学科评估指标强调音乐学科服务于传统优秀文化传承，是对音乐学科建设与发展单一地为发展西方音乐现状的无声批判及有效引导。发扬本民族优秀文化传统是中国人的文化自觉，而这种自觉的行为习惯需要从学生时代就开始培养。这包括将本专业打造成高校所在地区传统音乐文化传承人才培养阵地，为其在现代文化语境中发展、创作、表演打造自己的特色文化艺术作品开辟新的平台。通过校企合作、校政合作等方式，组织社会音乐实践活动，促进传统文化发展，促进地区精神文明建设。此外，还要通过对外合作与交流，传承发扬本国、本土优秀文化，比如积极开展师生海外艺术交流活动，弘扬中华民族优秀文化，提升学校在国外的教育声誉，扩大国际影响力。另外，要加强与台湾、香港、澳门合作、演出等实践交流活动。而在具体的课堂教学中，除了遵循原课程外，应将地方民族音乐文化纳为本校特色课程，加大民族音乐文化在教学中的比重。

3加强音乐学科内涵建设

学科发展的关键是内涵建设，即学科质量提升与发展。新学科评估指标中，加大了内涵建设的比重，更为重视学科质量的评估。这对于音乐学科由外延式发展向内涵式发展的顺利转型起到重要的推动作用。而指标化的评估体系为音乐学科内涵建设指明了发展方向，树立了质量建设意识。尤其音乐学科已经发展到一定规模的高校，在稳定发展基础上，更要围绕提高学科质量做文章。学科内涵建设主要包括以下几大部分：第一，科研质量。科研为人才培养、学科发展保驾护航。高质量的科研成果包括教师们在教学实践中对得失的理论总结，对音乐教学内容、人才培养方式等不断地进行探索与研究。此外，还包括教师们针对自身的专业专长，在音乐学科某一个领域创造的具有前沿性的科研成果。成果的样式包括发表的期刊论文、出版的书籍以及参与的课题等。而成果的质量则主要通过论文内容质量、引用次数，文章发表刊物、出版社、课题的级别等要素进行区别。第二，人才质量。人才培养质量是学科内涵建设好坏的重要检验标准。各高校培养的学生进入社会后，是否能够得到社会及用人单位认可作为指标，主要包括用人单位的反馈以及人才进入社会后所做的贡献。这在新评估体系指标中，集中从“优秀毕业生”贡献一栏中体现。此外，就业率也是一大标准。第三，学科声誉。学科声誉主要是针对本学科科研水平、社会贡献、学科带头人的国内外学术影响及其社会声誉、学科贡献等方面进行衡量，也是发展音乐学科内涵的重要指标。

4结语

学科评估体系的完善与发展，对于我国高校学科建设具有重要的指导、检测意义。而音乐学科的建设随新一轮评估体系指标的革新得到启示，这不仅对音乐学科发展具有重要的推动作用，对于学科评估体系的完善无疑具有促进作用。

参考文献：

［1］…谢桂华.高等学校学科建设论区［M］.北京：高等教育出版社，2011：66.

［2］…董秀华.对我国大学排行实践的回顾与思考［J］.清华大学教育研究，2002（4）：90-95.

流行音乐本科论文篇(7)

关键词：音乐鉴赏，学科综合，活动设计，多媒体

 

新课程改革的实施，使高中音乐教学展现出前所未有的新气象。“课改”深入人心。广大音乐教师对音乐新课程在不断的积极探索。但是，随着音乐系课程的深入推进和普遍展开，许多新问题、新矛盾在实践中凸现出来。如何正确看待音乐教学与学科综合？如何设计有效的课堂教学活动？如何利用多媒体的辅助教学？如何让学生理解音乐的内涵？可不可以创造性的理解？怎样处理和解决这些问题，值得深入探讨。本人根据自己对音乐鉴赏教学的多年实践和思考，针对当前音乐教学的现状，谈谈自己对这些问题的一些粗浅的看法，一边抛砖引玉。论文参考。

1.学科综合要避免盲目延伸，要坚持“以音乐为本”

新《音乐课程标准》的基本理念中讲到“应当提倡学科综合”，它体现了现代教育的发展趋势，是学科体系领域的纵向伸展，也是精英文化向大众文化的回归。合理的学科综合，不仅能拓展学生的审美视野，给学生广阔的体验和表现音乐的空间，而且有利于提高学生的综合文化素质。但是，一些音乐鉴赏课的综合学习越来越多的表现为社会调查、查阅资料、讲述民族历史与文化、文学语言、戏剧表演等非音乐的活动，音乐课堂上充斥着越来越多离题的拓展。如老师在欣赏、介绍云南彝族民歌的时候，大量的跟学生在讨论云南的民族服装、节日、民族习惯等问题，缺乏音乐性，音乐课前半截俨然成了历史文化课。虽然课堂内容丰富多样，但这样的学科综合是不可取的！这样的音乐课迷失了音乐本性！音乐学科综合，必须坚持以音乐为本的原则，必须要以音乐为载体，以丰富的音乐、绚丽多彩的音乐表现形式为综合学习的内容，这样的学科综合才真正体现了《音乐课程标准》的基本理念中讲到“应当提倡学科综合”。

2.课堂活动设计要恰当有效

新课程的实施给音乐鉴赏课带来了很大变化，曾经是“规矩、呆板、拘束”的课堂渐渐离我们远去，各具特色的教学课例层出不穷，令人回味，新课改精神已逐渐深入人心。随着“热闹”的音乐鉴赏课越来越多地涌现，不少一线教师逐渐走入了一个误区：不“热闹”的音乐可就不是好课，不“热闹”的音乐课就体现不出课改的理念。于是，那些即兴课堂表演、小组合作学习活动、分组讨论等等有必要没必要的教学环节，统统都被加了在课堂教学中。“热闹”是有了，却大有哗众取众之嫌，因为有些课堂活动根本就没有踏踏实实地为教学服务，只是为了制造“热闹”而已。

课程改革的过程也是扬弃的过程，在新课程实施中，有些教师只抓住了教学方法的外壳，盲目模仿，迷失了方向，远离了新课程。因此，在设计教学活动时，我们要时时反思自己的教学行为，要从教学内容、学生的年龄特征、教学的时机、学生的参与程度等多角度来分析问题，使音乐课堂活动既有活泼新颖的形式，又有深刻厚实的内涵；既有热闹活跃的气氛，又有凝神思索、静思默想的时刻，让浓浓的音乐流淌在学生心间。音乐活动的设计最好是是能水到渠成，这样的活动，才会事半功倍、锦上添花。

3.多媒体的辅助教学工具，莫让多媒体喧宾夺主

多媒体技术在音乐鉴赏教学中的广泛应用，极大地扩展了教学容量，丰富了教学手段和教学资源，提高了学生学习音乐的兴趣和参与热情，为音乐鉴赏教学带来了崭新的局面，也有效的促进了教学质量提高。因此，越来越受到老师和学生的喜爱，逐渐成为目前主流的音乐教学辅助手段。但在教学实践中，有的老师过多依赖多媒体技术运用，认为一堂成功的音乐课必须得使用多媒体，使用了先进的多媒体手段就等于上了一堂优秀的音乐课，从而走进了多媒体运用的误区。有些教师老师在准备一节音乐鉴赏课时，似乎不是把功夫下在钻研教材、设计教法上，而是把精力聚焦于课件制作上：彩色背景、立体文字、三位动画、影视录像等等应有尽有，不管与教学内容有没有关、有没有必要，教学过程中学生的注意力都被这“辅助手段”深深吸引，他们再没有心思去聆听音乐、去体验音乐。论文参考。一堂课下来，学生们发出的唯一感慨就是：音乐老师制作的课件太棒了！音乐鉴赏课的教学过程是师生感情交流、共同创造的过程，教学中我们应当科学、恰当的运用多媒体课件，根据教学内容精心设计，让多媒体课件真正发挥“画龙点睛”的作用。

4.音乐鉴赏要给学生流出足够的想象空间，教师只能适当的引导，避免过多的言传身教

音乐艺术的非语义性和不确定性，决定了音乐学科同其他学科具有不同的教学方式，即：体验的方式。音乐是一种直接经验，而直接经验的获得，必须通过知觉的方式。因此，音乐教育过程，应是一个学习者对音乐的感受、感悟和音乐对学习者的感染、感化过程。在这个过程中，教师的角色应是引导者和促进者，其作用是引导学习和促进学习，而不是代替学生学习。在实际教学过程中，有些老师仍试图把音乐给学生“讲明白”，这种方式显然是不可取的，其根本症结在于排斥了学生的主动参与，学生无法形成同音乐之间的直接体验与交流。音乐音响的非语义性特征决定了音乐教师不能对音乐作品进行过多讲解，学生们在欣赏同一首音乐作品时，由于各自不同的生活经历，他们所联想或想象到的音乐内容不可能是完全相同的，因此，对音乐内容进行过多的讲解和诠释，无益于学生想象力和创造力的提高。论文参考。

在音乐鉴赏教学中，教师在适当的时机进行适当的言语引导是音乐鉴赏教学有序进行的保证。例如：由于学生音乐经验积累或联想、想象能力的差异，他们在聆听音乐作品时往往表现为浅表层次的不同反应与理解，若达到对音乐深层内容的领会，教师启发性的引导就成为必要。但教师的语言一定要切忌那种直白的音乐解释，而应采取一种对音乐的描述。总之，恰当地引导学生参与音乐体验，体现了教师教学方式的根本变化：由传授变为感受，由讲解变为理解，由分析变为描述。

总上所述，我们要地认识到，实践新课程，提高音乐鉴赏教学的效果，光靠一股热情、盲目模仿是不行的，要对各种教学方法和措施进行实践，并不断反思和小结，才会真正有所收获。在未来的教育教学工作中，我们应时刻紧跟时代的发展，转变教学理念，树立以“学生为本”的思想，建立平等互动的师生关系。及时调控自己的教学能力、教学方法。

【参考文献】

[1] 康晓蕴. 音乐教育中审美教育的探析[J]安徽文学(下半月), 2009, (07) .

[2] 王玲.浅析中国古代音乐艺术——从“和”的审美角度论中国古代音乐艺术[J]. 作家, 2009, (20) .

[3] 王志杰,张绪佳. 感受音乐要素的作用[J]. 中小学音乐教育, 2006, (10) .